Классическая скульптура - Classical sculpture

Leochares: Бельведер Аполлон. Римская копия 130–140 гг. Н.э. с греческого бронзового оригинала 330–320 гг. До н.э. Музеи Ватикана

Классическая скульптура (обычно с маленькой буквой "c") обычно относится к скульптура из Древняя Греция и Древний Рим, а также эллинизированные и романизированные цивилизации, находившиеся под их властью или влиянием, примерно с 500 г. до н.э. до примерно 200 г. н.э. Это также может относиться более точно к периоду в Древнегреческая скульптура примерно с 500 г. до н.э. до начала Эллинистический стиль около 323 г. до н.э., в этом случае обычно пишется с большой буквы.[1] Термин «классический» также широко используется для обозначения стилистической тенденции в более поздней скульптуре, не ограничиваясь работами в Неоклассический или классический стиль.

Основным предметом древнегреческой скульптуры с самых ранних дней была человеческая фигура, обычно мужская и обнаженная (или почти такая). Помимо голов портретных скульптур, тела были очень идеализированы, но достигли беспрецедентной степени натурализма. Помимо отдельно стоящих статуи, термин классическая скульптура включает облегчение работа (например, знаменитая Elgin Marbles Парфенона) и более плоский барельеф стиль. В то время как скульптурные произведения подчеркивали человеческую форму, рельефы использовались для создания сложных декоративных сцен.

Хотя делая большие или монументальные скульптуры почти прекратился в Раннее средневековье И в Византийское искусство, он сильно возродился в Итальянский ренессанс поскольку были раскопаны римские образцы, и классическая скульптура оставалась большим влиянием, по крайней мере, до 19 века.

Древнегреческая скульптура

Есть несколько периодов:

Основная статья: Древнегреческая скульптура

Архаический период

Самой важной скульптурной формой архаического периода была Курос (множественное число: Курой), стоящего обнаженного мужчины (см., например, Битон и Клеобис). Отражая влияние Египта, Курос стоит прямо, левую ногу слегка вперед, руки по бокам. Несмотря на то что Курой были найдены на многих древнегреческих территориях, особенно заметными они были в Аттике и Беотии.[2] Большинство из них были обнаружены в святилищах Аполлона, причем более сотни - только в святилище Аполлона Птуона в Беотии.[3] Эти отдельно стоящие скульптуры, как правило, были мраморными, но их форма также выполнена из известняка, дерева, бронзы, слоновой кости и терракоты. Обычно они в натуральную величину, хотя ранние колоссальные образцы достигают 3 метров в высоту.

Похоже, что древние греческие скульпторы находились под стилистическим влиянием египтян, хотя расхождения проявились рано. В частности, мужские фигуры архаической Греции, как правило, изображались обнаженными, в то время как это было необычно во все периоды древнеегипетского искусства (кроме случаев, когда изображались рабы или враги). Как и в египетском искусстве, женские персонажи всегда изображались одетыми; женская нагота появится намного позже. Поджатые и слегка приподнятые губы и пустой взгляд, идентифицированный как «архаическая улыбка», появляются во многих определяющих произведениях архаического периода.

В этот период более поздний акцент на натуралистической анатомии костей и мышц еще не развился, что можно увидеть, наблюдая такие детали, как колени и другие важные суставы. Некоторые детали кажутся скорее «вырезанными», чем полностью смоделированными, что является пережитком более древних традиций. По мере того, как архаический стиль постепенно трансформировался в так называемый классический стиль, можно обнаружить четкую прогрессию, отображающую все больше и больше технических знаний и навыков.

Классический период

В классический период произошли изменения как в стиле, так и в функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. Возничий Дельф в качестве примера перехода к более натуралистической скульптуре), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческих форм в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н.э. статуи стали изображать реальных людей. Статуи Гармодия и Аристогейтона были установлены в Афинах в честь убийства последнего Писистратид тиран Гиппарх. Говорят, что это первые общественные памятники, изображающие реальных людей.

Когда греческие художники начали изучать человеческое движение и анатомию, они обнаружили, что живые люди склонны демонстрировать «смещение веса» или противопоставление, когда они стоят.

Первая греческая статуя, представленная на выставке контрапост это знаменитый мальчик Критиос, датируемый примерно 480 годом до нашей эры. Вскоре Contrapposto стала определяющим элементом греческой скульптурной техники, кульминацией которой стал Канон Поликлета. Канон - это теоретическая работа, в которой обсуждаются идеальные математические пропорции частей человеческого тела и предлагается динамический противовес для скульптуры человеческой фигуры - между расслабленными и напряженными частями тела и между направлениями, в которых эти части движутся. Поликлет стремился доказать точность своих расчетов, реализовав свои правила в статуе, названной просто: Канон.[4] Хотя сама статуя потеряна для истории, ее принципы проявляются в Дорифор («копьеносец»), который принял чрезвычайно динамичный и изощренный контрапост в его перекрестном балансе жестких и свободных конечностей.

Греческие храмы были специально приспособлены для больших культовых статуй. Они считали, что установка святынь вокруг мест, которые считались святыми, доставит удовольствие богам. В классический период скульпторы создавали не только работы для храмов, но и заупокойные статуи, чтобы воздать должное умершим близким. Скульптуры часто изображали умершего в расслабленной позе. Успешные спортсмены и богатые семьи заказывали себе статуи для храмов, чтобы выразить почтение богам. В V веке до нашей эры портреты стали популярными, появились бюсты с изображением генералов, философов и политических лидеров.

Высокое качество греческих работ вызвало интерес у итальянцев и оказало большое влияние как на этрусское, так и позднее на римское искусство. Энтузиазм, с которым Рим встретил греческое искусство, оказался важным не только из-за передачи классического греческого стиля, но и из-за большей части искусства. дошедшие до нас классические греческие произведения сохранились в основном в виде римских мраморных копий греческих бронзовых оригиналов. Поскольку бронза всегда была ценным металлом, большинство оригиналов, вероятно, были давно переплавлены, а некоторые подлинные пережитки были обнаружены в основном в контексте кораблекрушений.

Тем не менее, греки вырезали мрамор, и многие классические греческие мраморы сохранились; знаменитый Мрамор Парфенона (также известный как мрамор Элгина), длился на месте до начала 19 века. Фактически, многие из сохранившихся классических греческих мраморов принадлежат к архитектурному контексту.

  • Приписывается Евфранор: Париж или Персей. Кораблекрушение Атикитера, ок. 340–330 гг. До н. Э. Национальный археологический музей, Афины.

  • Фидий ' мастерская: Лежащий Дионис, из Парфенон восточный фронтон, ок. 447–433 гг. До н. Э. британский музей

  • Афродита Браски, вольная копия (I в. до н.э.) по обету статуи Пракситель в Книде (Афродита Книдская тип, ок. 350–340 до н.э.). Глиптотека, Мюнхен

Эллинистический период

Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в 4 веке до нашей эры. Скульптура становилась все более натуралистичной. Простые люди, женщины, дети, животные и домашние сцены стали приемлемыми предметами для скульптуры, которую богатые семьи заказывали для украшения своих домов и садов. Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. Большинство греческих мужчин лепились стоя, слегка вбок бедер. Когда люди стоят так, они задействуют больше мышц.

Римская скульптура

Основная статья: Римская скульптура
Август Прима Порта, статуя императора Август, 1 век. Музеи Ватикана

Изучение римской скульптуры осложняется ее отношением к Греческая скульптура. Многие образцы даже самых известных греческих скульптур, таких как Аполлон Бельведерский и Барберини Фавн, известны только из Римский имперский или Эллинистический "копии". В свое время эту имитацию сделали историки искусства как указание на ограниченность римского художественного воображения, но в конце 20-го века римское искусство начало переоцениваться на собственном уровне: некоторые впечатления о природе греческой скульптуры на самом деле могут быть основаны на римском артистизме.

Сильные стороны римской скульптуры - в портретной живописи, где они меньше интересовались идеалом, чем греки или древние египтяне, и создавали очень характерные работы, а также в сюжетных рельефных сценах. Примеры римской скульптуры сохранились в изобилии, что полностью контрастирует с римской живописью, которая очень широко практиковалась, но почти все были потеряны. латинский и немного Греческие авторы, особенно Плиний Старший в Книге 34 его Естественная история, описывают статуи, и некоторые из этих описаний соответствуют дошедшим до нас работам. Хотя большая часть римской скульптуры, особенно из камня, сохранилась более или менее неповрежденной, она часто повреждена или фрагментарна; в натуральную величину бронза статуи встречаются гораздо реже, так как большинство из них было переработано для получения металла.[5]

Большинство статуй были на самом деле гораздо более реалистичными и часто ярко окрашенными при первоначальном создании; Необработанные каменные поверхности, обнаруженные сегодня, связаны с потерей пигмента на протяжении веков.[6]

Портреты

Основная статья: Римская портретная живопись

Портретная живопись доминирующий жанр римской скульптуры, возникший, возможно, из традиционный римский акцент о семье и предках; прихожая (Атриум ) из Римский элитный дом отображается наследственный портретные бюсты. В течение Римская Республика, считалось признак характера чтобы не приукрашивать физические недостатки и, в частности, изображать мужчин суровыми и не заботящимися о тщеславии: портрет был картой опыта. В имперскую эпоху более идеализированные статуи Римские императоры стали повсеместными, особенно в связи с государственная религия Рима. Надгробия даже из скромно богатого среднего класса иногда выставляют портреты неизвестных ранее умерших, вырезанные на облегчение.

Цвет

Современное представление о том, как могла быть окрашена классическая статуя (Музей Ватикана )

Древние статуи и барельефы сохранились, показывая голую поверхность материала, из которого они сделаны, и люди обычно ассоциируют классическое искусство со скульптурой из белого мрамора. Но есть свидетельства того, что многие статуи были окрашены в яркие цвета.[7] Большая часть цвета со временем выветрилась. Во время чистки также были удалены мелкие остатки. Однако в некоторых случаях оставались небольшие следы, которые можно было идентифицировать.[7][8] А передвижная выставка 20 цветных копий греческих и римских произведений, а также 35 оригинальных статуй и рельефов проводились в Европе и США в 2007-2008 гг. Боги в цвете: расписная скульптура античности.[9] Детали, такие как нанесение краски в один или два слоя, насколько тонко измельчены пигменты, или какая именно связующая среда использовалась бы в каждом случае - все элементы, которые повлияли бы на внешний вид готовой детали, - неизвестны.

Влияние

Греко-римская скульптура оказала глубокое влияние на западное искусство. С его помощью греко-римский стиль установил возможность и потенциал реализма в искусстве. Из-за относительной прочности скульптуры ей удалось выжить и продолжать оказывать влияние и информировать художников разных культур и эпох, от Европы до Азии, а сегодня и во всем мире.

В то время как после падения Западной Римской империи классическое искусство постепенно пришло в немилость в Европе, его новое открытие во время раннего Итальянский ренессанс оказался решающим. Одним из важнейших скульпторов классического возрождения был Донателло. Многие другие скульпторы, такие как Микеланджело также сделал работы, которые можно считать классическими. Современный классицизм во многом контрастировал с классической скульптурой XIX века, которая характеризовалась приверженностью к натурализму (Антуан-Луи Бари ) - мелодраматический (Франсуа Руд ) сентиментальность (Жан-Батист Карпо ) - или некое величавое величие (Лорд Лейтон На смену веку было принято несколько различных направлений в классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему оставалось для них фундаментальным.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Кук, Р., Греческое искусство, стр. 142, 148, Penguin, 1986 (перепечатка 1972 г.), ISBN  0140218661
  2. ^ [Нир, Ричард (2012). Греческое искусство и археология: новая история с 2500 по 150 до н.э. Нью-Йорк, США: Thames & Hudson Inc., стр. 115. ISBN  978-0-500-28877-1.]
  3. ^ Ж. Дукат, Les kouroi du Ptoion, 1971
  4. ^ Тобин, Ричард. «Канон Поликлита». Американский журнал археологии 79, вып. 4 (1975): 307-21. DOI: 10.2307 / 503064.
  5. ^ Хенниг, 94–95
  6. ^ http://www.smithsonianmag.com/arts-culture/true-colors-17888/?all
  7. ^ а б Археологический институт Америки: резные живые краски
  8. ^ io9.com: Ультрафиолетовый свет показывает, как на самом деле выглядели древнегреческие статуи
  9. ^ Боги в цвете: расписная скульптура античности 22 сентября 2007 г. - 20 января 2008 г., Музей Артура М. Саклера.
  • Хениг, Мартин (редактор, глава 3, «Скульптура» Энтони Бонанно), Справочник римского искусства, Phaidon, 1983, ISBN  0714822140

внешняя ссылка