Ателье - Atelier

Французское ателье художников: «Школа изящных искусств - Мастерская художника» (Ecole des Beaux-Arts - Ателье де Пейнтр)

Роберта-Флери Ателье в Академия Жюлиана для студенток изобразительного искусства - картина студента Мари Башкирцева (1881)

Бугро Ателье в Académie Julian в Париже, автор: Джефферсон Дэвид Чалфант (1891)

Интерьер студии литья - Академия классического дизайна, Южные сосны, Северная Каролина, США.

An ателье (Французский:[atəlje]) является частным цех или студия профессионального художника в хорошо или декоративное искусство где главный мастер и несколько помощников, студентов и учеников могут работать вместе, производя Изобразительное искусство или Изобразительное искусство выпускается под именем или контролем мастера.

Ателье были стандартной профессиональной практикой для европейских художников из Средний возраст до 19-го века и распространены во всем мире. В средневековая европа такой способ работы и обучения часто навязывался местными гильдия правила, такие как правила художников Гильдия Святого Луки, и других ремесленных гильдий. Ученики обычно начинал работать над простыми задачами в молодом возрасте, а через несколько лет с увеличением знаний и опыта стал подмастерья, прежде чем, возможно, стать мастерами. Эта система мастер-ученик постепенно заменялась, когда некогда могущественные гильдии приходили в упадок, а академия стал излюбленным методом обучения. Однако многие профессиональные художники продолжали использовать студентов и ассистентов, как раньше в ателье; иногда художник платил студентам-ассистентам, а иногда они платили художнику за обучение.^[1]

В искусстве ателье состоит из мастера художник, обычно профессиональный художник, скульптор, или архитектор —Или с середины 19 века фотограф изобразительного искусства - работа с небольшим количеством студентов для обучения их изобразительному искусству. Ателье также может быть рабочим и учебным помещением высокая мода модельер, парикмахер, или художников в более общем плане. Школы Atelier можно найти по всему миру, особенно в Северная Америка и западная Европа.^[2]

Хотя методы различаются, большинство мастерских по живописи обучают студентов навыкам и методам, связанным с созданием той или иной формы изобразительного искусства, созданием двухмерных изображений, которые кажутся реальными для зрителя. Традиционно они включают занятия по рисованию или рисованию. обнаженное искусство.

Методы

Размер прицела

Аполлон Бельведерский, (350-325 г. до н.э.) Музеи Ватикана

Тициан, Успение Богородицы (1516–1518)

Размер прицела - это метод рисования и раскрашивания объекта в точности так, как он кажется художнику, в индивидуальном масштабе.^[3] Сначала художник устанавливает точку обзора, при которой объект и поверхность для рисования кажутся одинаковыми. Затем с помощью различных инструментов измерения, в том числе уровни, зеркала, отвес, веревки и палочки - художник рисует объект так, чтобы при просмотре с установленной точки обзора рисунок и объект выглядели одинаково Габаритные размеры. При правильном выполнении рисунок с размером прицела может привести к чрезвычайно точным и реалистичным рисункам. Его также можно использовать для нанесения точных размеров модель при подготовке к картине.^{[нужна цитата ]}

Ателье, использующее метод визуального измерения, обычно соглашается с тем, что практика осторожного Рисование это основа картина, обучение форме реализм основан на внимательных наблюдениях за природой с вниманием к деталям. Используя этот метод, учащиеся выполняют ряд задач, таких как рисование отливом, рисование отливом, рисование и раскрашивание с живой модели и натюрморт. Студенты должны выполнить каждое задание к удовлетворению инструктора, прежде чем переходить к следующему. Эта система называется «систематическим прогрессом» или «систематическим обучением и обучением».^{[нужна цитата ]}

Студенты ателье часто начинают этот прогресс с рисования штукатурка слепки. Эти слепки обычно представляют собой лица, руки или другие части тела. человеческая анатомия. Гипсовые слепки обладают некоторыми преимуществами живых человеческих моделей, такими как наличие естественный тени. У них также есть свои явные преимущества: они остаются совершенно неподвижными, а их белый цвет позволяет ученику сосредоточиться на чистом, оттенки серого тона теней.^{[нужна цитата ]}

Одна из целей для учеников с прицелом - получить достаточно навыков, чтобы переносить точное изображение на бумагу или холст без помощи механического устройства. Современный художник-реалист Адриан Готтлиб отмечает, что «в то время как профессиональные художники, продолжающие карьеру на полную ставку, разовьют« глаз », исключающий необходимость в измерительных приборах и отвесах (инструменты, необходимые во время периода обучения), сам метод наблюдения не отменяется - вместо этого он становится второй натурой. Размер зрения можно научить и применять в сочетании с особой чувствительностью к жесту, чтобы создавать реалистичные образы, особенно когда они применяются в портретных и фигуративных работах ».^{[нужна цитата ]}

Даррен Р. Роузар, бывший ученик Ричарда Лака и Чарльз Сесил а также автор Отливка чертежа с использованием размерного подхода, соглашается и определяет измерение в широком смысле. Он говорит, что «полностью обученный художник, использующий Sight-size, может никогда не использовать отвес и даже сознательно не думать о буквальном измерении. Он или она будет стремиться к достижению того же впечатления на сетчатке глаза, что и в природе».^[4]

Владелец художественной школы Чарльз Х. Сесил пишет:

Возрождая традицию ателье, Р. Х. Айвс Гаммелл (1893–1981) принял размер зрения как основу своего метода обучения. Он основал свою студию на прецеденте частных ателье, таких как Каролус-Дюран и Леон Бонна. Эти французские мастера были прекрасными портретистами, которые передавали своим ученикам преданность искусству рисования. Веласкес. Сарджент обучался у обоих художников, и это, в свою очередь, оказало большое влияние на Великобританию и Америку.^[5]

Искусство ателье с визирным методом часто напоминает греческую и римскую скульптуру из классическая древность, такой как Аполлон Бельведерский. Картины могут способствовать визуальному изображению Неоклассический искусство середины 18-19 вв. Метод размера прицела также пригоден для стилей портретной живописи, в которых художники желают точного, естественного, правдивого или даже почти фотографического изображения натурщика, как это очевидно в работе Бугро.^{[нужна цитата ]}

Сравнительное измерение

Метод сравнительных измерений требует пропорциональной точности, но позволяет художнику изменять размер создаваемого изображения. Этот метод широко охватывает любой метод рисования, который предполагает выполнение точных измерений, прежде всего невооруженным глазом. В раннем периоде обучения ученикам могут помочь карандаш, кисть или отвес для сравнения, но нет переноса измерений 1: 1 с предмета непосредственно на бумагу. Школы, которые обучают этому методу, включают Ателье Уотер-Стрит и Шведскую академию реалистического искусства.^{[нужна цитата ]}

В своем эссе "Прицельный метод и его недостатки Художник и преподаватель Шведской академии реалистического искусства Ханс-Петер Замейт обсуждает недостатки размера прицела, описывая его как создание механически созданного изображения, ограниченного одним размером, «размером прицела».^[6]

Иллюзия

Эскиз для мадам Муассье, Жан Огюст Доминик Энгр

Другой традиционный метод ателье включает использование иллюзий, которые вводят зрителя в заблуждение, заставляя поверить, что изображение является точным. Этому методу чаще всего обучают в сочетании с продвинутой теорией композиции. Поскольку нет необходимости точно копировать объект для достижения успешной иллюзии, этот метод позволяет художнику экспериментировать со многими вариантами, сохраняя при этом то, что кажется реалистичным.

В одном примере Изучение мужской фигуры для нисходящего Меркурия (ок. 1613–1614 (нарисовано), в Воспитание Марии Медичи^[7]) Рубенс затемнил точку, где ноги крепятся к туловищу. Это один из факторов, который способствует легкости, с которой он может успешно экспериментировать с множеством совершенно разных положений ног. Видны как минимум три комплекта ступней. Зрителя не беспокоит нелогичная привязанность, если привязанность не видна, а полученное двухмерное изображение радует глаз. Это позволяет художнику выбирать из огромного количества очень разных альтернатив, делая свой выбор на основе личных предпочтений или эстетики, а не точности. В упомянутом упражнении можно экспериментировать с многочисленными манипуляциями, касающимися размера и размещения каждой части тела, в то же время используя набор двумерных иллюзий ракурса, чтобы сохранить видимость реализма.^[8]

Помимо частей тела, художники могут полагаться на манипуляции со многими другими элементами, чтобы добиться успешной иллюзии. Они могут включать в себя: манипуляции с цветом, значением, характеристиками кромок, перекрывающимися формами и ряд различных типов нанесения краски, таких как остекление и возня. Разработанная таким образом работа должна начинаться не с рисунка, а с размещения всех соответствующих элементов, необходимых для успеха иллюзий, а также композиции в целом.^[9]^[10]

Многие из иллюзий, имитирующих реальность, также ускоряют процесс рисования, давая художникам больше времени для разработки и завершения сложных крупномасштабных работ.^{[нужна цитата ]}

Отдельные ученики этого метода изучают разнообразный выбор старых мастеров, хотя многие начинают свое обучение с Высокое Возрождение (1490–1527 гг.), Маньерист (1520–1580), Барокко (1600–1725) и Импрессионист (1870–1880-е гг.) Художники, в том числе Леонардо да Винчи, Дега, Микеланджело, Рафаэль, Рубенс, и Тициан. Однако, поскольку акцент делается на творчестве, часто изучается дизайн композиции, а также применение и использование материалов, при этом меньше внимания уделяется воспроизведению определенного стиля или предмета.^{[нужна цитата ]}

Таким образом, студенты этих ателье будут демонстрировать широкий спектр личных стилей и все большее количество творческих экспериментов. В результате получается группа, искусство которой очень индивидуализировано, и каждый студент преследует свои индивидуальные интересы. В ателье Леон Бонна (1846–1855). Юлиус Каплан охарактеризовал Бонна как «либерального учителя, который подчеркивал простоту в искусстве выше высокого академического уровня, а также общий эффект, а не детали».^[11]^[12]

Некоторые из наиболее известных учеников Бонна включают: Фред Барнард, Жорж Брак, Гюстав Кайботт, Сюзор-Коте, Рауль Дюфи, Томас Икинс, Алоизиус О'Келли, Джон Сингер Сарджент, Анри де Тулуз-Лотрек, и Мариус Васселон^[12]^[13]^[14]