Неоклассицизм - Neoclassicism

Для использования в других целях см. Неоклассический (значения).
Психея, возрожденная поцелуем Купидона; к Антонио Канова; 1787; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр
Чарльз Таунли в своей галерее скульптур; к Иоганн Зоффани; 1782; масло на холсте; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли Холл (Бернли, ВЕЛИКОБРИТАНИЯ)

Неоклассицизм (также пишется Неоклассицизм; из Греческий νέος Nèos, "новый" и Греческий κλασικός klasikόs, "высшего ранга")[1] был западным культурное движение в декоративном и изобразительном искусстве, литературе, театре, музыке и архитектуре, которые черпали вдохновение из искусства и культуры классическая древность. Неоклассицизм родился в Рим во многом благодаря трудам Иоганн Иоахим Винкельманн, во время повторного открытия Помпеи и Геркуланум, но его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-искусствоведов закончило учебу. большое путешествие и вернулись из Италии в свои родные страны с вновь открытыми для себя греко-римскими идеалами.[2][3] Основное неоклассическое движение совпало с 18 веком. Эпоха Просвещения, и продолжался до начала 19 века, конкурируя с Романтизм. В архитектуре этот стиль продолжался на протяжении 19, 20 и вплоть до 21 века.

Европейский неоклассицизм в Изобразительное искусство началось c. 1760 г. в противовес господствовавшей тогда Рококо стиль. Архитектура рококо подчеркивает изящество, украшения и асимметрия; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Рим и Древняя Греция, и были более непосредственно взяты из 16-го века Ренессансный классицизм. Каждый «неоклассицизм» выбирает одни модели из диапазона возможных классических, которые ему доступны, и игнорирует другие. Писатели и болтуны неоклассицизма, меценаты и коллекционеры, художники и скульпторы 1765–1830 гг. Воздавали должное идея поколения Фидий, но образцы скульптур, которые они действительно использовали, скорее всего, были римскими копиями Эллинистический скульптуры. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения Поздняя античность. Искусство "рококо" древности Пальмира пришло как откровение, благодаря гравюрам в Руины Пальмиры. Даже Грецию никто не посещал, бурную заводь Османская империя, опасный для исследования, поэтому оценка греческой архитектуры неоклассиками была опосредована рисунками и гравюры, которая тонко сглаживала и упорядочивала, «поправляла» и «реставрировала» памятники Греции, не всегда сознательно.

В Стиль ампир, второй этап неоклассицизма в архитектуре и декоративное искусство, имел свой культурный центр в Париж в Наполеоновская эпоха.

История

Неоклассицизм - это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно классическим периодом.[4] что совпало и отразило развитие философия и других областях эпохи Просвещения, и первоначально было реакцией на эксцессы предыдущего Рококо стиль.[5] В то время как движение часто описывается как противоположный аналог Романтизм, это большое упрощение, которое, как правило, неэффективно, когда рассматриваются конкретные художники или работы. Дело предполагаемого главного поборника позднего неоклассицизма, Ingres, особенно хорошо это демонстрирует.[6] Возрождение можно отнести к установлению формальных археология.[7][8]

Иоганн Иоахим Винкельманн, часто называемый «отцом археологии»[9]

Сочинения Иоганн Иоахим Винкельманн сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре (1750) и Geschichte der Kunst des Alterthums («История древнего искусства», 1764 г.) были первыми, кто резко разграничил древнегреческое и римское искусство и определили периоды в греческом искусстве, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем подражание или упадок, которые продолжают оказывать влияние до настоящего времени. день. Винкельманн считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию»,[10] и восхвалял идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее самом прекрасном виде, но также и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы ее красоты, которые, как считал древний толкователь Платон учит нас, исходить из образов, созданных одним только умом ». Теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей был:« Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемый, это подражание древним ».[11]

С появлением большое путешествие, увлечение коллекционированием древности Это начало, положившее начало множеству великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе.[12] «Неоклассицизм» в каждом искусстве подразумевает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в основном в отношении изобразительного искусства; подобное движение в английская литература, начавшаяся значительно раньше, называется Литература Августа. Это положение, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была аналогичной. В музыке в этот период наблюдался подъем классическая музыка, а «неоклассицизм» используется События 20-го века. Однако оперы Кристоф Уиллибальд Глюк представлял специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре Alceste (1769), целью которого было реформирование оперы путем удаления украшения, увеличивая роль хора в соответствии с Греческая трагедия и использовать более простые мелодические линии без украшений.[13]

Антон Рафаэль Менгс; Суд Парижа; около 1757 г .; масло на холсте; высота: 226 см, ширина: 295 см, прикупил Екатерина Великая из студии; Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)

Термин «неоклассический» был изобретен только в середине 19 века, и в то время стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось. Конечно, в нем были задействованы старинные модели, но этот стиль можно также рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, особенно во Франции, как возврат к более строгим и благородным. Барокко возраста Людовик XIV, за что значительный ностальгия развивалась по мере того, как доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезно падать.[14] Ingres коронационный портрет Наполеона, даже позаимствованный из поздней античности. консульские диптихи и их Каролингский возрождение, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был сильнее всего в архитектура, скульптура и декоративное искусство, где классические модели в той же среде были относительно многочисленны и доступны; примеры из древней живописи, которые продемонстрировали качества, которые письменность Винкельмана обнаружила в скульптуре, и которых не хватает. Винкельман участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеи и Геркуланум и, как и большинство современников, кроме Гэвин Гамильтон, не был ими впечатлен, сославшись на Плиний Младший комментирует упадок живописи в его период.[15]

Что касается живописи, то греческая живопись была полностью утеряна: художники-неоклассики творчески возродили ее, частично через барельеф фризы, мозаика и росписи гончарных изделий, а частично - на образцах росписи и декора Высокое Возрождение из Рафаэль поколения, фрески у Нерона Domus Aurea, Помпеи и Геркуланум, и через новое восхищение Николас Пуссен. Большая часть «неоклассической» живописи более классична по тематике, чем по чему-либо еще. Ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор велся на протяжении десятилетий по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельманн и его коллеги-эллинисты, как правило, были на стороне победителя.[16]

Живопись и эстамп

Смотрите также: Каприччио (искусство)
Вид на так называемый Храм Согласия с Храмом Сатурна, справа Арка Септимия Севера; к Джованни Баттиста Пиранези; 1760–1778; травление; размер всего листа: 53,8 х 79,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Трудно передать современному зрителю радикальный и захватывающий характер ранней неоклассической живописи; теперь он кажется даже тем писателям, которые благосклонно относились к нему, как «безвкусный» и «почти совершенно неинтересный для нас» - некоторые из Кеннет Кларк комментарии к Антон Рафаэль Менгс ' амбициозный Парнас на Вилла Альбани,[17] художником, которого его друг Винкельманн назвал «величайшим художником самого себя и, возможно, более позднего времени».[18] Рисунки, впоследствии превращенные в отпечатки, из Джон Флаксман использовал очень простой рисунок линий (считается самым чистым классическим средством[19]) и фигуры в основном в профиль для изображения Одиссея и другие предметы, которые когда-то «зажигали художественную молодежь Европы», но теперь «заброшены»,[20] в то время исторические картины из Анжелика Кауфман, в основном портретисты, описываются как обладающие "елейной мягкостью и утомительностью" Фриц Новотны.[21] Фривольность рококо и движение барокко были отброшены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-нибудь на их место, и в отсутствие древних примеров исторической живописи, кроме Греческие вазы используется Флаксманом, Рафаэль как правило, использовалась в качестве альтернативной модели, как рекомендовал Винкельманн.

Клятва Горациев; к Жак-Луи Давид; 1784; масло на холсте; высота: 330 см, ширина: 425 см; Лувр
Диана и Амур; к Помпео Батони; 1761; масло на холсте; 124,5 х 172,7 см; Метрополитен-музей

Работы других художников, которых трудно назвать безвкусными, сочетали в себе аспекты романтизма с общим неоклассическим стилем и составляли часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Джейкоб Карстенс закончил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и этюды цветов, которые часто приближаются к предписанию Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии».[22] В отличие от нереализованных схем Карстенса, гравюры из Джованни Баттиста Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забрали те, кто большое путешествие во все части Европы. Его основной темой были здания и руины Рима, и его больше вдохновляла древность, чем современность. Несколько тревожная атмосфера многих из его Ведуте (просмотров) становится доминирующим в его серии из 16 гравюр Carceri d'Invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «угнетающая циклопическая архитектура» передает «мечты о страхе и разочаровании».[23] Швейцарского происхождения Иоганн Генрих Фюссли большую часть своей карьеры он провел в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали готический стиль Романтизм, и стремился вызвать драму и волнение.

Неоклассицизм в живописи получил новое направление с сенсационным успехом Жак-Луи Давид с Клятва Горациев на Парижский салон 1785 года. Несмотря на напоминание о республиканских добродетелях, это было поручение королевского правительства, которое Давид настоял на том, чтобы нарисовать его в Риме. Дэвиду удалось совместить идеалистический стиль с драматизмом и напористостью. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, усиленная тусклой аркадой позади, на которой героические фигуры расположены как в фриз, с намеком на искусственное освещение и постановку опера, а классическая раскраска Николас Пуссен. Давид быстро стал лидером французского искусства, а после французская революция стал политиком с большим правительственным покровительством в искусстве. Ему удалось сохранить влияние в Наполеоновский периода, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но вынужден был покинуть Францию ​​в изгнании в Брюсселе в Восстановление Бурбона.[24]

Среди многих учеников Дэвида Жан-Огюст-Доминик Энгр, который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в Ориентализм и Трубадурский стиль которые трудно отличить от произведений его откровенно романтических современников, за исключением того, что в его работах всегда преобладает рисунок. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до начала XX века. Импрессионизм, но его стиль, однажды сформировавшись, мало изменился.[25]

Скульптура

Сравнение бюста 1-2 веков н.э. богиня рома в Лувр; и бюст, вырезанный примерно в 1821/1824 г. Бертель Торвальдсен от Национальная художественная галерея (Вашингтон, округ Колумбия. )

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, то неоклассическая скульптура имела тенденцию страдать от их избытка, хотя примеров действительной греческой скульптуры «классического периода», начиная примерно с 500 г. до н.э., тогда было очень мало; наиболее ценимыми произведениями были в основном римские копии.[26] Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались огромной репутацией в свое время, но теперь их меньше уважают, за исключением Жан-Антуан Удон, чьи работы были в основном портретами, очень часто бюстами, которые не приносили в жертву идеализму сильное впечатление о личности натурщика. Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых неоклассических скульпторов, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы создать статуя Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томас Джеферсон, Бен Франклин и другие светила новой республики.[27][28]

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба базировались в Риме, и наряду с портретами создавали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляют сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен более суров; разница проиллюстрирована в их соответствующих группах Три грации.[29] Все они, а также Флаксман, все еще были активны в 1820-х годах, и романтизм медленно влиял на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем на протяжении большей части 19 века.

Первым неоклассиком в скульптуре был швед. Йохан Тобиас Сергель.[30] Джон Флаксман был также, или главным образом, скульптором, в основном создававшим строго классические рельефы, сравнимые по стилю с его гравюрами; он также проектировал и моделировал керамику в неоклассическом стиле для Джозайя Веджвуд на несколько лет. Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф, один из немногих скульпторов неоклассицизма, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками,[31] с Франц Антон фон Заунер в Австрии. Австрийский скульптор в стиле позднего барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине карьеры, незадолго до того, как он, похоже, пережил какой-то психический кризис, после чего уехал в деревню и посвятил себя весьма своеобразным «головам персонажей» лысых фигур с экстремальными выражениями лиц.[32] Как у Пиранези Carceri, интерес к ним возродился в эпоху психоанализ в начале 20 века. Голландский скульптор в стиле неоклассицизма Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной скульптурной традиции, за исключением надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей,[33] здесь была принята европейская неоклассическая манера, которая сохранялась десятилетиями и нашла отражение в скульптурах Горацио Гриноу, Гарриет Хосмер, Хирам Пауэрс, Рэндольф Роджерс и Уильям Генри Райнхарт.

Архитектура и декоративное искусство

Основные статьи: Неоклассическая архитектура, Стиль Людовика XVI, Стиль Директории, Стиль ампир, Адам стиль, и Бидермейер
Адам стиль, интерьер Syon House в Лондоне, дизайн Роберт Адам в 1760-х
"The Этрусский комната ", от Потсдам (Германия), иллюстрация Фридрих Вильгельм Клозе примерно в 1840 году

Неоклассическое искусство было традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным одновременно.[34]

Неоклассицизм впервые приобрел влияние в Англии и Франции благодаря поколению французских студентов-искусствоведов, обучавшихся в Риме под влиянием произведений Винкельмана, и быстро был принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция, Польша и Россия. Поначалу классицизирующий декор был привит к привычным европейским формам, как в интерьерах для Екатерина II любовник, Граф Орлов, спроектированный итальянским архитектором с командой итальянских stuccadori: только отдельные овальные медальоны, такие как камеи и барельеф чрезмерный намек на неоклассицизм; Меблировка полностью итальянского рококо.

Вторая волна неоклассицизма, более суровая, более изученная (через посредство гравюры ) и более осознанно археологический, связан с высотой Наполеоновская империя. Во Франции первая фаза неоклассицизма выражалась в «стиле Людовика XVI», а вторая - в стилях, называемых «Директория» или Империя. Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят как политическое заявление молодыми прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими наклонностями.[согласно кому? ]

В декоративном искусстве примером неоклассицизма является мебель в стиле ампир, сделанная в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в Бидермейер мебель австрийского производства; в Карл Фридрих Шинкель музеи в Берлине, сэр Джон Соан Банк Англии в Лондоне и недавно построенный "Капитолий "в Вашингтоне, округ Колумбия; и в Wedgwood с барельефы и «черные базальты» вазы. Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Кэмерон создавал роскошные интерьеры в итальянском стиле для уроженцев Германии Екатерина II Великая, в русском Санкт-Петербурге.

Внутри помещения неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеи и Геркуланум. Они начались в конце 1740-х годов, но получили широкую аудиторию только в 1760-х годах.[35] с первыми роскошными объемами жестко контролируемого распределения Le Antichità di Ercolano (Древности Геркуланума). Древности Геркуланума показали, что даже самые классические интерьеры Барокко, или самые «римские» комнаты Уильям Кент были основаны на базилика и храм внешняя архитектура, обращенная вовнутрь, отсюда их часто напыщенный вид для современных глаз: вырезанный оконные рамы превратились в позолоченный зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римский и подлинно интерьерный словарь.

Техники, использованные в этом стиле, включали более плоские, более легкие мотивы, вылепленные в низком стиле. фриз -подобный рельеф или окрашенный в однотонные en camaïeu («как камеи»), отдельные медальоны, вазы, бюсты или букрания или другие мотивы, подвешенные на лаврах или ленточках, с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпейского красного» или бледных оттенков, или цветов камня. Стиль во Франции изначально был парижским. Goût grec («Греческий стиль»), а не придворный стиль; когда Людовик XVI взошел на престол в 1774 г., Мария Антуанетта Его королева, любящая моду, представила стиль Людовика XVI. Однако реальных попыток использовать основные формы римской мебели не было примерно до начала века, и мебельщики с большей вероятностью заимствовали из древней архитектуры, так же как мастера по серебру чаще брали из древней керамики и камня. резьба, а не изделия из металла: «Дизайнеры и мастера ... похоже, получали почти извращенное удовольствие при переносе мотивов из одного материала в другой».[36]

Шато де Мальмезон, 1800, комната для Императрица Жозефина, на пороге между Стиль Директории и Стиль ампир

Примерно с 1800 года новый приток греческих архитектурных образцов, замеченных через офорты и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, Греческое возрождение. В то же время Стиль ампир была более грандиозная волна неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве. Основанный в основном на римских стилях Империи, он возник и получил свое название от правления Наполеон в Первая французская империя, где он был призван идеализировать руководство Наполеона и французское государство. Стиль соответствует более буржуазным Бидермейер стиль в немецкоязычных странах, Федеральный стиль В Соединенных Штатах,[35] то Стиль Регентства в Британии и Наполеоновский стиль в Швеции. По мнению искусствоведа Хью Хонор «Империя настолько далека от того, что, как иногда предполагают, является кульминацией неоклассического движения, она знаменует свой быстрый упадок и превращение снова в простое античное возрождение, лишенное всех благородных идей и силы убеждения, которые вдохновляли свои шедевры ».[37] Более ранняя фаза стиля называлась Адам стиль в Великобритании и «Людовик Зеиз», или Людовик XVI, во Франции.

Неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическое искусство в 19 ​​веке и позже - постоянная противоположность Романтизм или Готические возрождения -, хотя с конца 19-го века во влиятельных критических кругах его часто считали антисовременным или даже реакционным.[ВОЗ? ] Центры нескольких европейских городов, в частности Санкт-Петербург и Мюнхен, стали очень похожи на музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, возникший в 18 веке, который набирал популярность на протяжении всего 19 века, контрастировал с неоклассицизмом. В то время как неоклассицизм характеризовался стилями, геометрическими линиями и порядком, находящимися под влиянием греков и римлян, в архитектуре готического возрождения упор делался на средневековые здания, которые часто имели деревенский, «романтический» вид.

Стиль Людовика XVI (1760-1789)

Основная статья: Стиль Людовика XVI
В Hôtel de Coislin из Парижа, построен в 1770 г.

Это знаменует переход от Рококо к классицизму. в отличие от Классицизм Людовика XIV, который превращал орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистично и естественно, то есть лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы - такими же и так далее. Один из главных декоративных принципов - симметрия. В интерьере использованы очень яркие цвета, в том числе белый, светло-серый, ярко-синий, розовый, желтый, очень светлый лиловый и золотой. Избегают излишков орнамента.[38] Возвращение к античности является синонимом, прежде всего, возврата к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке вещей. Змеиные больше не допускались, за исключением случайных полукругов или овалов. Внутренний декор также удостоился этого вкуса к строгости, в результате чего плоские поверхности и прямые углы вернулись в моду. Орнамент использовался для смягчения этой строгости, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Даже так, ébénistes часто скошенные передние углы, чтобы избежать чрезмерной жесткости.[39]

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены древность, то Стиль Людовика XIV, и природа. Характерные элементы стиля: мозаичные диски, гильошированный, двойные бантики, копченые жаровни, линейные повторения мелких мотивов (розетки, бусы, овцы), трофей или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты, акант листья, gadrooning, переплетение, извилины, рога изобилия, маскароны, Древние урны, треноги, парфюмерные горелки, дельфины, головы барана и льва, химеры, и грифоны. Также очень часто используются греко-римские архитектурные мотивы: флейты, пилястры (рифленые и без канавок), рифленые балясины (витые и прямые), столбцы (помолвлен и не задействован, иногда заменяется кариатиды ), спираль кронштейны, триглифы с гутты (в облегчение и trompe-l'œil ).[40]

  • В Салон Доре из Мария Антуанетта, в Версальский Дворец (Франция), пример Людовик XVI номер

  • Часы в форме овальной вазы с вращающимся циферблатом; 1775–1780; позолоченная бронза, краски по металлу и белому мрамору; Лувр

  • Парижский угловой шкаф; к Жан Анри Ризенер; 1780–1790; опоры из дуба, красного дерева, мрамора и ормолу; 94,3 × 81,3 × 55,9 см; Художественный институт Чикаго (НАС)[41]

  • Большая ваза; 1783; твердый фарфор и позолоченная бронза; высота: 2 м, диаметр: 0,90 м; Лувр

  • Графический принт; 1784–1785; шерсть; 162,6 х 144,8 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Ewer; 1784–1785; серебро; высота: 32,9 см; Метрополитен-музей

  • Противопожарный экран (écran); около 1786 г .; резной, позолоченный и посеребренный бук; Шелковая парча XVIII века (не оригинальная для каркаса); 106,7 х 67,9 х 41,3 см; Метрополитен-музей

  • Табурет складной (податливый); 1786; резной и расписной бук, покрытый розовым шелком; 46,4 × 68,6 × 51,4 см; Метрополитен-музей

  • Пара ваз; 1789; твердый фарфор, позолоченная бронза, мрамор; высота (каждая): 23 см; Метрополитен-музей

  • Кресло (fauteuil) из Салона Людовика XVI в Сен-Клу; 1788; резной и позолоченный орех, золотая парча, шелк (не оригинал); общие: 100 × 74,9 × 65,1 см; Метрополитен-музей

Стиль ампир (1804-1815)

Основная статья: Стиль ампир
Château de Compiègne, королевская резиденция, построенная для Людовик XV и восстановлен Наполеон

Это представитель нового французского общества, вышедшего из революция которые задают тон во всех сферах жизни, в том числе в искусстве. В Жаккардовая машина была изобретена в этот период (которая произвела революцию во всей швейной системе, до тех пор ручная). Один из доминирующих цветов - красный, украшенный позолоченная бронза. Также используются яркие цвета, в том числе белый, крем, фиолетовый, коричневый, голубой, темно-красный, с мелкими орнаментами из позолоченной бронзы. Архитектура интерьера включает деревянные панели, украшенные позолотой. рельефы (на белом или цветном фоне). Мотивы размещены геометрически. Стены покрыты лепнина, обои пр тканями. Каминные камины выполнены из белого мрамора, имеют кариатиды по их углам или другим элементам: обелиски, сфинксы, крылатые львы и так далее. На их вершинах размещались бронзовые предметы, в том числе каминные часы. Двери состоят из простых прямоугольных панелей, украшенных центральной фигурой в стиле Помпеи. Ткани в стиле ампир - это дамаски с голубым или коричневым фоном, атлас с зеленым, розовым или пурпурным фоном, бархат тех же цветов, броши, прошитые золотом или серебром, хлопчатобумажные ткани. Все это использовалось в интерьерах для штор, для обивки определенной мебели, для подушек или обивки (пена также используется для обивки).[42]

Все орнаменты в стиле ампир подчинены строгому духу симметрии, напоминающему Стиль Людовика XIV. Как правило, мотивы на правой и левой сторонах изделия соответствуют друг другу во всех деталях; когда они этого не делают, отдельные мотивы сами полностью симметричный в композиции: старинные головы с одинаковыми косами, падающими на каждое плечо, фронтальные фигуры Победы с симметрично выстроенными туниками, одинаковые розетки или лебеди, обрамляющие пластину замка и т. д. Людовик XIV, Наполеон имел набор эмблем, безошибочно связанных с его правлением, в первую очередь орел, пчелу, звезды и инициалы я (за Император) и N (за Наполеон), которые обычно вписывались в императорскую лавровую корону. Используемые мотивы включают: фигуры Победа несущие пальмовые ветви, греческие танцовщицы, обнаженные и драпированные женщины, фигуры античных колесниц, крылатые путти, маскароны из Аполлон, Гермес и Горгона, лебеди, львы, головы быков, лошади и звери, бабочки, когти, крылатые химеры, сфинксы, букрания, морские коньки, дубовые венки, завязанные тонкими висящими лентами, вьющиеся виноградные лозы, мак Rinceaux, розетки, пальмовые ветви и лавр. Греко-римских много: жестких и плоских акант уходит, пальметты, рога изобилия, бусы, амфоры, штативы, диски с черепицей, кадуцеи из Меркурий, вазы, шлемы, горящие факелы, крылатые трубачи и старинные музыкальные инструменты (тубы, погремушки и особенно лиры ). Несмотря на свое античное происхождение, гофре и триглифы столь распространенные при Людовике XVI заброшены. Египетское возрождение мотивы особенно распространены в начале периода: скарабеи, лотос столицы, крылатые диски, обелиски, пирамиды, фигуры в заклятые враги, кариатиды en gaine поддерживается босыми ногами и женскими египетскими головными уборами.[43]

  • Голубой салон Château de Compiègne из Компьень (Франция), образец интерьера в стиле ампир

  • Облицовка камина из Salon des dames d'honneur в Château de Compiègne

  • Кофейник; 1797–1809; серебро позолота; высота: 33,3 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Умывальник (Athénienne или Lavabo); 1800–1814; ножки, основание и полочка из тиса, позолоченная бронза крепления, железная пластина под полкой; высота: 92,4 см, ширина: 49,5 см; Метрополитен-музей

  • Платье, основанное на греко-римской моде; около 1804 г .; хлопок; Метрополитен-музей

  • Рабочий стул (fauteuil de bureau); 1805–1808; красное дерево, позолоченная бронза и обивка сатин-бархат; 87,6 × 59,7 × 64,8 см; Метрополитен-музей

  • Ваза; 1809; ручки из твердого фарфора и позолоченной бронзы; высота: 74,9 см, диаметр: 35,6 см; Уодсворт Атенеум (Хартфорд, Коннектикут, США)[44]

  • Иллюстрация 1809 года, показывающая, как выглядит мужская мода в стиле ампир, от Журнал дам и мод

  • Шкаф для монет египетского возрождения; к Франсуа-Оноре-Жорж Жакоб-Десмальтер; 1809–1819; красное дерево (наверное Swietenia mahagoni ), с накладным и инкрустированным серебром; 90,2 х 50,2 х 37,5 см; Метрополитен-музей

  • Часы с Марс и Венера; около 1810 г .; позолоченная бронза и патина; высота: 90 см; Лувр

  • Пара канделябров с крыльями Победы; 1810–1815; позолоченная бронза; высота (каждая): 127,6 см; Метрополитен-музей

  • Ковер; 1814–1830; 309,9 × 246,4 см; Метрополитен-музей

Сады

В Англии литература Августа имела прямую параллель с августовским стилем ландшафтного дизайна. Ссылки хорошо видны в работе Александр Поуп. Лучшие сохранившиеся образцы английских садов в неоклассическом стиле: Chiswick House, Стоу Хаус и Stourhead.[45]

Неоклассицизм и мода

Революционная светская львица Тереза ​​Тальен
Портрет Антуан Валеду с 1809 г.

В моде неоклассицизм повлиял на гораздо большую простоту женских платьев и устойчивую моду на белое еще задолго до Французской революции, но только после этого во Франции стали модными тщательные попытки подражать древним стилям. по крайней мере, для женщин. Классические костюмы издавна носили модницы, изображавшие на портрете фигуру из греческого или римского мифа (в частности, таких портретов юной модели было много. Эмма, леди Гамильтон с 1780-х гг.), но такие костюмы носили только для портретного сидения и бал-маскарад до Революционного периода и, возможно, как и другие экзотические стили, как раздеваются дома. Но стили, которые носят портреты Жюльетт Рекамье, Жозефина де Богарне, Тереза ​​Тальен и другие парижские законодатели моды тоже были за то, чтобы выходить на публику. Увидев мадам Тальен в опере, Талейран язвительно это: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!(«Пышнее раздеться нельзя»). В 1788 году, незадолго до революции, придворный портретист Луиза Элизабет Виже Лебрен устроили греческий ужин, на котором дамы были в простых белых греческих туниках.[46] Более короткие классические прически, по возможности с завитками, были менее спорными и получили широкое распространение, а волосы теперь были открыты даже на открытом воздухе; кроме вечернего платья, чепчики или другие покрытия раньше обычно носили даже в помещении. Вместо этого для завязывания или украшения волос использовались тонкие ленты или филе в греческом стиле.

Очень легкие и свободные платья, обычно белые и часто с потрясающе обнаженными руками, резко поднимались от щиколотки до чуть ниже лифа, где был сильно подчеркнут тонкий подол или завязка вокруг тела, часто другого цвета. Форма теперь часто известна как Силуэт империи хотя это предшествует Первая французская империя Наполеона, но его первая императрица Жозефина Богарне оказала влияние на его распространение по Европе. Длинная прямоугольная шаль или накидка, очень часто простая красная, но с украшенной каймой на портретах, помогала в холодную погоду и, очевидно, укладывалась вокруг живота в сидячем положении - для чего предпочитались распростертые полулежаящие позы.[47] К началу XIX века такие стили широко распространились по Европе.

Неоклассическая мода для мужчин была гораздо более проблематичной и никогда не пользовалась успехом, кроме прически, где она играла важную роль в более коротких стилях, которые в конечном итоге привели к использованию париков, а затем и белой пудры для волос для молодых мужчин. Брюки были символом варвара для греков и римлян, но за пределами мастерской художника или, особенно, скульптора, немногие люди были готовы отказаться от него. Действительно, в этот период восторжествовали чистые брюки, или Панталоне, над Каллоты или галифе из Ancien Régime. Даже когда Давид разработал новый французский «национальный костюм» по просьбе правительства во время пика революционного энтузиазма по поводу изменения всего в 1792 году, он включал довольно узкие леггинсы под пальто, которое доходило до колен. Большая часть обеспеченных молодых людей провела большую часть ключевого периода на военной службе из-за Французские революционные войны, а военная форма, которая стала подчеркивать короткие спереди куртки, дававшие полный обзор обтягивающих брюк, часто носилась в свободное от службы время и оказывала влияние на циливианский мужской стиль.

Проблема брюк была признана художниками препятствием для создания современных исторические картины; как и другие элементы современной одежды, многие художники и критики считали их безобразно уродливыми и негероическими. Были использованы различные стратегии, чтобы избежать их изображения в современных сценах. В Джеймс Докинз и Роберт Вуд Открытие руин Пальмира (1758) автор: Гэвин Гамильтон, два джентльмена-антиквара показаны на тога -подобные арабские одежды. В Ватсон и акула (1778) по Джон Синглтон Копли, основная фигура вполне может быть изображена обнаженной, а композиция такова, что из восьми других показанных мужчин только один изображает в штанах нога заметно. Однако американцы Копли и Бенджамин Уэст руководил художниками, которые успешно показали, что брюки можно использовать в героических сценах, с такими работами, как работы Уэста. Смерть генерала Вульфа (1770) и Копли Смерть майора Пирсона, 6 января 1781 г. (1783), хотя брюк все еще избегали в Плот Медузы, завершена в 1819 году.

Классические мужские прически включали: Бедфорд Кроп, возможно, предшественник большинства простых современных мужских стилей, который был изобретен радикальным политиком Фрэнсис Рассел, пятый герцог Бедфорд в знак протеста против налог на пудру для волос; он призвал своих друзей принять его, поспорив, что они этого не сделают. Другой влиятельный стиль (или группа стилей) был назван французами «à la Titus» в честь Тит Юний Брут (на самом деле не римский император Тит как часто предполагается), с короткими и многослойными волосами, но несколько скопленными на макушке, часто со сдержанными челками или свисающими прядями; варианты знакомы по волосам обоих Наполеон и Георг IV Соединенного Королевства. Стиль должен был быть введен актером. Франсуа-Жозеф Тальма, который отодвинул на второй план своих со-актеров в парике, появляясь в постановках таких произведений, как Вольтер с Брут (около Луций Юний Брут, который приказывает казнить своего сына Тита). В 1799 году парижский журнал мод сообщил, что даже лысые мужчины носили парики Титуса,[48] и этот стиль также носили женщины, Journal de Paris сообщая в 1802 году, что «более половины элегантных женщин носили свои волосы или парики. à la Titus.[49]

Поздний неоклассицизм

Западный корпус (1941 г.) Национальная художественная галерея в Вашингтоне
В Дом Ассана из Бухарест (Румыния ), 1906–1914, построен по проекту архитектора Ион Д. Бериндей, во французском Неоклассический стиль
Часть серия на
Классицизм
Классическая древность
Эпоха Просвещения
Неоклассицизм 20 века

В американской архитектуре неоклассицизм был одним из выражений Американский ренессанс движение ок. 1890–1917; его последнее проявление было в Архитектура изящных искусств, а его последними крупными общественными проектами стали мемориал Линкольна (сильно критиковали в то время), Национальная художественная галерея в Вашингтоне, округ Колумбия (также подвергается резкой критике со стороны архитектурного сообщества как отсталый и старомодный в своем дизайне), и Американский музей естественной истории Мемориал Рузвельта. Когда они были закончены, они считались стилистическими анахронизмами. В британском владычестве, сэр Эдвин Лютьенс 'монументальное городское планирование для Нью-Дели знаменует собой славный закат неоклассицизма. Вторая мировая война должна была разрушить самые страстные ожидания мифических и героических времен (и имитирующие их).

Консервативный модернист архитекторы, такие как Огюст Перре во Франции даже в фабричных зданиях сохранились ритмы и интервалы столбчатой ​​архитектуры. Где колоннада был бы назван «реакционным», здание пилястра -подобно рифленый панели под повторяющийся фриз выглядело "прогрессивно". Пабло Пикассо экспериментировал с классическими мотивами в годы, последовавшие сразу за Первая Мировая Война, а Арт-деко стиль, который выдвинулся на первый план после Парижской конференции 1925 г. Выставка декоративного искусства, часто использовали неоклассические мотивы, не выражая их открыто: суровые, блочные комоды к Э.-Ж. Ruhlmann или Сью & Кобыла; четкие, крайне барельефы с изображениями дев и газелей во всех средах; модные платья с драпировкой или косым вырезом, воссоздающие греческие линии; художественный танец Айседора Дункан; то Оптимизация модерна стилизация почтовых отделений США и зданий окружных судов, построенных еще в 1950 году; и Дайм Рузвельта.

В 20 веке в искусстве существовало движение, которое также называлось неоклассицизмом. Он охватывал как минимум музыку, философию и литературу. Это было между окончанием Первой мировой войны и концом Второй мировой войны. (Для получения информации о музыкальных аспектах см. Классическая музыка 20 века и Неоклассицизм в музыке. Для получения информации о философских аспектах см. Великие книги.)

Это литературное неоклассическое движение отвергало крайний романтизм (например) Дадаизм, в пользу сдержанности, религии (особенно христианства) и реакционной политической программы. Хотя основы этого движения в английская литература были заложены Т. Э. Халм, самые известные неоклассики были Т. С. Элиот и Виндхэм Льюис. В России движение зародилось еще в 1910 году под названием Акмеизм, с участием Анна Ахматова и Осип Мандельштам как ведущие представители.

В музыке

Неоклассицизм в музыке движение 20 века; в данном случае это Классический и Барокко возрождались музыкальные стили 17-18 веков с их любовью к греческим и римским темам, а не к музыке самого древнего мира. (Начало 20-го века еще не отличало период барокко в музыке, на который в основном опирались неоклассические композиторы, от того, что мы сейчас называем классическим периодом.) Это движение было реакцией в первой половине 20-го века на распадающийся хроматизм поздний романтизм и импрессионизм, возникшие параллельно с музыкальным модернизмом, который стремился полностью отказаться от ключевой тональности. Он демонстрировал стремление к чистоте и простоте стиля, что позволяло довольно диссонирующе перефразировать классические процедуры, но стремилось сдуть паутину романтизма и сумеречные отблески Импрессионизм в пользу смелых ритмов, напористой гармонии и четких секционных форм, совпадающих с модой на реконструированные «классические» танцы и костюм в балет и физическая культура.

Танцевальная сюита XVII-XVIII веков до этого пережила небольшое возрождение. Первая Мировая Война но неоклассики в целом были недовольны неизменным диатонизмом и стремились подчеркивать яркий диссонанс подвесов и орнаментов, угловатые качества модальной гармонии 17-го века и энергичные линии контрабандного письма. Респиги Древние арии и танцы (1917) проложил путь к звуку, к которому стремились неоклассики. Хотя практика заимствования музыкальных стилей из прошлого не была редкостью на протяжении всей истории музыки, музыкальное искусство пережило периоды, когда музыканты использовали современные методы в сочетании со старыми формами или гармониями для создания новых видов произведений. Примечательными композиционными характеристиками являются: отсылка к диатонической тональности, общепринятым формам (танцевальные сюиты, концерти гросси, сонатные формы и т. Д.), Идея абсолютной музыки, не скованная описательными или эмоциональными ассоциациями, использование легких музыкальных текстур и краткость музыкального выражения . В классической музыке это особенно заметно между 1920-ми и 1950-ми годами. Игорь Стравинский самый известный композитор, использующий этот стиль; он эффективно начал музыкальную революцию своим баховским Октет для духовых инструментов (1923). Отдельная индивидуальная работа, хорошо представляющая этот стиль, - это Прокофьев с Классическая симфония №1 в D, что напоминает симфонический стиль Гайдн или Моцарт. Неоклассический балет как новаторский Джордж Баланчин расчистили стиль русского императора с точки зрения костюма, шагов и повествования, а также представили технические новинки.

Архитектура в России и Советском Союзе

Останкинский дворец, разработано Франческо Кампорези Завершено в 1798 г. в Москве, Россия.

В 1905–1914 годах русская архитектура пережила короткий, но влиятельный период: Неоклассическое возрождение; тренд начался с воссоздания стиля ампир александрин периода и быстро разрослись в разновидности неоренессанса, Палладиан и модернизированные, но узнаваемые классические школы. Их возглавили архитекторы 1870-х годов рождения, достигшие творческого пика перед Первой мировой войной, например Иван Фомин, Владимир Щуко и Иван Жолтовский. Когда в 1920-х годах экономика восстановилась, эти архитекторы и их последователи продолжили работать в основном в модернист среда; одни (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов ) разработали собственные модернизированные стили.[50]

Усадьба Архангельское

С подавлением независимости архитекторов и официальным отрицанием модернизма (1932 г.), продемонстрированным международным конкурсом Дворец Советов, Неоклассицизм был мгновенно продвинут как один из вариантов Сталинская архитектура, хотя и не единственный. Он сосуществовал с умеренно модернистской архитектурой Борис Иофан, граничащий с современными Арт-деко (Щуко); опять же, чистейшие образцы стиля были произведены школой Жолтовского, остававшейся изолированным явлением. Политическое вмешательство было катастрофой для конструктивист лидеров все же искренне приветствовали архитекторы классических школ.

Для СССР неоклассицизм был легким выбором, поскольку он не опирался на современные строительные технологии (стальной каркас или железобетон ) и может быть воспроизведен в традиционном кирпичная кладка. Так работы Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом материале. нормирование. Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (в том числе «экспортная» архитектура Дворец культуры и науки, Варшава и Шанхай International Convention Center) мало что разделяют с классическими моделями. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положить конец дорогой сталинской архитектуре.

Архитектура 21 века

Основная статья: Новая классическая архитектура
Симфонический центр Шермерхорна, 2006

После затишья в период господства современной архитектуры (примерно после Второй мировой войны до середины 1980-х годов) неоклассицизм стал свидетелем возрождения.

Начиная с первого десятилетия 21-го века, современная неоклассическая архитектура обычно классифицируется под общим термином Новая классическая архитектура. Иногда его также называют неоисторизмом или традиционализмом.[51] Также ряд штук постмодернистская архитектура черпать вдохновение и включать явные ссылки на неоклассицизм, Район Антигона и Национальный театр Каталонии в Барселона из их. Постмодернистская архитектура иногда включает исторические элементы, такие как колонны, капители или тимпан.

Для искренней архитектуры в традиционном стиле, которая придерживается региональной архитектуры, материалов и мастерства, термин Традиционная архитектура (или разговорный) в основном используется. В Приз архитектуры Дрихауса присуждается крупным авторам в области традиционной или классической архитектуры 21 века, и его денежный приз вдвое выше, чем у модернистов. Притцкеровская премия.[52]

В США различные современные общественные здания построены в неоклассическом стиле. Симфонический центр Шермерхорна в Нэшвилл являясь примером.

В Британии ряд архитекторов работает в неоклассическом стиле. Примеры их работы включают две университетские библиотеки: Куинлан Терри Библиотека Мейтленда Робинсона в Даунинг Колледж и Роберт Адам Architects ' Библиотека Саклера.

Смотрите также

Примечания

  1. ^ «Этимология английского слова» неоклассицизм"". myetymology.com. Получено 2016-05-09.
  2. ^ Стивенсон, Ангус (19 августа 2010 г.). Оксфордский словарь английского языка. ISBN  9780199571123.
  3. ^ Коле, Хубертус (7 августа 2006 г.). «Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма». Жак Луи Давид. Новые перспективы.
  4. ^ Ирвин, Дэвид Г. (1997). Неоклассицизм A&I (Искусство и идеи). Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-3369-9.
  5. ^ Честь, 17-25 лет; Новотный, 21
  6. ^ Повторяющаяся тема у Кларка: 19-23, 58-62, 69, 97-98 (на Энгра); Честь, 187–190; Новотный, 86-87
  7. ^ Линго, Эстель Сесиль (2007). Франсуа Дюкенуа и греческий идеал. Издательство Йельского университета; Первое издание. стр.161. ISBN  978-0-300-12483-5.
  8. ^ Тэлботт, Пейдж (1995). Классическая саванна: изобразительное и декоративное искусство, 1800-1840 гг.. Пресса Университета Джорджии. п. 6. ISBN  978-0-8203-1793-9.
  9. ^ Каннингем, Райх, Лоуренс С., Джон Дж. (2009). Культура и ценности: обзор гуманитарных наук. Wadsworth Publishing; 7 издание. п. 104. ISBN  978-0-495-56877-3.
  10. ^ Честь, 57-62, 61 цитируется
  11. ^ Обе цитаты с первых страниц книги «Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре»
  12. ^ Дайсон, Стивен Л. (2006). В погоне за древним прошлым: история классической археологии девятнадцатого и двадцатого веков. Издательство Йельского университета. стр. xii. ISBN  978-0-300-11097-5.
  13. ^ Честь, 21
  14. ^ Честь, 11, 23-25
  15. ^ Честь, 44–46; Новотный, 21
  16. ^ Честь, 43–62
  17. ^ Кларк, 20 (цитируется); Честь, 14; изображение картины (справедливости ради, другие работы Менгса более удачны)
  18. ^ Честь, 31-32 (31 цитирование)
  19. ^ Честь, 113-114
  20. ^ Чести, 14
  21. ^ Новотный, 62
  22. ^ Новотный, 51-54
  23. ^ Кларк, 45–58 (цитируется 47–48); Честь, 50-57
  24. ^ Честь, 34–37; Кларк, 21–26; Новотный, 19-22
  25. ^ Новотный, 39-47; Кларк, 97–145; Честь, 187–190 гг.
  26. ^ Новотный, 378
  27. ^ Новотный, 378–379
  28. ^ Чинард, Гилберт, изд., Гудон в Америке Арно Пресс, Нью-Йорк, 1979, переиздание книги, опубликованной Университетом Джона Хопкинса, 1930
  29. ^ Новотный, 379-384
  30. ^ Новотный, 384-385
  31. ^ Новотный, 388-389
  32. ^ Новотный, 390-392
  33. ^ Гердтс, Уильям Х., Американская неоклассическая скульптура: Мраморное воскресение, Viking Press, Нью-Йорк, 1973, стр. 11
  34. ^ Палмер, Алиссон Ли. Исторический словарь неоклассического искусства и архитектуры. п. 1.
  35. ^ а б Гонтарь
  36. ^ Честь, 110–111, 110 цитирований
  37. ^ Honor, 171–184, 171 цитируется
  38. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 200, 201 и 202.
  39. ^ Сильви, Чадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко. Литтл, Браун и компания. п. 71.
  40. ^ Сильви, Чадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко. Литтл, Браун и компания. п. 72.
  41. ^ https://www.artic.edu/artworks/96539/corner-cabinet. Отсутствует или пусто | название = (Помогите)
  42. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 217, 219, 220 и 221.
  43. ^ Сильви, Чадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко. Литтл, Браун и компания. п. 103 и 105.
  44. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг.. п. 209. ISBN  978-0-8109-9345-7.
  45. ^ Тернер, Тернер (2013). Британские сады: история, философия и дизайн, Глава 6 Неоклассические сады и пейзажи 1730-1800 гг.. Лондон: Рутледж. п. 456. ISBN  978-0415518789.
  46. ^ Хант, 244
  47. ^ Хант, 244–245
  48. ^ Хант, 243
  49. ^ Рифеля, 35
  50. ^ «Истоки модернизма в русской архитектуре». Content.cdlib.org. Получено 2012-02-12.
  51. ^ «Архитектура неоклассицизма. Традиционализм. Историзм».
  52. ^ Премия Дрихауза за новую классическую архитектуру в Нотр-Дам SoA – Вместе премия Дрихауса за 200 000 долларов и награда Рида за 50 000 долларов представляют собой наиболее значимое признание классицизма в современной архитектурной среде.; сохранен 7 марта 2014 г.

Рекомендации

  • Кларк, Кеннет, Романтическое восстание: романтическое против классического искусства, 1976, Омега. ISBN  0-86007-718-7.
  • Честь, Хью, Неоклассицизм. Стиль и цивилизация 1968 (переиздано 1977), Penguin
  • Гонтар, Кибела, «Неоклассицизм», Хейльбрун, Хронология истории искусств. Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000– онлайн
  • Хант, Линн, «Свобода одежды в революционной Франции», в От королевского к республиканскому органу: включение политического во Франции семнадцатого и восемнадцатого веков, Редакторы: Сара Э. Мельцер, Кэтрин Норберг, 1998, University of California Press, 1998, ISBN  0520208072,9780520208070
  • Фриц Новотны, Живопись и скульптура в Европе 1780–1880 гг., 2-е издание (переиздано в 1980 г.).
  • Рифель, Кэрол де Добай, Прически: волосы во французской литературе и культуре XIX века, 2010, Университет штата Делавэр, ISBN  0874130999, 9780874130997, книги Google

дальнейшее чтение

  • Браун, Кевин (2017). Художник и меценаты: придворное искусство и революция в Брюсселе в конце старого режима, Датч Кроссинг, Тейлор и Фрэнсис
  • Эриксен, Свенд. Ранний неоклассицизм во Франции (1974)
  • Фридлендер, Вальтер (1952). Давид Делакруа (первоначально опубликовано на немецком языке; переиздано в 1980 г.)
  • Громорт, Жорж, со вступительным эссе Ричард Саммонс (2001). Элементы классической архитектуры (Серия "Классическая Америка в искусстве и архитектуре")
  • Харрисон, Чарльз; Пол Вуд и Джейсон Гайгер (редакторы) (2000; копия 2003). Искусство в теории 1648–1815: антология меняющихся идей
  • Хартоп, Кристофер, с предисловием Тим Нокс (2010). Классический идеал: английское серебро, 1760–1840 гг., отл. Кот. Кембридж: Джон Адамсон ISBN  978-0-9524322-9-6
  • Ирвин, Дэвид (1966). Английское неоклассическое искусство: исследования вдохновения и вкуса
  • Джонсон, Джеймс Уильям. «Что такое неоклассицизм?» Журнал британских исследований, т. 9, вып. 1. 1969. С. 49–70. онлайн
  • Розенблюм, Роберт (1967). Трансформации в искусстве конца XVIII века

внешняя ссылка