Поп-арт - Pop art

Эта статья о художественном движении. Для использования в других целях см. Поп-арт (значения).
Изображение сексуальной женщины улыбается, когда ей в голову направлен револьвер
Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека (1947). Часть его Койка! серия, это считается первым носителем «поп-арта» и первым, в котором появилось слово «поп».
На земле стоит невзрачная коробка с этикеткой Кэмпбелла.
Энди Уорхол, Коробка для томатного сока Кэмпбелла, 1964. Синтетическая полимерная краска и тушь для шелкографии на дереве, 10 дюймов × 19 дюймов × 9½ дюймов (25,4 × 48,3 × 24,1 см), музей современного искусства, Нью-Йорк

Поп-арт является движение искусства что появилось в объединенное Королевство и Соединенные Штаты в середине-конце 1950-х гг.[1][2] Движение бросило вызов традициям Изобразительное искусство включив изображения из популярный и массовая культура, такие как реклама, комиксы и обычные предметы культуры массового производства. Одна из его целей - использовать изображения популярный (в отличие от элитарной) культуры в искусстве, подчеркивая банальность или вульгарный элементы любой культуры, чаще всего за счет использования ирония.[3] Это также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или техник рендеринга. В поп-арте материал иногда визуально удаляется из известного контекста, выделяется или объединяется с другим материалом.[2][3]

Среди ранних художников, сформировавших движение поп-арта, были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Британия, и Ларри Риверс, Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс среди других в Соединенные Штаты. Поп-арт широко интерпретируется как реакция на господствовавшие в то время идеи абстрактный экспрессионизм, а также расширение этих идей.[4] Благодаря использованию найденные объекты и изображения, он похож на Дадаизм. Поп-арт и минимализм считаются художественными движениями, предшествующими постмодернистское искусство, или являются одними из самых ранних примеров самого постмодернистского искусства.[5]

Поп-арт часто использует образы, которые в настоящее время используются в рекламе. Маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в изображениях, выбранных поп-исполнителями, на этикетках Банки с супом Кэмпбелла, от Энди Уорхол. Даже маркировка на внешней стороне транспортной коробки, содержащей продукты питания для розничной торговли, использовалась как предмет поп-арта, как продемонстрировал Уорхол. Коробка для томатного сока Кэмпбелла, 1964 (на фото).

Происхождение

Истоки поп-арта в Северной Америке развивались иначе, чем в Великобритании.[3] В Соединенных Штатах поп-арт был реакцией художников; это ознаменовало возвращение к упорный состав и изобразительное искусство. Они использовали безличную, приземленную реальность, ирония, и пародия "разрядить" личную символику и "живописно рыхлость абстрактный экспрессионизм.[4][6] В США некоторые работы автора Ларри Риверс, Алекс Кац и Ман Рэй ожидаемый поп-арт.[7]

Напротив, истоки поп-арта в послевоенный Британия, используя иронию и пародию, была более академичной. Британия сосредоточилась на динамичных и парадоксальных образах американского популярная культура как мощные манипулятивные символические приемы, которые влияли на все модели жизни, одновременно повышая благосостояние общества.[6] Ранний поп-арт в Британии был предметом идей, подпитываемых Американская популярная культура если смотреть издалека.[4] Точно так же поп-арт был одновременно продолжением и отрицанием Дадаизм.[4] В то время как поп-арт и дадаизм исследовали одни и те же темы, поп-арт заменил деструктивные, сатирические и анархические импульсы движения дада на отстраненное утверждение артефактов массовой культуры.[4] Среди тех художников в Европе, которые, как считается, создают произведения, ведущие к поп-арту: Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, и Курт Швиттерс.

Прото-поп

Чарльз Демут, Я видел цифру 5 в золоте 1928 г., собрание Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Хотя и британский, и американский поп-арт зародился в 1950-х годах, Марсель Дюшан и другие в Европе как Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй предшествовать движению; кроме того, были некоторые более ранние американские прото-поп происхождения, которые использовали культурные объекты «как есть».[4] В 1920-е годы американские художники Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи, Чарльз Демут и Стюарт Дэвис Создавал картины, содержащие образы поп-культуры (приземленные предметы, взятые из американских коммерческих продуктов и рекламного дизайна), почти «прообразуя» движение поп-арта.[8][9]

Соединенное Королевство: Независимая группа

Коллаж из множества разных стилей показывает в основном обнаженных мужчину и женщину в доме.
Ричард Гамильтон коллаж Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956) - одна из первых работ, считающихся «поп-артом».

В Независимая группа (IG), основанная в Лондоне в 1952 году, считается предшественником движения поп-арт.[2][10] Они были собранием молодых художников, скульпторов, архитекторов, писателей и критиков, которые бросили вызов господствующим модернистским подходам к культуре, а также традиционным взглядам на изобразительное искусство. Их групповые обсуждения были сосредоточены на последствиях для поп-культуры таких элементов, как массовая реклама, фильмы, дизайн продукта, комиксы, научная фантастика и технологии. На первом собрании Независимой группы в 1952 году один из основателей, художник и скульптор. Эдуардо Паолоцци представил лекцию, используя серию коллажи названный Койка! которые он собрал во время своего пребывания в Париже с 1947 по 1949 год.[2][10] Этот материал «найденных объектов», таких как реклама, персонажи комиксов, обложки журналов и различная графика массового производства, в основном представлен Американец популярная культура. Одним из коллажей этой презентации был коллаж Паолоцци. Я был игрушкой богатого человека (1947), в котором впервые используется слово «поп», появляющееся в облаке дыма, выходящем из револьвера.[2][11] После плодотворной презентации Паолоцци в 1952 году IG сосредоточился в первую очередь на образах американской поп-культуры, особенно массовой рекламы.[6]

По словам сына Джон Макхейл, термин «поп-арт» впервые был придуман его отцом в 1954 году в разговоре с Фрэнк Корделл,[12] хотя другие источники приписывают его происхождение британскому критику Лоуренс Аллоуэй.[13][14] (Обе версии согласны с тем, что этот термин использовался в Независимая группа обсуждения к середине 1955 г.)

«Поп-арт» как прозвище затем использовалось в обсуждениях членами IG на второй сессии IG в 1955 году, а конкретный термин «поп-арт» впервые появился в опубликованной печати в статье IG «Но сегодня мы собираем рекламу». члены Элисон и Питер Смитсон в журнале Арк в 1956 году.[15] Однако этот термин часто приписывают Британский искусствовед /куратор Лоуренс Аллоуэй для его эссе 1958 года под названием Искусство и СМИ, хотя точным языком, который он использует, является «популярная массовая культура».[16] «Более того, то, что я имел в виду тогда, не то, что он означает сейчас. Я использовал этот термин, а также« поп-культура »для обозначения продуктов средств массовой информации, а не произведений искусства, основанных на массовой культуре. например, где-то между зимой 1954–55 и 1957 гг. фраза приобрела популярность в разговоре ... "[17] Тем не менее, Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших включение образов массовой культуры в изобразительное искусство. Аллоуэй разъяснил эти термины в 1966 году, когда поп-арт уже перешел из художественных школ и небольших галерей в главную силу в мире искусства. Но успеха его не было в Англии. Практически одновременно и независимо Нью-Йорк стал рассадником поп-арта.[17]

В Лондоне ежегодный Королевское общество британских художников (RBA) Выставка молодых талантов 1960 года впервые продемонстрировала влияние американской эстрады. В январе 1961 года самый известный RBA-Юные современники из всех положенных Дэвид Хокни, Американец Р Б Китай, Новозеландец Билли Эппл, Аллен Джонс, Дерек Бошир, Джо Тилсон, Патрик Колфилд, Питер Филлипс и Питер Блейк на карте; Apple разработала плакаты и приглашения для выставок молодых современников 1961 и 1962 годов.[18] Хокни, Китай и Блейк выиграли призы на выставке Джона-Мура в Ливерпуле в том же году. Apple и Хокни вместе отправились в Нью-Йорк во время летних каникул в Королевском колледже 1961 года, когда Apple впервые связалась с Энди Уорхолом - оба позже переехали в Соединенные Штаты, и Apple стала заниматься поп-артом Нью-Йорка.[18]

Соединенные Штаты

Хотя поп-арт зародился в начале 1950-х, в Америке он получил наибольший импульс в 1960-е. Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года; поводом стал «Симпозиум поп-арта», организованный музей современного искусства.[19] К этому времени американская реклама переняла многие элементы современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. Следовательно, американским художникам пришлось глубже искать драматические стили, которые отделяли бы искусство от хорошо продуманных и умных коммерческих материалов.[6] Поскольку британцы рассматривали образы американской поп-культуры с несколько отстраненной точки зрения, их взгляды часто имели романтический, сентиментальный и юмористический подтекст. Напротив, американские художники, которых каждый день бомбардируют разнообразием произведений массового производства, создавали работы, в целом более смелые и агрессивные.[10]

Плачущее лицо женщины покрывается волнами, когда она думает: «Мне все равно! Я лучше утону, чем позову Брэда за помощью!»
Рой Лихтенштейн, Тонущая девушка, 1963 г., экспонируется в Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Два важных художника в формировании словаря американского поп-арта были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг.[10] Раушенберг находился под влиянием более ранних работ Курт Швиттерс и другие Дадаизм художников, и его вера в то, что «живопись относится как к искусству, так и к жизни», бросила вызов доминирующей модернистской точке зрения его времени.[20] Его использование отброшенных готовых объектов (в его Комбинирует ) и образы поп-культуры (в его картинах на шелкографии) связывали его работы с актуальными событиями повседневной Америки.[10][21][22] В шелкографии 1962–64 гг. Выразительная манера письма сочетается с вырезками из журналов, выполненными методом шелкографии. Жизнь, Newsweek, и Национальная география. Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов часто называют Нео-дада, и визуально отличается от прототипа американского поп-арта, который стал популярным в начале 1960-х годов.[23][24]

В Сыр чеддер холст из Энди Уорхол с Банки с супом Кэмпбелла, 1962.

Рой Лихтенштейн не менее важен для американского поп-арта. Его работа и ее использование пародия, вероятно, лучше, чем какой-либо другой, определяет основную предпосылку поп-арта.[10] Выбрав в качестве сюжета старомодный комикс, Лихтенштейн создает резкую, точную композицию, которая документирует, но в то же время мягко пародирует. Лихтенштейн использовал масло и Краска Magna в его самых известных работах, таких как Тонущая девушка (1963), который был присвоенный из главной истории в Комиксы DC ' Тайные сердца #83. (Тонущая девушка является частью коллекции музей современного искусства.)[25] Его работы отличаются толстыми очертаниями, яркими цветами и Бен-Дэй точки для представления определенных цветов, как если бы они были созданы путем фотографической репродукции. Лихтенштейн сказал: «[абстрактные экспрессионисты] разложили вещи на холсте и отреагировали на то, что они сделали, на расположение цветов и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но характер нанесения линий почти такой же; мой просто не выглядите каллиграфически, как у Поллока или Клайна ".[26] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в смесь юмор, иронию и узнаваемые образы / контент.

Картины Лихтенштейна, как и Энди Уорхола, Том Вессельманн и другие, разделяют прямую привязанность к банальному образу американской поп-культуры, но также относятся к предмету безлично, ясно иллюстрируя идеализацию массового производства.[10]

Энди Уорхол, наверное, самая известная фигура в поп-арте. Фактически, искусствовед Артур Данто однажды назвал Уорхола «ближайшим к философскому гению, которого породила история искусства».[19] Уорхол попытался вывести поп-музыку за пределы художественного стиля в стиль жизни, и его работы часто демонстрируют отсутствие человеческой аффектации, которая обходится без иронии и пародии на многих его коллег.[27][28]

Ранние выставки США

Клаас Ольденбург, Джим Дайн и Том Вессельманн провели свои первые концерты в Галерея Джадсона в 1959 и 1960 годах, а затем в 1960-1964 годах вместе с Джеймс Розенквист, Джордж Сигал и другие на Зеленая Галерея на 57-й улице в Манхэттене. В 1960 году Марта Джексон показала установки и сборки, Новые медиа - новые формы избранные Ганс Арп, Курт Швиттерс, Джаспер Джонс, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Джим Дайн и Мэй Уилсон. 1961 год был годом весеннего шоу Марты Джексон, Окружающая среда, ситуации, пространства.[29][30] Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 г. Галерея Феруса Ирвинга Блюма, где он показал 32 изображения консервных банок Кэмпелла, по одной на каждый вкус. Уорхол продал комплект картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, набор оценили в 15 миллионов долларов.[19]

Дональд Фактор, сын Макс Фактор мл., а также коллекционер произведений искусства и соредактор авангард литературный журнал Кочевник, написал эссе в последнем номере журнала, Кочевник / Нью-Йорк. Это эссе было одним из первых, посвященных тому, что впоследствии стало называться поп-артом, хотя «Фактор» не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймс Розенквист, Джим Дайн и Клас Ольденбург.[31]

В 1960-х годах Ольденбург, который стал ассоциироваться с движением поп-арта, создал множество события, которые были исполнительское искусство -связанные постановки того времени. Свои постановки он назвал «Театр лучей». В состав коллег по его спектаклям вошли: артисты. Лукас Самарас, Том Вессельманн, Кэрол Шнееманн, Ойвинд Фальстрём и Ричард Арцшвагер; дилер Аннина Носей; искусствовед Барбара Роуз; и сценарист Руди Вурлитцер.[32] Его первая жена, Патти Муха, которая шила многие из его ранних мягких скульптур, была постоянным участником его хеппингов. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству сильно расходился с преобладающим пониманием того, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями. В декабре 1961 года он арендовал магазин на Манхэттене. Нижний Ист-Сайд в дом Магазин, инсталляция продолжительностью месяц, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, наполненную скульптурами, примерно в виде предметов потребления.[32]

Открытие в 1962 году, Виллем де Кунинг арт-дилер в Нью-Йорке, Сидни Дженис Галерея, организовавшая новаторский Международная выставка новых реалистов, опрос новичков из Америки, Франции, Швейцарии, Италии Новый Реализм, и британский поп-арт. Среди представленных пятидесяти четырех художников Ричард Линднер, Уэйн Тибо, Рой Лихтенштейн (и его живопись Blam ), Энди Уорхол, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Роберт Индиана, Том Вессельманн, Джордж Сигал, Питер Филлипс, Питер Блейк (Стена любви с 1961 г.), Ив Кляйн, Арман, Даниэль Спёрри, Christo и Миммо Ротелла. Шоу посмотрели европейцы Боевой Райс, Ники де Сен-Фалль и Жан Тингели в Нью-Йорке, которые были ошеломлены размером и видом американских произведений искусства. Также были показаны Марисоль, Марио Скифано, Энрико Бай и Ойвинд Фальстрём. Янис потерял некоторых своих абстрактных экспрессионистов, когда Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб и Филип Гастон покинул галерею, но приобрел Дайн, Ольденбург, Сигал и Вессельманн.[33] На вечере открытия, устроенном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, но Тремейн, который по иронии судьбы владел рядом работ де Кунинга, отверг его. Розенквист вспоминал: «В тот момент я подумал, что что-то в мире искусства определенно изменилось».[19] Отказ от уважаемого художника-абстракциониста доказал, что еще в 1962 году поп-арт начало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.

Чуть раньше, на западное побережье, Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка; Филип Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта; Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити; и Уэйн Тибо из Калифорнии были включены в Новая картина общих объектов шоу. Куратором этой первой выставки в музее поп-арта в Америке был Уолтер Хоппс на Художественный музей Пасадены.[34] Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда Музей Гуггенхайма выставлен Шесть художников и объект, куратор Лоуренс Аллоуэй. Художниками были Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол.[35] Другой ключевой ранней выставкой была Американский супермаркет организована галереей Bianchini в 1964 году. Выставка была представлена ​​как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что все в ней - продукты, консервы, мясо, плакаты на стене и т. д. - было создано известными поп-артистами того времени. , включая Apple, Уорхола, Лихтенштейна, Вессельмана, Ольденбурга и Джонса. Этот проект был воссоздан в 2002 году в рамках Галерея Тейт с Шоппинг: век искусства и потребительской культуры.[36]

К 1962 году поп-артисты начали выставляться в коммерческих галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса; для некоторых это было их первое коммерческое персональное шоу. В Галерея Ferus представил Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эд Руша в 1963 г.). В Нью-Йорке Зеленая Галерея показал Розенквиста, Сигала, Ольденбурга и Вессельмана. В Стабильная галерея показал Р. Индиану и Уорхола (в своем первом шоу в Нью-Йорке). В Галерея Лео Кастелли представил Раушенберга, Джонса и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун - Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия Зеленой галереи и галереи Феруса, галерея Лео Кастелли представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джонса, Лихтенштейна и Рушу. Галерея Сиднея Яниса представляла Ольденбург, Сегала, Дайна, Вессельмана и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон продолжала представлять Роберта Индиану.[37]

В 1968 г. 9 выставка в Сан-Паулу - Окружающая среда США: 1957–1967 гг. показал "Кто есть кто" поп-арта. Рассматривается как сумма классическая фаза периода американского поп-арта, выставку курировал Уильям Зейтц. Художники были Эдвард Хоппер, Джеймс Гилл, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Клаас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол и Том Вессельманн.[38]

Франция

Модернистский реализм относится к художественному движению, основанному в 1960 году искусствоведом. Пьер Рестани[39] и художник Ив Кляйн во время первой коллективной выставки в галерее Apollinaire в Милане. Пьер Рестани написал первоначальный манифест группы, названный «Учредительная декларация нового реализма», в апреле 1960 года, провозгласив «Новый реализм - новые способы восприятия реальности».[40] Это совместное заявление было подписано 27 октября 1960 года в мастерской Ива Кляйна девятью людьми: Ив Кляйн, Арман, Боевой Райс, Пьер Рестани, Даниэль Спёрри, Жан Тингели и Ультра-леттристы, Франсуа Дюфрен, Раймонд Хейнс, Жак де ла Виллегле; в 1961 г. к ним присоединились Сезар, Миммо Ротелла, тогда Ники де Сен-Фалль и Жерар Дешам. Исполнитель Christo показал с группой. Он был распущен в 1970 году.[40]

Современник американского поп-арта, часто задуманный как его перенос во Франции, новый реализм был вместе с Fluxus и другие группы - одно из многочисленных направлений авангарда 1960-х годов. Группа изначально выбрала Ницца на Французской Ривьере, где он базируется с тех пор, как Кляйн и Арман оба родились там; новый реализм, таким образом, часто ретроспективно рассматривается историками как ранний представитель École de Nice [fr ] движение.[41] Несмотря на разнообразие пластического языка, они видели общую основу для своей работы; это метод прямого присвоение эквивалентности действительности в терминах, используемых Рестани; к «поэтической переработке городской, промышленной и рекламной реальности».[42]

Испания

В Испании изучение поп-арта ассоциируется с «новым фигуративом», возникшим из корней кризиса неформальность. Эдуардо Арройо Можно сказать, что он вписывается в тенденцию поп-арта из-за его интереса к окружающей среде, его критики нашей медиакультуры, которая включает в себя иконы обоих СМИ общение и история живописи, и его презрение почти ко всем установленным художественным стилям. Однако испанским художником, который может считаться наиболее достоверным участником «поп-арта», является Альфредо Алькаин, поскольку он использует популярные изображения и пустые места в своих композициях.

Также в категорию испанского поп-арта входит «Chronicle Team» (El Equipo Crónica), существовавшие в Валенсия между 1964 и 1981 годами, сформированный художниками Маноло Вальдес и Рафаэль Сольбес. Их движение можно охарактеризовать как «попсовое» из-за использования комиксов и рекламных изображений, а также упрощения изображений и фотографических композиций. Режиссер Педро Альмодовар возникла из мадридской субкультуры "La Movida" 1970-х годов с низким бюджетом. супер 8 поп-арт, и впоследствии средства массовой информации назвали его испанским Энди Уорхолом. В книге Альмодовар на Альмодоваре, он сказал, что фильм 1950-х годов «Забавная мордашка» был главным источником вдохновения для его творчества. Одна из отличительных черт поп-музыки в фильмах Альмодовара заключается в том, что он всегда создает фальшивую рекламу для вставки в сцену.

Япония

В Японии поп-арт произошел от выдающихся национальных авангард место действия. Использование изображений современного мира, скопированных из журналов, в картинах в стиле фотомонтажа, созданных Харуэ Кога в конце 1920-х - начале 1930-х годов предвосхитил элементы поп-арта.[43] Работа Яёи Кусама способствовал развитию поп-арта и оказал влияние на многих других художников, включая Энди Уорхола.[44][45] В середине 1960-х графический дизайнер Таданори Ёку стал одним из самых успешных поп-исполнителей и международным символом японского поп-арта. Он хорошо известен своей рекламой и созданием иллюстраций для икон поп-культуры, таких как заказы от Битлз, Мэрлин Монро, и Элизабет Тейлор, среди прочего.[46] Другой ведущий поп-исполнитель в то время был Кейичи Танаами. Знаменитые японские персонажи манга и аниме также стали символами поп-арта, такими как Гонщик и Astro Boy. Японская манга и аниме также оказали влияние на более поздних поп-исполнителей, таких как Такаши Мураками и его суперплоский движение.

Италия

В Италии к 1964 году поп-арт был известен и принимал различные формы, такие как «Scuola di Piazza del Popolo» в Риме с участием таких поп-артистов, как Марио Скифано, Франко Анджели, Джозетта Фиорони, Тано Феста, Клаудио Чинтоли, и некоторые работы автора Пьеро Мандзони, Лучио Дель Пеццо, Миммо Ротелла и Валерио Адами.

Итальянский поп-арт зародился в культуре 1950-х годов - произведения художников Энрико Бай и Миммо Ротелла если быть точным, то по праву считались предшественниками этой сцены. Фактически, это было примерно в 1958–1959 годах, когда Бай и Ротелла отказались от своей предыдущей карьеры (которую в общем можно определить как принадлежность к непредставительный жанр(несмотря на то, что они были полностью постдадаистами), чтобы катапультироваться в новый мир образов и отражений на них, которые возникали вокруг них. Разорванные плакаты Ротеллы демонстрировали еще более образный вкус, часто явно и намеренно ссылаясь на великих икон того времени. Композиции Бадж пропитаны современными китч, который оказался «золотой жилой» образов и стимулом для целого поколения художников.

Новинка появилась благодаря новой визуальной панораме, как внутри «домашних стен», так и на улице. Машины, дорожные знаки, телевидение, весь «новый мир», все может принадлежать миру искусства, которое само по себе является новым. В этом отношении итальянский поп-арт идет тем же идеологическим путем, что и международная сцена. Меняется только иконография, а в некоторых случаях более критическое отношение к ней. Даже в этом случае прототипы можно проследить до работ Ротеллы и Байя, далеко не нейтральных в своих отношениях с обществом. Однако это не исключительный элемент; есть длинный список художников, в том числе Джанни Руффи, Роберто Барни, Сильвио Пасотти, Умберто Биньярди, и Клаудио Чинтоли, которые воспринимают реальность как игрушку, как огромный пул образов, из которых можно черпать материал с разочарованием и легкомыслием, ставя под сомнение традиционные лингвистические образцы для подражания с обновленным духом «позволь мне повеселиться» а-ля Альдо Палаццески.[47]

Бельгия

В Бельгия, поп-арт в какой-то мере был представлен Полом Ван Хойдонком, скульптура которого Падший космонавт был оставлен на Луне во время одна из миссий Аполлона, а также другими известными поп-исполнителями. Всемирно признанные художники, такие как Марсель Бродтэрс ( кукла vous êtes? "), Эвелин Акселл и Панамаренко в долгу перед движением поп-арт; Большое влияние Broodthaers было Джордж Сигал. Другой известный художник, Роджер Равил, установил на одной из своих картин птичью клетку с настоящим живым голубем. К концу 1960-х - началу 1970-х отсылки к поп-арту исчезли из работ некоторых из этих художников, когда они стали более критически относиться к Америке из-за война во Вьетнаме ужасный персонаж. Однако Панамаренко до сих пор сохранил иронию, присущую движению поп-арт. Эвелин Акселл от Намюр был плодовитым поп-артистом в период 1964–1972 годов. Axell была одной из первых женщин-поп-исполнителей, наставником которой был Магритт и ее самая известная картина - «Мороженое».[48] Другие известные работы Axell можно найти в ключевых международных галереях.

Нидерланды

Хотя формального движения поп-арт в Нидерланды, была группа художников, которые проводили время в Нью-Йорке в первые годы поп-арта и черпали вдохновение в международном поп-арт-движении. Среди представителей голландского поп-арта Даан ван Голден, Гюстав Ассельбергс, Жак Френкен, Ян Кремер, Вим Т. Шипперс, и Вуди ван Амен. Они выступили против голландцев мелкобуржуазный менталитет, создавая юмористические произведения с серьезным подтекстом. Примеры такого рода включают Секс часы, Вуди ван Амен и Распятие / цель, Жак Френкен.[49]

Россия

Россия было немного поздно, чтобы стать частью движения поп-арта, и некоторые произведения искусства, напоминающие поп-арт, появились только в начале 1970-х годов, когда Россия была коммунистической страной, и за смелыми художественными заявлениями пристально следили. Российская версия поп-арта была Советский -тематический и именовался Соц-арт. После 1991 года Коммунистическая партия потеряла власть, а вместе с ней и свобода слова.Поп-арт в России принял иную форму, воплощением которой стал Дмитрий Врубель с его картиной под названием Боже мой, помоги мне выжить в этой смертельной любви в 1990 году. Можно утверждать, что советские плакаты, созданные в 1950-х годах для пропаганды богатства нации, сами по себе были формой поп-арта.[50]

Известные художники

Смотрите также

использованная литература

  1. ^ Поп-арт: краткая история, MoMA Learning
  2. ^ а б c d е Ливингстон, М., Поп-арт: непрекращающаяся история, Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc., 1990
  3. ^ а б c de la Croix, H .; Танси, Р., Искусство Гарднера сквозь века, Нью-Йорк: Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1980.
  4. ^ а б c d е ж Пайпер, Дэвид. Иллюстрированная история искусства, ISBN  0-7537-0179-0, с. 486-487.
  5. ^ Харрисон, Сильвия (27 августа 2001). Поп-арт и истоки постмодернизма. Издательство Кембриджского университета.
  6. ^ а б c d Гопник, А .; Варнедое, К., High & Low: современное искусство и популярная культура, Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1990.
  7. ^ "История, путешествия, искусство, наука, люди, места | Смитсоновский институт". Smithsonianmag.com. Получено 2015-12-30.
  8. ^ «Современная любовь». Житель Нью-Йорка. 2007-08-06. Получено 2015-12-30.
  9. ^ Уэйн Крейвен, Американское искусство: история и. стр.464.
  10. ^ а б c d е ж г Арнасон, Х., История современного искусства: живопись, скульптура, архитектура, Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc. 1968.
  11. ^ "'Я был игрушкой богача », сэр Эдуардо Паолоцци". Тейт. 2015-12-10. Получено 2015-12-30.
  12. ^ "Джон Макхейл". Warholstars.org. Получено 2015-12-30.
  13. ^ "Поп-арт", Словарь искусства двадцатого века, Ян Чилверс. Издательство Оксфордского университета, 1998.
  14. ^ "Поп-арт", Краткий Оксфордский словарь художественных терминов, Майкл Кларк, Oxford University Press, 2001.
  15. ^ Элисон и Питер Смитсон, «Но сегодня мы собираем рекламу», перепечатано на странице 54 в Modern Dreams Взлет и падение поп-музыки, опубликовано ICA и MIT, ISBN  0-262-73081-2
  16. ^ Лоуренс Аллоуэй, «Искусство и средства массовой информации», Architectural Design & Construction, февраль 1958 года.
  17. ^ а б Клаус Хоннеф, Поп-арт, Taschen, 2004, с. 6, ISBN  3822822183
  18. ^ а б Бартон, Кристина (2010). Билли Эппл: Британские и американские произведения 1960–69. Лондон: Галерея Мэра. С. 11–21. ISBN  978-0-9558367-3-2.
  19. ^ а б c d Шерман, Тони. «Когда поп перевернул мир искусства с ног на голову». Американское наследие 52.1 (февраль 2001 г.), 68.
  20. ^ Раушенберг, Роберт; Миллер, Дороти С. (1959). Шестнадцать американцев [выставка]. Нью-Йорк: Музей современного искусства. п. 58. ISBN  978-0029156704. OCLC 748990996. «Живопись относится и к искусству, и к жизни. Ни то, ни другое сделать нельзя. (Я пытаюсь действовать в этот промежуток между ними двумя) ».
  21. ^ «Искусство: поп-арт - культ банальности». Время. 1963-05-03. ISSN  0040-781X. Получено 2020-07-07. 37-летний Роберт Раушенберг вспоминает учителя рисования, который «научил меня думать:« Почему бы и нет? »». Поскольку Раушенберг считается пионером в области поп-арта, вероятно, именно здесь движение пошло по своему особому направлению. Почему бы не сделать искусство из старых газет, обрывков одежды, бутылок из-под колы, книг, коньков, часов?
  22. ^ Сэндлер, Ирвинг Х. Нью-Йоркская школа: художники и скульпторы пятидесятых годов, Нью-Йорк: Харпер и Роу, 1978. ISBN  0-06-438505-1 стр. 174–195, Раушенберг и Джонс; стр. 103–111, Реки и жестовые реалисты.
  23. ^ Роберт Розенблюм, "Джаспер Джонс" Art International (Сентябрь 1960 г.): 75.
  24. ^ Хэпгуд, Сьюзен, Нео-дада: новое определение искусства, 1958–62. Нью-Йорк: Вселенная Книги, 1994.
  25. ^ Хендриксон, Янис (1988). Рой Лихтенштейн. Кельн, Германия: Бенедикт Ташен. п. 31. ISBN  3-8228-0281-6.
  26. ^ Киммельман, Майкл (30 сентября 1997 г.). «Рой Лихтенштейн, поп-мэтр, умер в возрасте 73 лет». Газета "Нью-Йорк Таймс. Получено 12 ноября, 2007.
  27. ^ Майкельсон, Аннетт, Бухло, Б. Х. Д. (ред.) Энди Уорхол (Октябрьские файлы), MIT Press, 2001.
  28. ^ Уорхол, Энди. Философия Энди Уорхола, от А до Б и обратно. Харкорт Брейс Йованович, 1975 г.
  29. ^ "Коллекция". MoMA.org. Получено 2015-12-30.
  30. ^ "Великий американский магазин поп-арта: произведения шестидесятых". Tfaoi.com. Получено 2015-12-30.
  31. ^ Диггори (2013).
  32. ^ а б Кристин МакКенна (2 июля 1995 г.), Когда больше - значит лучше: Клас Ольденбург последние 35 лет взорвал и переосмыслил повседневные предметы, все во имя того, чтобы убрать искусство с пьедестала Лос-Анджелес Таймс.
  33. ^ Рева Вольф (1997-11-24). Энди Уорхол, Поэзия и сплетни в 1960-е годы. п. 83. ISBN  9780226904931. Получено 2015-12-30.
  34. ^ «История музея» Музей Нортона Саймона ». Nortonsimon.org. Получено 2015-12-30.
  35. ^ Шесть художников и объект. Лоуренс Аллоуэй [куратор, задумавший и подготовивший эту выставку и каталог] (Компьютерный файл). 2009-07-24. OCLC  360205683.
  36. ^ Гейфорд, Мартин (2002-12-19). «Натюрморт на выезде». Телеграф. Telegraph Media Group Ltd. Получено 28 ноября 2012.
  37. ^ Поп-исполнители: Энди Уорхол, Поп-арт, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Питер Макс, Эрро, Дэвид Хокни, Уолли Хедрик, Майкл Ливитт (20 мая 2010 г.) Перепечатано: 2010 г., General Books, Мемфис, Теннесси, США, ISBN  978-1-155-48349-8, ISBN  1-155-48349-9.
  38. ^ Джим Эдвардс, Уильям Эмбоден, Дэвид Маккарти: Необычные места: Искусство Джеймса Фрэнсиса Гилла, 2005, с.54
  39. ^ Карл Рурберг, Инго Ф. Вальтер, Искусство ХХ века, Ташен, 2000, с. 518. ISBN  3-8228-5907-9
  40. ^ а б Керстин Стреммель, Реализм, Taschen, 2004, с. 13. ISBN  3-8228-2942-0
  41. ^ Розмари М. О'Нил, Искусство и визуальная культура Французской Ривьеры, 1956–1971: Ecole de Nice, Ashgate, 2012, стр. 93.
  42. ^ 60/90. Trente ans de Nouveau Réalisme, La Différence, 1990, с. 76
  43. ^ Эскола, Джек (2015). Харуэ Кога: Дэвид Боуи из авангарда японского искусства начала ХХ века. Kindle, электронная книга.
  44. ^ "Интервью Яёи Кусамы - выставка Яёи Кусамы". Timeout.com. 2013-01-30. Получено 2015-12-30.
  45. ^ [1] В архиве 1 ноября 2012 г. Wayback Machine
  46. ^ «Таданори Ёку: ADC • Global Awards & Club». Adcglobal.org. 1936-06-27. Получено 2015-12-30.
  47. ^ "Pop Art Italia 1958–1968 - Galleria Civica". Comune.modena.it. Получено 2015-12-30.
  48. ^ «Художественный музей Филадельфии побеждает в битве с Facebook над Racy Pop Art Painting». artnet.com. Получено 2020-01-17.
  49. ^ "Голландский поп-арт и шестидесятые - Weg встретил de vertrutting!". 8weekly.nl. Получено 2015-12-30.
  50. ^ [2] В архиве 7 июня 2013 г. Wayback Machine

дальнейшее чтение

  • Диггори, Теренс (2013) Энциклопедия поэтов Нью-Йоркской школы (Факты о файловой библиотеке американской литературы). ISBN  978-1-4381-4066-7
  • Фрэнсис, Марк и Фостер, Хэл (2010) Поп. Лондон и Нью-Йорк: Phaidon.
  • Хаскелл, Барбара (1984) БАМ! Взрыв поп-музыки, минимализма и перформанса 1958–1964. Нью-Йорк: W.W. Norton & Company, Inc. при сотрудничестве с Музеем американского искусства Уитни.
  • Лифшиц Михаил, Кризис безобразия: от кубизма к поп-арту. Перевод и введение Дэвида Риффа. Лейден: BRILL, 2018 (первоначально опубликовано на русском языке в издании "Искусство", 1968 г.).
  • Липпард, Люси Р. (1966) Поп-арт, при участии Лоуренса Аллоуэя, Нэнси Мармер, Николаса Каласа, Фредерик А. Прегер, Нью-Йорк.
  • Зельц, Питер (Модератор); Эштон, Доре; Гельдзахлер, Генри; Крамер, Хилтон; Куниц, Стэнли и Стейнберг, Лев (Апрель 1963 г.) "Симпозиум по поп-арту" Журнал искусствС. 36–45. Стенограмма симпозиума, прошедшего в музей современного искусства 13 декабря 1962 г.

внешние ссылки