Искусство Европы - Art of Europe

Картина Апеллеса Campaspe, произведение искусства, на котором изображены люди, окруженные изобразительным искусством; к Виллем ван Хехт; около 1630 г .; масло на панели; высота: 104,9 см, ширина: 148,7 см; Маурицхейс (Гаага, то Нидерланды )
Искусство Живописи; к Йоханнес Вермеер; 1666-1668; масло на холсте; 1,3 х 1,1 м; Художественно-исторический музей (Вена, Австрия )
Фрагмент картин пещер Ласко
История искусства
История искусства
История европейского искусства

В искусство европы, или же Западное искусство, охватывает история из Изобразительное искусство в Европа. Европейский доисторическое искусство начал как мобильный Верхний палеолит камень и наскальная живопись и петроглиф искусство и было характерно для периода между Палеолит и Железный век.[1] Письменные истории европейского искусства часто начинаются с искусства Древний Ближний Восток и Древние эгейские цивилизации, датируемые 3 тысячелетием до нашей эры. Параллельно с этими значительными культурами искусство той или иной формы существовало по всей Европе, где бы ни были люди, оставляя такие знаки, как резьба, украшенные артефакты и огромные стоячие камни. Однако последовательная модель художественного развития в Европе становится ясной только с искусство Древней Греции, принят и преобразован Рим и несли; с Римская империя в большей части Европы Северная Африка и Средний Восток.[2]

Влияние искусства Классический период росла и ослабевала в течение следующих двух тысяч лет, казалось, что в некоторых частях света они ускользнули в далекую память. Средневековый период, чтобы вновь появиться в эпоха Возрождения, переживают период, который некоторые ранние историки искусства считали "упадком" во время Барокко период,[3] вновь появиться в утонченном виде в Неоклассицизм[4] и возродиться в Постмодернизм.[5]

До 1800-х годов христианская церковь оказала большое влияние на европейское искусство, церковные комиссии, архитектурные, живописные и скульптурные, являлись основным источником работы для художников. История церкви в этот период очень сильно отразилась на истории искусства. В тот же период возобновился интерес к героям и героиням, сказкам о мифологических богах и богинях, великим войнам и странным созданиям, не связанным с религией.[6] Большинство произведений искусства за последние 200 лет было создано без ссылки на религию и часто без особого идеология вообще, но искусство часто находилось под влиянием политических проблем, независимо от того, отражали ли интересы покровителей или художника.

Европейское искусство разделено на несколько стилистических периодов, которые исторически накладываются друг на друга, поскольку разные стили процветали в разных областях. В широком смысле периоды Классический, византийский, Средневековый, Готика, эпоха Возрождения, Барокко, Рококо, Неоклассический, Современное, Постмодерн и Новая европейская живопись.[6]

Доисторическое искусство

Основная статья: Доисторическое искусство § Европа

Европейское доисторическое искусство - важная часть европейского культурного наследия.[7] История доисторического искусства обычно делится на четыре основных периода: Каменный век, Неолит, Бронзовый век, и Железный век. Большинство оставшихся артефактов этого периода представляют собой небольшие скульптуры и наскальные рисунки.

Венера Виллендорфская; c. 26000 г. до н.э. (граветтианский период); известняк с охровой окраской; Натуристорический музей (Вена, Австрия)

Много выживает доисторическое искусство небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских Фигурки Венеры такой как Венера Виллендорфская (24 000–22 000 до н.э.) найдены в Центральной Европе;[8] 30 см высотой Фигурка Löwenmensch около 30 000 г. до н.э. вряд ли имеет какое-либо отношение к нему. В Плавательный олень около 11000 г. до н.э. является одним из лучших из многих Магдаленский резьба по кости или рогам животных в искусство верхнего палеолита, хотя их меньше, чем гравированных предметов, которые иногда классифицируются как скульптуры.[9] С началом Мезолит в Европе фигуративная скульптура сильно уменьшилась,[10] и оставался менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как Котел Gundestrup от Европейский железный век и бронзовый век Трудхольмская солнечная колесница.[11]

Самое старое европейское наскальное искусство датируется 40 800, и его можно найти в Пещера Эль-Кастильо в Испании.[12] Другие места наскальной живописи включают Ласко, Пещера Альтамира, Grotte de Cussac, Печ Мерль, Пещера Нио, Пещера Шове, Font-de-Gaume, Creswell Crags, Ноттингемшир, Англия (пещерные офорты и барельефы, обнаруженные в 2003 году), Пещера Колибайя из Румыния (считается самой старой наскальной росписью в центральной Европа )[13] и Магура,[1] Белоградчик, Болгария.[14] Наскальные рисунки также выполнялись на скалах, но меньше из них сохранилось из-за эрозии. Один хорошо известный пример - наскальные изображения Астувансалми в районе Саймы в Финляндии. Когда Марселино Санс де Саутуола впервые столкнулся с магдаленскими картинами пещеры Альтамира, Кантабрия, Испания в 1879 году, академики того времени сочли их мистификациями. Недавние переоценки и многочисленные дополнительные открытия с тех пор продемонстрировали их подлинность, в то же время стимулируя интерес к артистизму народов верхнего палеолита. Наскальные рисунки, выполненные с использованием только самых элементарных инструментов, также могут дать ценное представление о культуре и верованиях той эпохи.

В Наскальное искусство Иберийского Средиземноморского бассейна представляет собой совершенно другой стиль, в котором основное внимание уделяется фигуре человека, часто встречающемуся в больших группах, с представленными сражениями, танцами и охотой, а также другими видами деятельности и деталями, такими как одежда. Фигуры обычно довольно схематично изображены тонкой краской, причем отношения между группами людей и животных изображены более тщательно, чем отдельные фигуры. Другие, менее многочисленные группы наскального искусства, многие из которых выгравированы, а не нарисованы, демонстрируют аналогичные характеристики. Считается, что иберийские образцы датируются долгим периодом, возможно, охватывающим верхний палеолит, мезолит и ранний неолит.

Доисторический Кельтское искусство происходит из большей части Железный век Европы и выживает в основном в виде высококлассных металлических изделий, искусно украшенных сложными, элегантными и в основном абстрактными узорами, часто с использованием изогнутых и спиральных форм. Есть человеческие головы и несколько полностью представленных животных, но человеческие фигуры в полный рост любого размера настолько редки, что их отсутствие может представлять собой религиозное табу. Когда римляне завоевали кельтские территории, он почти полностью исчез, но стиль продолжал ограниченно использоваться в Британские острова, и с приходом христианства возродилось там в Островной стиль раннего средневековья.

Древний

Минойский

Основная статья: Минойское искусство

В Минойская культура считается старейшей цивилизацией в Европе.[15] Минойская культура существовала в Крит и состоял из четырех периодов: Prepalatial, Protopalatial, Neopalatial и Postpalatial период между 3650 г. до н.э. и 1100 г. до н.э. Немногое от искусства осталось от допальских времен, и большинство артефактов, все еще существующих сегодня, являются кикладскими. статуэтки и керамика фрагменты. Самым процветающим периодом критской цивилизации был неопалавский период, и большинство артефактов относятся к этой эпохе. Большое количество артефактов из Протопальского дворца можно увидеть сегодня в критских музеях. Керамика - самая популярная в протопалатический период (1900-1700 гг. До н.э.) - отличалась тонкостенными сосудами, тонкими симметричными формами, элегантными носиками и украшениями динамические линии. В минойской керамике часто противопоставлялись темные и светлые ценности. Спонтанность и текучесть Протопальского периода позже были преобразованы в более стилизованную форму искусства с диссоциацией натурализма в неопространственном периоде.
В дворцы служили организационными, торговыми, художественными, религиозными и сельскохозяйственными центрами критской цивилизации. Критские дворцы были построены без защитных стен и представляли собой центральную двор который был окружен рядом построек. Центральный двор служил главным местом встреч народа. Во дворцах тронные залы, культовые палаты и театры где люди могли собираться на особых мероприятиях. Колонны и лестницы были частью художественного выражения, и считается, что они служили метафорическими элементами.
Минойские дворцы богато расписаны картины. Минойская живопись была уникальна тем, что использовала мокрую фреску; он отличался небольшой талией, плавностью и живостью фигур, был приправлен эластичностью, непосредственностью, жизненной силой и контрастными цветами.
Не так много скульптура уцелел от минойской цивилизации. Самый известный образец скульптуры - это Богиня Змеи фигурка. Скульптура изображает богиню или верховную жрицу, держащую змею обеими руками, одетую в традиционную минойскую одежду, ткань покрывает все тело и оставляет обнаженными груди. Изысканный металлические работы также была характерной чертой минойского искусства. Минойские мастера по металлу работали с привозным золотом и медью, овладели техникой воскового литья. тиснение, позолота, ниэло, и грануляция.[16]

  • Камарес изделия кувшин с клювом; 1850–1675 гг. До н.э .; керамический; высота: 27 см; из Фест (Крит, Греция); Археологический музей Ираклиона (Греция)

  • В Кулон пчелы, культовый минойский драгоценный камень; 1700-1600 гг. До н.э .; золото; ширина: 4,6 см; от комплекса Хрисолаккос (золотой карьер) на Малия; Археологический музей Ираклиона[17]

  • Фреска названа Бычья фреска; 1675-1460 гг. До н.э .; известковая штукатурка; высота: 0,8 м, ширина: 1 м; из дворца в Кносс (Крит); Археологический музей Ираклиона

  • Богиня змей; 1460-1410 гг. До н.э. (из минойского нео-дворцового периода); фаянс; высота: 29,5 см; из Храмового хранилища в Кноссе; Археологический музей Ираклиона

Классический греческий и эллинистический

Основная статья: Древнегреческое искусство

Древняя Греция были великие художники, великие скульпторы и великие архитекторы. В Парфенон является примером их архитектуры, которая сохранилась до наших дней. Греческий мраморная скульптура часто описывается как высшая форма Классический Изобразительное искусство. Живопись на керамика Древней Греции и керамика дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная роспись ваз и Краснофигурная ваза. дает много сохранившихся примеров того, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники по деревянным панно, которые упоминаются в текстах, являются Апеллес, Зевксис и Парразий Однако не сохранились образцы древнегреческой панно, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5–6 годах до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато. В соответствии с Плиний Старший, реалистичность его картин была такова, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллеса называют величайшим художником Античность за безупречную технику рисования, блестящий цвет и лепку.

Римский

Основная статья: Римское искусство

Римское искусство находился под влиянием Греции и частично может считаться потомком древнегреческой живописи и скульптуры, но также находился под сильным влиянием более местных Этрусское искусство Италии. Римская скульптура, это в первую очередь портреты высших слоев общества, а также изображения богов. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Среди сохранившихся римских картин есть настенные росписи, многие из вилл в Кампания, в Южной Италии, особенно в Помпеи и Геркуланум. Такую живопись можно разделить на четыре основных стиля или периода.[19] и может содержать первые примеры trompe-l'oeil, псевдоперспектива и чистый пейзаж.[20]

Почти все сохранившиеся живописные портреты Древнего мира представляют собой большое количество гроб-портреты формы бюста, найденного в Поздний античный кладбище Аль-Файюм. Они дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние работы. Очень небольшое количество миниатюры из поздней античности также сохранились иллюстрированные книги, причем гораздо большее количество их экземпляров относится к периоду раннего средневековья. Раннехристианское искусство выросла из популярного римского, а затем и имперского искусства и адаптировала его иконография из этих источников.

Средневековый

Основная статья: Средневековое искусство

Большинство сохранившихся произведений искусства из Средневековый период был религиозным, часто финансировался Церковь, влиятельные церковные деятели, такие как епископы, общинные группы, такие как аббатства, или богатые светские покровители. Многие имели особые литургические функции - процессию кресты и алтарь, Например.

Один из центральных вопросов средневекового искусства связан с отсутствием реализма. Большое знание перспектива в искусстве и понимании человеческой фигуры было потеряно с падением Рим. Но реализм не был главной заботой средневековых художников. Они просто пытались передать религиозное послание, задача, которая требует четких иконических изображений вместо точно воспроизведенных.

Временной период: С 6 по 15 век

Раннесредневековое искусство

Искусство периода миграции это общий термин для искусства «варварских» народов, которые переселились на бывшие римские территории. Кельтское искусство в VII и VIII веках произошло слияние с германскими традициями через контакт с Англосаксы создание того, что называется хиберно-саксонским стилем или Островное искусство, который должен был иметь большое влияние на остальную часть средневековья. Меровингов искусство описывает искусство Франки примерно до 800 года, когда Каролингское искусство объединил островные влияния с застенчивым классическим возрождением, превратившись в Оттонское искусство. Англосаксонское искусство это искусство Англии после островного периода. Иллюминированные рукописи содержат почти всю сохранившуюся живопись того периода, но важными носителями были также архитектура, изделия из металла и небольшие резные изделия из дерева или слоновой кости.

византийский

Основная статья: Византийское искусство

Византийское искусство пересекается или сливается с тем, что мы называем раннехристианским искусством, до тех пор, пока иконоборчество период 730-843 гг., когда подавляющее большинство произведений искусства с фигурами было уничтожено; осталось так мало, что сегодня любое открытие проливает новое понимание. С 843 по 1453 год существует четкая традиция византийского искусства. Часто это лучшее искусство Средневековья с точки зрения качества материалов и обработки, производство которого сосредоточено в Константинополе. Венцом византийского искусства стали монументальные фрески и мозаики внутри купольных церквей, большинство из которых не сохранилось из-за стихийных бедствий и присвоения церквей мечетям.

Романский

Основная статья: Романское искусство

Романское искусство относится к периоду с 1000 года до расцвета готического искусства в 12 веке. Это был период растущего процветания, и впервые в Европе, от Скандинавии до Швейцарии, единый стиль использовался. Романское искусство энергично и прямолинейно, изначально было ярко окрашено и часто очень изощренно. Витраж и эмаль по металлу стали важными средствами массовой информации, и появились более крупные круглые скульптуры, хотя горельеф была основной техникой. В его архитектуре преобладают толстые стены, круглые окна и арки с большим количеством резных украшений.

Готика

Основная статья: Готическое искусство

Готическое искусство - это изменчивый термин в зависимости от ремесла, места и времени. Термин возник в готической архитектуре в 1140 году, но готическая живопись не появилась примерно до 1200 года (эта дата имеет много квалификаций), когда она отклонилась от романского стиля. Готическая скульптура родилась во Франции в 1144 году с реконструкцией церкви аббатства Сан-Дени и распространилась по всей Европе, к 13 веку она стала международным стилем, заменив романский. Международная готика описывает готическое искусство примерно с 1360 по 1430 год, после чего готическое искусство сливается с искусством Возрождения в разное время в разных местах. В этот период такие формы, как живопись, фреска и панно, становятся все более важными, а в конце периода появляются новые медиа, такие как гравюры.

  • Часть Королевского портала; 1145–1155; известняк; Шартрский собор (Шартр, Франция)

  • Окна северного трансепта; около 1230–1235 годов; витражи; диаметр (окно-розетка): 10,2 м; Шартрский собор

  • Сцены из легенды о святом Винсенте Сарагосском; 1245–1247; кастрюли из стекла, стекловидной краски и свинца; габаритные: 373,4 х 110,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Французский диптих с коронацией Богородицы и Страшным судом; 1260–1270; слоновая кость с металлическими креплениями; габаритные: 12,7 х 13 х 1,9 см; Метрополитен-музей

  • Пресвятой Богородицы с младенцем; 1260-1280; слоновая кость со следами краски и позолоты; габаритные: 18,4 х 7,6 х 7,3 см; Метрополитен-музей

  • Бифолиум с декреталиями грациан; около 1290 г .; темпера, золото на пергаменте, коричневые туши и современный кожаный переплет; общий: 48,3 х 29,2 х 1,3 см, в открытом состоянии: 47,2 см; Метрополитен-музей

  • Немецкий диптих с религиозными сценами; 1300–1325; серебряная позолота с полупрозрачными и непрозрачными эмалями; габаритный (открытый): 6,1 х ​​8,6 х 0,8 см; Метрополитен-музей

  • Страница из Très Riches Heures du Duc de Berry изображает похороны Раймона Диокреса; 1411–1416 и 1485–1486; темпера на пергамент; высота: 29 см, ширина: 21 см; Конде музей (Шантильи, Франция )

  • Леди и единорог, название, данное серии из шести гобелены вплетенный в Фландрия, этот называется À Mon Seul Désir; конец 15 века; шерсть и шелк; 377 х 473 см; Musée de Cluny (Париж)

  • Австрийская статуя Пресвятой Богородицы; 1490–1500; известняк с левкас, расписные и позолоченные; 80,3 х 59,1 х 23,5 см; Метрополитен-музей

  • Вход в Иерусалим; около 1500; картина; Музей изящных искусств Лиона (Лион, Франция)

  • Яркий Готические окна Hôtel de Sens (Париж)

эпоха Возрождения

Леонардо да Винчи с Витрувианский человек (Уомо Витрувиано) (ок. 1490 г.), основополагающее произведение эпохи Возрождения. Рисунок вдохновлен и впоследствии назван в честь I века до нашей эры. Римский архитектор -автор Витрувий и его представления об «идеале» пропорции человеческого тела, найденный в его De Architectura.[21][22] Рисунок подчеркивает увлечение механизма Греко-римские цивилизации и присвоение классическое искусство, а также его поиски корреляции между строением тела и природой.[22]
Основная статья: Искусство эпохи Возрождения

В эпоха Возрождения характеризуется ориентацией на искусство Древняя Греция и Рим, что привело к множеству изменений как в технических аспектах живописи и скульптуры, так и в их тематике. Это началось в Италия, страна, богатая римским наследием, а также материальным благополучием для финансирования художников. В эпоху Возрождения художники начали повышать реализм своих работ, используя новые техники в перспектива, представляя три размеры более достоверно.Художники также начали использовать новые техники манипулирования светом и тьмой, такие как контраст тонов, очевидный во многих из них. Тициан портреты и развитие сфумато и светотень к Леонардо да Винчи. Скульпторы тоже начали заново открывать для себя многие древние техники, такие как контрапост. Вслед за гуманист дух эпохи, искусство стало более светским по тематике, изображая древние мифология помимо христианской тематики. Этот жанр искусства часто называют Ренессансный классицизм. На Севере самым важным нововведением эпохи Возрождения было широкое использование масляные краски, что позволило увеличить цвет и интенсивность.

От готики до эпохи Возрождения

В конце 13 - начале 14 веков большая часть живописи в Италии была византийский по характеру, особенно Дуччо Сиены и Чимабуэ Флоренции, а Пьетро Каваллини в Рим было больше Готика стильно. Вовремя 13 век Итальянские скульпторы начали черпать вдохновение не только в средневековых прототипах, но и в античных произведениях.[23]

В 1290 г. Джотто начал рисовать в менее традиционной манере, более основанной на наблюдении за природой. Его знаменитый цикл в Капелла Скровеньи, Падуя, рассматривается как начало Стиль ренессанс.

Другие художники 14 века вели готический стиль с большой проработкой и детализацией. Среди этих художников выделяются Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано.

в Нидерланды, техника росписи в масла скорее, чем темпера, привела себя к форме обработки, которая не зависела от применения сусального золота и чеканки, а от мельчайшего изображения мира природы. В это время развивалось искусство рисования текстур с большим реализмом. Голландские художники, такие как Ян ван Эйк и Хуго ван дер Гус оказали большое влияние на позднюю готику и живопись раннего Возрождения.

Раннее Возрождение

Идеи Возрождения впервые зародились в городе-государстве Флоренция, Италия. Скульптор Донателло вернулся к классическим методам, таким как контрапост и классические предметы, такие как обнаженная натура без поддержки - его вторая скульптура Дэйвид была первой отдельно стоящей обнаженной из бронзы, созданной в Европе со времен Римской империи. Скульптор и архитектор Брунеллески изучал архитектурные идеи древнеримских построек для вдохновения. Мазаччо усовершенствованные элементы, такие как композиция, индивидуальное выражение и человеческая форма для написания фресок, особенно в Часовня Бранкаччи удивительной элегантности, драматизма и эмоций.

Замечательное количество этих крупных художников работали над разными частями Флорентийский собор. Купол Брунеллески для собора был одним из первых по-настоящему революционных архитектурных новшеств со времен готического аркбутана. Донателло создал множество своих скульптур. Джотто и Лоренцо Гиберти также внес свой вклад в собор.

Высокое Возрождение

Высокое Возрождение художники включают такие фигуры как Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, и Рафаэлло Санцио.

Художественные разработки 15-го века в Италии (например, интерес к системам перспективы, анатомии и классическим культурам) созрели в 16-м веке, что и привело к обозначениям «Раннее Возрождение» для 15-го века и «Высокое Возрождение». для 16 века. Хотя высокое Возрождение не характерно для какого-либо особого стиля, искусство тех, кто наиболее тесно связан с этим периодом - Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и Тициан, - демонстрирует поразительное мастерство, как техническое, так и эстетическое. Художники Высокого Возрождения создавали такие авторитетные произведения, что поколения более поздних художников полагались на эти произведения для обучения. Эти образцовые художественные творения еще больше подняли престиж художников. Художники могли претендовать на божественное вдохновение, тем самым повышая изобразительное искусство до статуса, который раньше предоставлялся только поэзии. Таким образом, художники, скульпторы и архитекторы проявили себя, успешно заняв своим творчеством высокое положение среди изобразительного искусства. В некотором смысле мастера XVI века создали новую профессию со своими собственными правами самовыражения и своим почтенным характером.

Северное искусство до эпохи Возрождения

Ранняя нидерландская живопись разработал (но не изобретал строго) технику картина маслом чтобы обеспечить больший контроль при рисовании мельчайших деталей с реалистичностью -Ян ван Эйк (1366–1441) был фигурой движения из иллюминированные рукописи к панно.

Иероним Босх (1450? –1516), а нидерландский язык художник, еще одна важная фигура в Северное Возрождение. В своих картинах он использовал религиозные темы, но сочетал их с гротескными фантазиями, красочными образами и крестьянскими народными легендами. Его картины часто отражают смятение и страдания, связанные с концом средневековья.

Альбрехт Дюрер представил стиль итальянского Возрождения в Германии в конце 15 века и стал доминировать Немецкий ренессанс Изобразительное искусство.

Временной период:

  • Итальянский ренессанс: конец 14 - начало 16 века
  • Северное Возрождение: 16 век

Маньеризм, барокко и рококо

Основные статьи: Маньеризм, Барокко, и Рококо
Различия между искусством барокко и рококо
Искусство барокко характеризовалось ярко выраженной религиозной и политической тематикой; общие характеристики включали насыщенные цвета с сильным контрастом света и тьмы. Картины были сложными, эмоциональными и драматическими по своему характеру. На изображении Караваджо с Христос у колонны (Кристо алла колонна)
Для искусства рококо характерны более легкие, часто шутливые темы; общие характеристики включали бледные кремовые тона, витиеватые украшения и склонность к буколическим пейзажам. Картины были более витиеватыми, чем их аналоги в стиле барокко, и обычно имели изящный, игривый и беззаботный характер.

В европейском искусстве ренессансный классицизм породил два разных движения:Маньеризм и Барокко. Маньеризм, реакция на идеалистическое совершенство классицизма, использовал искажение света и пространственных рамок, чтобы подчеркнуть эмоциональное содержание картины и эмоции художника. Работа Эль Греко является особенно ярким примером Маньеризм в живописи конца XVI - начала XVII вв. Северный маньеризм потребовалось больше времени, чтобы развиваться, и в основном это было движение второй половины XVI века. Искусство барокко подняло репрезентативность эпохи Возрождения на новую высоту, подчеркнув детали, движение, освещение и драматизм в поисках красоты. Возможно, самые известные художники эпохи барокко Караваджо, Рембрандт, Питер Пауль Рубенс, и Диего Веласкес.

Совсем другое искусство развивалось из традиций северного реализма в 17 веке. Голландская живопись золотого века, в котором было очень мало религиозного искусства и мало историческая живопись, вместо этого играя решающую роль в развитии светских жанров, таких как натюрморт, жанровые картины повседневных сцен, и пейзаж. В то время как барочный характер искусства Рембрандта очевиден, этикетка менее пригодна для Вермеер и многие другие голландские художники. Фламандская живопись в стиле барокко разделяет часть этой тенденции, продолжая при этом производить традиционные категории.

Искусство барокко часто рассматривается как часть Контрреформация - художественный элемент возрождения духовной жизни в Римская католическая церковь. Кроме того, акцент, который искусство барокко придавало величию, рассматривается как Абсолютист в природе. Религиозные и политические темы широко исследовались в художественном контексте барокко, и как картины, так и скульптуры характеризовались сильным элементом драмы, эмоций и театральности. Известные художники барокко включают Караваджо или же Рубенс.[27] Артемизия Джентилески был еще одним выдающимся художником, вдохновленным стилем Караваджо. Искусство барокко было особенно изысканным и сложным по своей природе, часто с использованием насыщенных, теплых цветов с темными оттенками. Пышность и величие были важными элементами художественного движения барокко в целом, что можно увидеть, когда Людовик XIV сказал: «Я воплощенное величие»; Многие художники эпохи барокко служили королям, которые пытались реализовать эту цель. Искусство барокко во многом было похоже на искусство эпохи Возрождения; Фактически, этот термин изначально использовался в уничижительной манере для описания искусства и архитектуры пост-ренессанса, которые были чрезмерно сложными.[27] Искусство барокко можно рассматривать как более сложную и драматическую реадаптацию искусства позднего Возрождения.

Однако к XVIII веку искусство барокко вышло из моды, так как многие считали его слишком мелодраматичным и мрачным, и оно превратилось в Рококо, который возник во Франции. Искусство рококо было даже более сложным, чем барокко, но менее серьезным и более игривым.[28] В то время как в стиле барокко использовались насыщенные, яркие цвета, в рококо использовались бледные кремовые оттенки. Художественное движение больше не делало упор на политику и религию, вместо этого сосредотачиваясь на более легких темах, таких как романтика, празднование и оценка природы. Искусство рококо также контрастировало с барокко, поскольку оно часто отказывалось от симметрии в пользу асимметричного дизайна. Кроме того, он черпал вдохновение в художественных формах и орнаменте Дальневосточная азия, что привело к росту в пользу фарфор статуэтки и шинуазри в целом.[29] Короткое время процветал стиль 18 века; тем не менее, стиль рококо вскоре потерял популярность, поскольку многие считали его ярким и поверхностным движением, подчеркивающим эстетику важнее смысла. Неоклассицизм во многих отношениях возникло как противодействие рококо, толчком к этому послужило чувство отвращения, направленное на витиеватые качества последнего.

Маньеризм (16 век)

Основная статья: Маньеризм

Барокко (начало 17 - середина 18 века)

Основная статья: Барокко

Рококо (начало-середина 18 века)

Основная статья: Рококо

Неоклассицизм, романтизм, академизм и реализм

Основные статьи: Неоклассицизм, Романтическое искусство, Академическое искусство, и Реализм (искусство)
Неоклассическое искусство, вдохновленное различными классическими темами, характеризовалось упором на простоту, порядок и идеализм. На изображении Антонио Канова с Психея, возрожденная поцелуем Купидона (1787-1793)

На протяжении XVIII века в разных частях Европы возникло противодействие рококо, широко известное как Неоклассицизм. Он презирал кажущуюся поверхностность и легкомыслие искусства рококо и стремился вернуться к простоте, порядку и «пуризму» классической античности, особенно древней Греции и Рима. Это движение отчасти также находилось под влиянием эпохи Возрождения, которая сама находилась под сильным влиянием классического искусства. Неоклассицизм был художественной составляющей интеллектуального движения, известного как просвещение; Просвещение было идеалистическим и делало упор на объективность, разум и эмпирическую истину. Неоклассицизм получил широкое распространение в Европе на протяжении 18 века, особенно в объединенное Королевство, где в этот период возникли великие произведения неоклассической архитектуры; Очарование неоклассицизма классической древностью можно увидеть в популярности большое путешествие в течение этого десятилетия богатые аристократы путешествовали по древним руинам Италии и Греции. Тем не менее, решающий момент для неоклассицизма наступил во время французская революция в конце 18 века; во Франции искусство рококо было заменено предпочитаемым искусством неоклассицизма, которое считалось более серьезным, чем прежнее направление. Во многих отношениях неоклассицизм можно рассматривать как политическое движение, а также как художественное и культурное движение.[30] Неоклассическое искусство делает упор на порядок, симметрию и классическую простоту; Общие темы в неоклассическом искусстве включают храбрость и войну, которые обычно исследовались в древнегреческом и римском искусстве. Ingres, Канова, и Жак-Луи Давид входят в число самых известных неоклассиков.[31]

Эжен Делакруа, Свобода, ведущая народ 1830, Романтическое искусство.

Так же, как маньеризм отверг классицизм, так и Романтизм отвергать идеи Просвещения и эстетику неоклассиков. Романтизм отверг очень объективный и упорядоченный характер неоклассицизма и выбрал более индивидуальный и эмоциональный подход к искусству.[32] Романтизм делал упор на природу, особенно когда стремился изобразить силу и красоту природного мира и эмоций, и искал очень личный подход к искусству. Романтическое искусство касалось индивидуальных чувств, а не общих тем, как в неоклассицизме; Таким образом, в романтическом искусстве цвета часто использовались для выражения чувств и эмоций.[32] Подобно неоклассицизму, романтическое искусство во многом черпало вдохновение из древнегреческого и римского искусства и мифологии, но, в отличие от неоклассицизма, это вдохновение в основном использовалось как способ создания символизма и образов. Романтическое искусство также во многом черпает свои эстетические качества из средневековье и Готизм, а также мифология и фольклор. Среди величайших художников-романтиков были Эжен Делакруа, Франсиско Гойя, J.M.W. Тернер, Джон Констебл, Каспар Давид Фридрих, Томас Коул, и Уильям Блейк.[31]

Большинство художников пытались использовать центристский подход, который заимствовал разные черты стилей неоклассицизма и романтизма, чтобы синтезировать их. Различные попытки имели место во Французской академии и все вместе называются Академическое искусство. Адольф Вильям Бугро считается главным примером этого потока искусства.

Однако в начале XIX века облик Европы радикально изменился. индустриализация. Бедность, убожество и отчаяние должны были стать уделом нового рабочий класс созданный «революцией». В ответ на эти изменения, происходящие в обществе, движение Реализм появился. Реализм стремился точно изобразить условия и лишения бедных в надежде изменить общество. В отличие от романтизма, который по существу оптимистично относился к человечеству, реализм предлагал суровое видение бедности и отчаяния. Точно так же, если романтизм прославлял природу, реализм изображал жизнь в глубинах городской пустыни. Как романтизм, Реализм был литературным, а также художественным течением. Великий Реалист художники включают Жан-Батист-Симеон Шарден, Гюстав Курбе, Жан-Франсуа Милле, Камиль Коро, Оноре Домье, Эдуард Мане, Эдгар Дега (оба рассматриваются как Импрессионистов ), и Томас Икинс, среди прочего.

Ответом архитектуры на индустриализацию, в отличие от других искусств, был поворот в сторону историзма. Хотя железнодорожные вокзалы, построенные в этот период, часто считаются истинным отражением его духа - их иногда называют «соборами эпохи», - основные направления в архитектуре индустриальной эпохи были возрождением стилей далекого прошлого, таких как то Готическое возрождение. Связанные с этим движения были Братство прерафаэлитов, которые пытались вернуть искусству его состояние "чистоты" до Рафаэль, а Движение искусств и ремесел, который выступал против безличности товаров массового производства и выступал за возврат к средневековому мастерству.

Временной период:

Современное искусство

Основные статьи: Импрессионизм, Пост Импрессионизм, Фовизм, Кубизм, Современное искусство, Модернизм, и Поздний модернизм
Импрессионизм был известен своим использованием света и движения в своих картинах, как в Клод Моне 1902 год Здание парламента, закат

Искусство и язык известны своим большим вкладом в концептуальное искусство.

Из натуралистической этики реализма выросло крупное художественное движение, Импрессионизм. Импрессионисты первыми использовали свет в живописи, пытаясь уловить свет, видимый человеческим глазом. Эдгар Дега,Эдуард Мане, Клод Моне, Камиль Писсарро, и Пьер Огюст Ренуар, все были вовлечены в движение импрессионистов. Прямым следствием импрессионизма стало развитие Пост Импрессионизм. Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра самые известные постимпрессионисты.

После импрессионистов и Постимпрессионисты пришел Фовизм, часто считающийся первым «современным» жанром искусства. Как импрессионисты произвели революцию в свете, так и фовисты переосмыслили цвет, раскрашивая свои холсты в яркие дикие тона. После фовистов современное искусство начали развиваться во всех формах, начиная с Экспрессионизм озабочены вызовом эмоций с помощью объективных произведений искусства, Кубизм, искусство транспонирования четырехмерный реальность на плоский холст, чтобы Абстрактное искусство. Эти новые формы искусства раздвинули границы традиционных представлений об «искусстве» и соответствовали быстрым изменениям, происходящим в человеческом обществе, технологиях и мышлении.

Сюрреализм часто классифицируется как форма современного искусства. Однако сами сюрреалисты возражали против изучения сюрреализма как эпохи в истории искусства, утверждая, что это чрезмерно упрощает сложность движения (которое, по их словам, не является художественным движением), искажает отношение сюрреализма к эстетика, и ошибочно характеризует продолжающийся сюрреализм как законченную, исторически заключенную в капсулу эпоху. Другие формы современного искусства (некоторые из которых граничат с Современное искусство ) включают:

Временной период:

  • Импрессионизм: конец XIX века
  • Другое: первая половина 20 века.

Современное искусство и постмодернистское искусство

Чарльз Томсон. Сэр Николас Серота принимает решение о приобретении, 2000, Застревание.
Основные статьи: Современное искусство и Постмодернистское искусство

Современное искусство предвосхитило некоторые характеристики того, что позже будет определено как искусство постмодерна; Фактически, несколько направлений современного искусства часто можно классифицировать как модернистские, так и постмодернистские, такие как поп-арт. Постмодернистское искусство, например, делает сильный упор на иронию, пародию и юмор в целом; современное искусство начало развивать более ироничный подход к искусству, который позже будет развиваться в контексте постмодерна. Постмодернистское искусство видит размытие между высоким и изящным искусством с низкокачественным и коммерческим искусством; современное искусство начало экспериментировать с этим размытием.[32]Последние достижения в искусстве характеризовались значительным расширением того, что теперь можно считать искусством, с точки зрения материалов, средств массовой информации, деятельности и концепции. Концептуальное искусство в частности оказал большое влияние. Это началось буквально как замена концепта произведенным предметом, одной из целей которой было опровержение коммодификации искусства. Однако теперь это обычно относится к произведению искусства, где есть объект, но основная претензия к произведению делается на мыслительный процесс, который его проинформировал. В работу вернулся аспект коммерциализма.

Также увеличилось количество произведений искусства, относящихся к предыдущим движениям и художникам, и эта ссылка получила признание.

Постмодернизм в искусстве, выросшем с 1960-х годов, отличается от Модернизм поскольку движения современного искусства были в первую очередь сосредоточены на своей собственной деятельности и ценностях, тогда как постмодернизм использует весь спектр предыдущих движений в качестве ориентира. Это по определению породило релятивистское мировоззрение, сопровождающееся иронией и определенным неверием в ценности, поскольку каждая из них может быть заменена другой.Еще одним результатом этого стал рост коммерциализма и известности. Постмодернистское искусство поставило под сомнение общие правила и принципы того, что считается «Изобразительное искусство ', слияние низкое искусство с изобразительным искусством, пока ни одно из них не станет полностью различимым.[33][34] До появления постмодернизма изобразительное искусство характеризовалось эстетическим качеством, элегантностью, мастерством, утонченностью и интеллектуальным стимулированием, которое было призвано привлечь внимание общественности. верхний или образованные классы; это отличало высокое искусство от низкого искусства, которое, в свою очередь, считалось безвкусным, китч, легко создаваемое и лишенное большого количества или какой-либо интеллектуальной стимуляции, искусство, которое было предназначено для обращения в массы. Постмодернистское искусство размыло эти различия, привнеся сильный элемент китча, коммерциализма и лагерь в современное изобразительное искусство;[32] то, что в настоящее время считается изящным искусством, могло рассматриваться как низкое искусство до того, как постмодернизм произвел революцию в представлении о том, что такое высокое или изящное искусство на самом деле.[32] Кроме того, постмодернистский характер современного искусства оставляет много места для индивидуализма на арт-сцене; Например, постмодернистское искусство часто черпает вдохновение из прошлых художественных течений, таких как готика или искусство барокко, и одновременно сочетает и повторяет стили этих прошлых периодов в другом контексте.[32]

Немного сюрреалисты особенно Жоан Миро, который призывал к «убийству живописи» (в многочисленных интервью, начиная с 1930-х годов, Миро выражал презрение к традиционным методам рисования и его желание «убить», «убить» или «изнасиловать» их в пользу более современных методов. выражения).[35] осудили или пытались "вытеснить" живопись, и были также другие тенденции анти-живописи среди художественных движений, таких как движение Дадаизм и концептуальное искусство. Тенденции ухода от живописи в конце 20-го века противостояли различные движения, например, продолжение Минимальное искусство, Лирическая абстракция, Поп-арт, Оп-арт, Новый Реализм, Фотореализм, Neo Geo, Неоэкспрессионизм, Новая европейская живопись, Застревание и различные другие важные и влиятельные направления живописи.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ а б Остербеек, Луиз. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт. Получено 4 декабря 2012.
  2. ^ Бордман, Джон изд., Оксфордская история классического искусства, стр. 349-369, Oxford University Press, 1993, ISBN  0198143869
  3. ^ Банистер Флетчер исключил почти все здания в стиле барокко из своего гигантского фолианта История архитектуры на сравнительном методе. В конце концов издатели исправили это.
  4. ^ Мюррей П. и Мюррей Л. (1963) Искусство эпохи Возрождения. Лондон: Темза и Гудзон (Мир искусства), стр. 9. ISBN  978-0-500-20008-7. «... в 1855 году мы впервые находим слово« Возрождение », использованное французским историком Мишле в качестве прилагательного для описания целого периода истории, а не только возрождения латинских букв или классического вдохновения. стиль в искусстве ".
  5. ^ Хауз, С. и Малтби, В. (2001). История европейского общества. Основы западной цивилизации (Том 2, стр. 245–246). Бельмонт, Калифорния: Thomson Learning, Inc.
  6. ^ а б «Искусство Европы». Художественный музей Сент-Луиса. Удар. Получено 4 декабря 2012.
  7. ^ Остербеек, Луиз. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт. Получено 4 декабря 2012.
  8. ^ Сандарс, 8-16, 29-31
  9. ^ Хан, Иоахим, «Доисторическая Европа, §II: Палеолит 3. Портативное искусство» в Оксфордское искусство онлайн, по состоянию на 24 августа 2012 г .; Сандарс, 37-40
  10. ^ Сандарс, 75-80
  11. ^ Сандарс, 253–257, 183–185
  12. ^ Квонг, Мэтт. «Древнейшее искусство пещерных людей в Европе насчитывает 40 800 лет». CBC Новости. Получено 4 декабря 2012.
  13. ^ «Румынская пещера может похвастаться самым старым наскальным искусством в Центральной Европе | Наука / AAAS | Новости». News.sciencemag.org. 21 июня 2010 г.. Получено 25 августа 2013.
  14. ^ Гюнтер, Майкл. «Искусство доисторической Европы». Получено 4 декабря 2012.
  15. ^ Ханиотис, Ангелос. «Древний Крит». Оксфордские библиографии. Oxford University Press. Получено 2 января 2013.
  16. ^ «Минойское искусство». Греческое искусство. Ancient-Greece.org. Получено 2 января 2013.
  17. ^ Смит, Дэвид Майкл (2017). Карманный музей Древней Греции. Темза и Гудзон. п. 79. ISBN  978-0-500-51958-5.
  18. ^ Маттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры Руководство по архитектурным стилям. Янтарные книги. п. 21. ISBN  978-1-78274-748-2.
  19. ^ «Римская живопись». Art-and-archaeology.com. Получено 25 августа 2013.
  20. ^ «Римская живопись». Хейльбрунн Хронология истории искусств. Метрополитен-музей. Получено 19 октября 2013.
  21. ^ "Витрувианский человек". leonardodavinci.stanford.edu. Получено 25 марта 2018.
  22. ^ а б «BBC - Наука и природа - Леонардо - Витрувианский человек». www.bbc.co.uk. Получено 25 марта 2018.
  23. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 156. ISBN  978 0 7148 7502 6.
  24. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 156. ISBN  978 0 7148 7502 6.
  25. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 157. ISBN  978 0 7148 7502 6.
  26. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 157. ISBN  978 0 7148 7502 6.
  27. ^ а б «Искусство барокко». Arthistory-famousartists-paintings.com. 24 июля 2013 г.. Получено 25 августа 2013.
  28. ^ "Старый режим рококо". Bc.edu. Архивировано из оригинал 11 апреля 2018 г.. Получено 25 августа 2013.
  29. ^ "Факты о китайском, информация, фотографии - статьи о китайском стиле на Encyclopedia.com". www.encyclopedia.com. Получено 25 марта 2018.
  30. ^ «Искусство в неоклассицизме». Artsz.org. 26 февраля 2008 г.. Получено 25 августа 2013.
  31. ^ а б Джеймс Дж. Шиэн, "Искусство и его публика, c. 1800", "Объединение и разнообразие в европейской культуре" c. 1800, изд. Тим Бланнинг и Хаген Шульце (Нью-Йорк: Oxford University Press, 2006), 5-18.
  32. ^ а б c d е ж «Общее введение в постмодернизм». Cla.purdue.edu. Получено 25 августа 2013.
  33. ^ Идеи об искусстве, Десмонд, Кэтлин К. [1] Джон Вили и сыновья, 2011, стр.148
  34. ^ Международный постмодернизм: теория и литературная практика, Бертенс, Ганс [2], Рутледж, 1997, стр.236.
  35. ^ М. Роуэлл, Джоан Миро: Избранные произведения и интервью (Лондон: Темза и Гудзон, 1987) С. 114–116.

Библиография

  • Сандарс, Нэнси К., Доисторическое искусство в Европе, Пингвин (Пеликан, ныне Йель, История искусства), 1968 (№ 1-го изд .; ранние датировки теперь заменены)

внешняя ссылка