Театральные декорации XIX века - Nineteenth-century theatrical scenery

Театр в девятнадцатом веке был известен своей изменяющейся философией от Романтизм и Неоклассицизм который доминировал в Европе с конца 18 века до Реализм и Натурализм во второй половине 19-го века, прежде чем он в конце концов уступил место росту Модернизм в 20 веке. Театральные декорации того времени полностью отражали эти изменения, и с наступлением Индустриальная революция технологический прогресс на протяжении столетия кардинально изменил эстетику театра.

Реализм

Театральный реализм было общим движением в театре XIX века периода 1870-1960 годов, которое разработало ряд драматических и театральных условностей с целью придания большей реалистичности текстам и представлениям. Часть более широкого художественного движения, она включала акцент на повседневной драме среднего класса, обычной речи и простых условиях. Эта идея правдивого представления предмета проявилась в изменениях, внесенных в сценический дизайн в театре. Театральные дизайнеры и режиссеры начали скрупулезно исследовать историческую достоверность своих постановок, а это означало, что декорации больше нельзя было рисовать со склада, что обычно использовалось снова и снова в общих декорациях для различных шоу. Пейзаж стали разрабатываться по индивидуальному заказу и изготавливаться для конкретного производства. Это означало, что если раньше декорации рассматривались как капиталовложения, то теперь они стали считаться более доступными, когда постановка была удалена из репертуара.^[1]

Живописные инновации

Одним из важнейших сценических переходов в 20-й век стал переход от часто используемого двухмерного сценического фона к трехмерным декорациям. Раньше как двухмерная среда декорации не обеспечивали объемлющую физическую среду для драматических действий, происходящих на сцене. Ситуация изменилась, когда в первой половине века были представлены трехмерные наборы. Благодаря этому нововведению, наряду с изменением аудитории и динамики сцены, а также достижениями в архитектуре театра, которые позволили скрыть изменения сцены, театр стал более репрезентативным, а не презентационным, и пригласил публику перенестись в задуманный «другой» мир.^[2]

Бокс-сет

Воплощением новых трехмерных стилей и одним из самых важных достижений сценического дизайна была популяризация бокс-сет. Бокс-сет существует с 17 века, но не получил поддержки.^[3] Мадам вестрис представила реалистичную сценическую обстановку в 1836 году в своем маленьком Олимпийском театре в Лондоне и навязала их американским менеджерам, когда она гастролировала по этой стране в 1838-1839 годах.^[4] Бокс-сет представлял собой постепенную замену окрашенных комплектов створок и створок. Между 1800 и 1875 годами ими стали пользоваться многие артисты театра. Бокс-сет состоит из квартир, шарнирно соединенных вместе, чтобы представить комнату; он часто имеет практичные элементы, такие как двери и окна, которые можно использовать во время спектакля или шоу.^[5] Благодаря новому стремлению к реализму, ящики, похожие на комнаты, теперь имели тяжелую лепнину, настоящие двери с дверными ручками и достаточно аккуратную мебель. Наличие бокс-сета также означало, что многие театральные артисты начали ставить все действия за авансценой в конце 1800-х годов, тем самым усиливая иллюзию театра. четвертая стена. Аудитория будет смотреть "кусочек жизни »Через окно. Бокс-сеты позволили художникам-декораторам создать лучшую визуализированную атмосферу и настроение.

Эстетический стиль

Сценические стили XIX века в Америке были уникальными производными от европейских мастеров. Сценические художники из Европы привезли с собой Романтичный, Барокко или классические пейзажи, которые они знали по дому, но стили, казалось, изменились, когда они высадились на берегу Америки.^[6] Романтический английский стиль пейзажной живописи постепенно адаптировался к американскому образу. Более суровый американский пейзаж дикого запада на протяжении всего столетия идеализировался местными художниками-живописцами. Многие театры вложили средства в универсальные декорации, предназначенные практически для любого спектакля. В универсальный набор вошли пейзажи, европейские города, тюрьма, дворец, деревня, горный перевал и лес.^[7]

Олео был универсальной каплей для любого развлечения. Олео-капля часто висела в одном положении, разделяя сцену на более мелкую глубину, которая больше подходила для короткой паузы.^[8] Актовый занавес или откидной занавес функционировал сегодня как основная драпировка, декоративная перегородка между аудиторией и сценой. Часто это было самое изысканное произведение театра, и оно было написано так, чтобы гармонировать с внутренним убранством самого театра.

Технологический прогресс

В девятнадцатом веке технология Индустриальная революция применялся к театру. Многие историки считают, что популярность мелодрама с акцентом на сценическое зрелище и спецэффекты ускорили эти технологические инновации: например, Дион Бусико был ответственным за введение противопожарной защиты в театре, когда одна из его мелодраматических пьес призвала к пожару на сцене.^[9]

Панорама

Хотя изобретение панорама приписывается Роберт Баркер в 1787 г., Луи Жак Дагер в основном считается усовершенствовавшим изобретение в XIX веке. Он создал диораму: неподвижную картину, которую видит публика, сидящая на вращающейся платформе. Вскоре это уступило место движущейся панораме: декорации, нарисованные на длинной ткани, которую можно было развернуть по сцене, вращая катушки, создавали иллюзию движения и смены места действия. Популярная американская пьеса, Уильям Данлэп с Поездка в Ниагару (1828) использовал это устройство, чтобы показать путешествие из Нью-Йорка в Ниагарский водопад на пароходе.^[10] Появление панорам вкупе с Чарльз Кин Изобретение корсиканской ловушки означало, что на сцене можно было разыграть целые скачки на лошадях и колесницах.^[11] Акцент на воссоздании естественной среды на сцене, вероятно, был вызван романтизмом, который требовал «возвращения к природе».

Подвижная сцена в театре Мэдисон-сквер, Нью-Йорк

Лифтовая сцена

7 февраля 1880 г. Дух времени объявил: «Сегодня вечером мистер Дж. Стил Маккей откроет самый изысканный театр в мире, и весь Нью-Йорк соберется, чтобы воздать должное воплощению его художественных замыслов… Мистер Маккей будет разыгрывать драму. Хейзел Кирк с двухминутным перерывом между актами, и затем будет продемонстрирована двойная сцена - одно купе предназначено для кухни Blackburn Mill, а другое - в качестве будуара на вилле Fairy Grove ». Сцена в лифте Маккея была важным развитием американской драмы и театра . Это было решение проблемы, вызванной все более широким использованием наборов коробок для детального воспроизведения внутренних сцен. С помощью ступени лифта можно было быстро и детально изменять несколько сцен. Это значительно повысило скорость и эффективность сценических изменений. , и дизайн не нужно было упрощать, его все еще можно было детализировать. Этап лифта описан в Scientific American, 5 апреля 1884 года. "[Он состоит] из двух театральных сцен, расположенных одна над другой, которые можно перемещать вверх и вниз, как лифт, движущийся в высоком здании, и чтобы любой из них мог легко и быстро оказаться на в любое время доведен до надлежащего уровня для игры в нем перед аудиторией. Пока спектакль идет перед публикой, ассистенты устраивают другую сцену на верхней сцене ».^[12]

Театр Эдвина Бута

Новые стили декорации означали, что необходимы новые средства смены сцен. Театр Бута, открытый в 1869 году, был первым театром нового поколения, построенным специально для трехмерных декораций. Это был первый театр, у которого был ровный пол сцены (а не гребенчатый пол, как это было стандартом в театрах с арками авансцены с эпохи Возрождения) и без выемок в полу сцены для сменных квартир. К концу века эта идея станет стандартом. Дополнили пространство лифты и оборудование для летающих декораций.^[13]

Сценическое освещение

Технологии девятнадцатого века произвели революцию в сценическом освещении, которое до этого было примитивным. Вступление к газовое освещение был первый шаг. В 1816 году Театр на Честнат-Стрит в Филадельфии стал первым в мире театром с газовым освещением.^[14] Введение газового освещения произвело революцию в сценическом освещении. Он обеспечивал более естественный и адекватный свет для спектакля и живописного пространства за сценой арки авансцены. Однако это новое богатство освещения сначала доставляло трудности. Хотя художникам-живописцам пришлось научиться подчинять свои цвета возросшей мощности свечей, яркость только еще больше подчеркнула несоответствие между трехмерными декорациями и их двухмерным фоном и привела к окончательному упадку последнего. Появление внимание, также известный как Драммонд светлый, также эффективно представил освещение в театр.^[15] Томас Эдисон Следующим шагом стала электрическая лампа накаливания, изобретенная в 1879 году. Это сделало электричество самым гибким, управляемым и безопасным видом освещения; в двадцатом веке это превратило бы сценическое освещение в настоящее искусство. Эти новые средства освещения значительно расширили контроль над светом сцены и вызвали интерес к имитации световых явлений природы.^[16]

Известные дизайнеры, художники и технологи

Именно в это время сценические художники получили признание за их работы. Многие из сценических художников управляли своими собственными сценическими студиями в Нью-Йорке, и ближе к второй половине века первые театральные союзы были сформированы как ответ на Театральный Синдикат. Производители, которые первоначально нанимали штатных плотников и маляров компании, начали размещать свою продукцию на торгах. Именно в этот период дизайнеры начали работать с моделями, чтобы передать их дизайн.^[17]

Стил Маккей (1842–1894) был театральным технологом-новатором, изобретателем лифтовой сцены. В 1880 году в театре Мэдисон-сквер в Нью-Йорке Маккей использовал две сцены: одну над другой, которую можно было поднимать и опускать; в то время как одна сцена была в поле зрения публики, декорации на другой, которая находилась либо в подвале, либо в летной зоне, можно было изменить.^[18]
Дэвид Беласко (1853-1931) был американским продюсером, режиссером и драматургом. Сегодня г-на Беласко помнят прежде всего за его упор на натуралистические детали. Дэвид Беласко наиболее известен своими ультрареалистичными мелодрамами рубежа веков. Он и его главный художник-живописец Джордж Грос создали тщательно проработанные интерьеры, реалистичные экстерьеры и потрясающие атмосферные эффекты.^[19] Беласко и Грос создали одни из самых запоминающихся сценических изобретений американского театра и, безусловно, одни из лучших реалистичных декораций в истории театра. Его кропотливые сценические и световые приемы были замечены авангардом как воплощение всех злов сцены и подверглись серьезному высмеиванию истории. В 1909 г. для производства Самый простой способ, его художник-живописец разместил содержимое комнаты пансиона, включая обои, на сцене театра Стуйвесант, а три года спустя (1912 г.) построил на сцене полностью функционирующий ресторан для Дама губернатора.^[20]

Альфред Роллер, перед дворцом, для Гете Фауст, Часть II, Акт V, сцена 17, 1911 г., бумага, перо, черная тушь, акварель, гуашь

Альфред Роллер (1864-1935) получил образование художника в Вене, но его рисунки намекали на новую концепцию живописного дизайна.^[21] Полностью сосредоточен на взаимодействии света и цвета для создания ярких сценических пространств. Дизайн ролика основывался на избранном или упрощенном реализме, в котором на сцену было представлено лишь несколько предметов, но каждое из них запоминающееся, детализированное и мощное. Он использовал передвижные сценические башни, которые можно было переставлять и изменять с помощью света, чтобы формировать новые формы и модели движения на сцене (Sumner 338). Вероятно, он был одним из первых дизайнеров, воплотивших в жизнь идеи Адольфа Аппиа и Эдварда Гордона Крейга.
Чарльз Уитхэм (1842-1926) родился в Портленде, штат Мэн, получил художественное образование. Он провел некоторое время в качестве странствующего пейзажиста, прежде чем стал работать в театре. Благодаря дружбе Гаспара Мэдера, Уитхэм получил свою первую театральную работу в качестве помощника Мэдера, когда последний был главным дизайнером для Сад Нибло в Нью-Йорке в начале 1860-х гг. К 1863 году Уитхэм стал главным дизайнером Бостонского театра, где он рисовал декорации для Эдвина Форреста. Его пребывание в Бостоне было коротким, потому что его наняли Эдвин Бут присоединиться к его коллективу как художник-живописец. Он станет главным дизайнером Бута на долгие годы. Его работы остаются крупнейшей сохранившейся коллекцией театрального сценического искусства того времени.^[22]

Известные пьесы

Сцена из спектакля Дэли Под газовым светом (1867)

Под газовым светом (1867) был одним из первых из многих спектаклей, в которых на сцене использовался паровой двигатель, когда героя привязывали к железнодорожным путям. «Несмотря на то, что в первую ночь механизмы большой железнодорожной сцены не работали должным образом, аудитория находилась в напряженном волнении, и спектакль с самого начала удался». Всего было проведено 110 спектаклей.^[23] Говорят, что связанные с этим механические эффекты были запатентованы Огюстен Дэйли.

Афиша музыкального театра Черный Крук, представляющий финал, в котором амазонки сокрушают силы зла

Было много острых ощущений в Черный Крук (1866), но самым большим из них был кордебалет и сотни костюмов. После премьеры, которая длилась с 19:45 до 01:15, Трибуна сообщил, что «Пейзаж великолепен; балет красивый; драма - чушь ... последняя сцена пьесы, однако, ослепит и поразит еще больше своим щедрым богатством и варварским великолепием. Все это золото и серебро, драгоценные камни и свет, а также женская красота могут завораживать взгляд и очаровывать чувства.^[24] Лучше всего экспонируется декорация, завершающая второй акт: огромный грот, простирающийся в почти безмерную перспективу. Сталактиты спускаются с арочной крыши. Тихое и красивое озеро отражает золотое сияние, которое окружает его, как бескрайнее небо. Во всех направлениях можно увидеть яркий блеск или тусклое богатство массивного золота. Красивые феи и духи делают сцену пышной.^[25]
Бедные Нью-Йорка (1899) живописно показал такие контрасты и зрелища, как богатый дом на Мэдисон-сквер, многоквартирный дом на Кросс-стрит с пожаром, банк на Нассау-стрит и снежная буря на Юнион-сквер.^[26]

Последствия

Конец XIX века ознаменовался как высотой, так и концом пейзажей, написанных в традиционной перспективе. Живописный дизайн был реалистичным и креативным, давая волю воображению публики. Реализм был лишь мимолетным стилем. К концу века реализм обнаружил бы противоположность в натурализме. Адольф Аппиа и Эдвард Гордон Крейг именно они возмутились бы представлением об актере, стоящем на плоском полу в окружении «реалистичных» раскрашенных полотен. Их противоречивые идеи станут основой New Stagecraft. ХХ век принесет художнику-постановщику совершенно новую эстетику для мира театра в виде Хенрик Ибсен и Модернизм. По мере того, как популярность театра приходила на смену кино, международная эстетика перевешивала живописные декорации, сценические студии начали сокращаться, а художники-художники начали исчезать. Золотой век сценической живописи 19-го века быстро превратился в гораздо более фрагментированный в 20-м веке, поскольку театральные стили радикально изменились, и в конечном итоге театр потерял популярность в пользу кино и телевидения.