История балета - History of ballet

Рекламное фото к премьере балета Чайковского Спящая красавица (1890).

Балет это формализованная форма танца, берущая свое начало в Итальянский ренессанс суды 15-16 веков. Балетный разворот от Италия к Франция с помощью Екатерина Медичи, где балет получил дальнейшее развитие под ее аристократическим влиянием. Одним из первых примеров развития балета Екатерины является работа «Парадиз д'Амур», представленная на свадьбе ее дочери. Маргарита де Валуа к Генрих Наваррский. Аристократические деньги были ответственны за начальные этапы развития «придворного балета», поскольку именно королевские деньги диктовали идеи, литературу и музыку, используемые в балетах, которые были созданы, чтобы развлечь аристократов того времени. Первый официальный «придворный балет», когда-либо признанный, был поставлен в 1573 году - «Ballet des Polonais». Как истинное королевское развлечение, Ballet des Polonais был заказан Екатериной Медичи в честь Польский послов, которые были в гостях Париж при присоединении Генрих Анжуйский на престол Польши. В 1581 году Екатерина Медичи заказала еще один придворный балет. Балет Comique de la Reine Но это была ее соотечественница, Balthasar de Beaujoyeulx, организовавший балет. Катрин Медичи и Бальтазар де Божуайе были ответственны за представление первого придворного балета, когда-либо применявшего принципы Академии Баифа, путем интеграции поэзии, танца, музыки и декораций для передачи единого драматического сюжета. Более того, ранняя организация и развитие «придворного балета» финансировались, находились под влиянием и производились аристократами того времени, удовлетворяя их потребности как в личных развлечениях, так и в политической пропаганде.

В конце 17 века Людовик XIV основал Королевскую академию музыки ( Парижская опера ), в рамках которого возникли первые профессиональные театральные балетная труппа, то Балет Парижской Оперы. Преобладание французского языка в словарь балета отражает эту историю. Театральный балет вскоре стал самостоятельной формой искусства, хотя все еще часто поддерживал тесную связь с оперой, и распространился из сердца Европы в другие страны. В Королевский датский балет и Императорский балет из Российская империя были основаны в 1740-х годах и начали процветать, особенно примерно после 1850 года. В 1907 году русский балет, в свою очередь, вернулся во Францию, где Русские балеты из Сергей Дягилев и его преемники были особенно влиятельными. Вскоре балет распространился по миру с образованием новых трупп, в том числе лондонской. Королевский балет (1931 г.) Балет Сан-Франциско (1933), Американский театр балета (1937), Королевский Виннипегский балет (1939), Австралийский балет (1940), Балет Нью-Йорка (1948), Национальный балет Канады (1951), а Национальная балетная академия и трест Индии (2002).[1]

В ХХ веке стили балета продолжали развиваться и оказывали сильное влияние на более широкие круги. концертный танец, например, в США хореограф Джордж Баланчин разработал то, что сейчас известно как неоклассический балет, последующие разработки включали современный балет и постструктурный балет, например замеченный в творчестве Уильям Форсайт в Германии.

В этимология слова «балет» отражает его историю. Слово балет происходит из французского и был заимствован из английского примерно в 17 веке. Французское слово, в свою очередь, происходит от итальянского. балет, а миниатюрный из надувать (танец). Балет в конечном итоге восходит к Итальянский Ballare, смысл "танцевать".[2]

Происхождение

Возрождение - Италия и Франция

Основная статья: Танец Возрождения
Гравюра второй сцены спектакля Балет Comique de la Reine, поставленный в Париже в 1581 году для французского двора.

Балет зародился в эпоха Возрождения корт как результат судебного зрелища в Италия,[3] где аристократические свадьбы были пышными торжествами. Пачки балетные туфли и пуанты еще не использовались. Хореография была адаптирована из шагов придворного танца.[4] Артисты одеты по моде своего времени. Для женщин это означало официальные платья, закрывающие ноги до щиколотки.[5] Ранний балет был коллективным, публика присоединялась к танцу ближе к концу.

Доменико да Пьяченца (ок. 1400 – ок. 1470) был одним из первых мастеров танцев. Вместе со своими учениками, Антонио Корнаццано и Гульельмо Эбрео да Пезаро, он обучался танцам и отвечал за обучение знати этому искусству. Да Пьяченца оставил одну работу: De arte saltandi et choreus ducendi (Об искусстве танцев и дирижирования танцами), составленную его учениками.[6]

В 1489 г. Галеаццо, герцог Миланский, состоите в браке Изабелла Арагонская в Тортона. Итальянский танцевальный мастер Бергонцио ди Ботта устроил праздничное танцевальное шоу. Танцы были связаны тонким повествованием о Джейсон и Аргонавты, и каждый соответствовал разному блюду на обед. Тристано Калько из Милана написал об этом событии, которое было сочтено настолько впечатляющим, что многие подобные представления были организованы в других местах.[7][8]

Балет получил дальнейшее развитие благодаря французской балет, который состоял из общественных танцев, исполняемых знати в тандеме с музыкой, речью, стихами, песней, театрализованным представлением, декором и костюмом.[9] Когда Екатерина Медичи, итальянский аристократ, интересующийся искусством, женился на французском наследнике Генрих II, она привезла во Францию ​​свое увлечение танцами и оказала финансовую поддержку. Сверкающие развлечения Екатерины поддерживали цели придворной политики и обычно были организованы вокруг мифологических тем.[10] Первый балет был Ballet de Polonais. Этот балет был показан в 1573 году по случаю визита польского посла. Хореография была поставлена ​​Бальтазаром де Божуайёльксом и представляла собой часовой танец для шестнадцати женщин, каждая из которых представляла французскую провинцию. Балет Comique de la Reine (1581), постановкой и постановкой которого также был Balthasar de Beaujoyeulx по заказу Луиза Лотарингская, королева-супруга Король Генрих III, сын Екатерины, чтобы отпраздновать свадьбу фаворита Генриха Герцог де Жуайез Маргарите де Лотарингии, сестре королевы Луизы. Балет длился более пяти часов, в нем танцевали двадцать четыре танцора: двенадцать наяды и двенадцать страниц.[11][12]

В том же году издание Фабритио Карозо с Il Ballarino, техническое руководство по спортивным танцам, как исполнительским, так и социальным, помогло установить Италия как центр технического развития балета.[13]

17 век - Франция и придворный танец

Основная статья: Французский балет
Людовик XIV в Люлли с Балет Роял де ла Нюи (1653).

Балет развивался как искусство, ориентированное на исполнение, во Франции в период правления Людовик XIV, увлеченный танцами.[14] Его интерес к балету был политическим. Он установил строгий общественный этикет с помощью танцев и превратил их в один из важнейших элементов придворной общественной жизни, эффективно удерживая власть над дворянами и правя государством.[15] Посвященные Луи привели к переработке и совершенствованию социальных танцев среди аристократов как способа демонстрации королевской власти, дальнейшего объединения искусства классического балета с новыми правилами и протоколами.[16]

В 1661 году Людовик XIV, решивший продвигать свои амбиции в управлении дворянством [17] и повернуть вспять снижение танцевальных стандартов, начавшееся в 17 веке, установило Académie Royale de Danse.[14] До этого аристократы считали танцы, верховую езду и военное обучение тремя основными дисциплинами, демонстрирующими свое благородство. Тем не менее, основание Академии Луи отвлекло их внимание от военного искусства к социальным функциям суда, от войны к балету, еще больше ужесточив правила, касающиеся их.[18]

Чтобы расширить влияние французской культуры на всю Европу, Луи приказал Пьер Бошан, личный учитель танцев и любимый партнер короля в балет в 1650-х,[19] создать «способ сделать танец понятным на бумаге».[20] Бошан был также назначен Intendant des ballets du roi и в 1680 году стал директором танцевальной академии и занимал эту должность до 1687 года.[19] Этот заказ привел к интенсивным исследованиям в этой области многими балетмейстерами, однако признание получила только система танцевальной нотации Бошана.[21] В своей системе он систематизировал пять основных положений ноги в балете.[19] Рауль Огер Фейе, парижский балетмейстер, позже принял его систему и опубликовал свои работы в 1700 году. Его система обозначений стала очень популярной в Европе.[22]

Фёйе сконцентрировал свои усилия на наиболее влиятельном придворном танце, названном «La belle danse», или также известном как «французский благородный стиль». Этот вид танца был популярен на балах или кортах с более сложными навыками. "Entrée grave", как одна из La Belle Danseнаивысшая форма, как правило, исполнялась одним или двумя мужчинами с изящными и достойными движениями, за которыми следовала медленная и элегантная музыка. В настоящее время выступают только мужчины. La Belle Danse и вход в могилу. Женщины выступали на балетах королевы и других светских мероприятиях, но не на вход в могилу, королевские балеты, при дворах или на сценах Парижа, только в 1680-х годах. В то время мужчины считались чемпионами и мастерами искусства, демонстрируя свой мужской, достойный и благородный танец, танец короля. Это также послужило образцом для классического балета.[23]

Придворный балет издавна сочетал танец и этикет со времен Возрождения, но когда дело дошло до La Belle Danse, этикет в балете поднялся на совершенно новую высоту. Каждое правило этикета при дворе Людовика было подробно изложено в La Belle Danse и по их танцам, конечно, можно было увидеть благородный статус других.[24] Пять положений тел, систематизированные Бошаном, за которым следует Фёйе, описали тело как миниатюрный двор с головой в качестве центральной точки, координирующей свои конечности, как король, управляющий своим государством. Танцовщица, исполняющая настоящего дворянина, исполняла бы пять различных позиций, чем танцор, исполняющий персонажей крестьянина или более низкого ранга.[25] Доказательство благородства проявлялось также в использовании масок, макияжа, костюмов, особенно обуви. La Belle Danse.[26]

Жан-Батист Люлли, итальянский скрипач, танцор, хореограф и композитор, который присоединился ко двору Людовика XIV в 1652 году,[27] сыграл значительную роль в установлении общего направления, которому балет будет следовать в следующем столетии. Поддерживаемый королем Людовиком XIV и восхищающийся им, Люлли часто ставил короля в свои балеты. Название Король Солнца для французского монарха, возникла в роли Людовика XIV в романе Люлли. Ballet de la Nuit (1653). Четырнадцатилетний Людовик XIV танцевал пять партий в этом 12-часовом балете.[28] Этот балет был роскошным и включал сцену, в которой сгорела часть дома, в которой были ведьмы, оборотни, цыгане, пастухи, воры и богини Венеру и Диану.[29] Тем не менее, главной темой балета были не тьма и ночные ужасы, а Луи, который появился в конце как Солнце, положив конец ночи.[30] Основным вкладом Люлли в балет были его нюансированные композиции. Его понимание движений и танцев позволило ему сочинять музыку специально для балета, с музыкальными фразами, которые дополняли физические движения.[29] Люлли также сотрудничал с французским драматургом. Мольер. Вместе они взяли стиль итальянского театра, комедия дель арте, и адаптировали его в своей работе для французской аудитории, создав комеди-балет. Среди их величайших постановок с участием Бошана в качестве хореографа,[19] был Le Bourgeois Gentilhomme (1670).[31]

В 1669 году Людовик XIV основал Académie d'Opéra с Пьер Перрен как директор.[32] Людовик XIV ушел в отставку в 1670 году, в основном из-за чрезмерного увеличения веса. Ранее, в 1661 году он основал школу Adacemie Royale de danse. Бошан был первым балетмейстером Оперы и создал танцы для первой постановки новой труппы. Помоне с музыкой Роберт Камберт.[19] Позже, после того, как Перрен обанкротился, король восстановил оперу как Королевскую академию музыки и назначил Люлли директором.[32] Бошан был одним из главных хореографов.[19] В этой позиции Люлли со своим либреттистом Филипп Кино, создал новый жанр, трагедия в музыке, в каждом действии дивертисмент это была миниатюрная балетная сцена.[27] Почти во всех своих важных творениях Жан-Батист Люлли объединил музыку и драму с элементами итальянского и французского танца. Его работы создали наследие, которое определит будущее балета.

Популярность по всей Европе

Королевский балет вдовствующей женщины Бильбао Большой бал, 1626 г.

Французский двор был в некотором смысле ведущим источником модной культуры для многих других королевских дворов Европы. Имитировались стили развлечения, в том числе королевские балеты. Суды Испании, Португалии, Польши, Германии и других стран стали зрителями и участниками балетов. Помимо Франции, Италия оказала большое влияние на этот вид искусства, преимущественно Венеция.

Профессиональные балетные труппы начали организовываться и гастролировать по Европе, выступая для аристократической публики. В Польше король Владислав IV Ваза (1633–1648) ставил итальянские оперные постановки, в некоторых сценах которых участвовали артисты балета. Среди известных европейских балетмейстеров, работавших на польский двор, Жан Фавье, Антуан Питро, Антонио Сакко и Франческо Казелли.[33]

18-ый век

Франция и развитие как вид искусства

XVIII век был периодом развития технических стандартов балета и периодом, когда балет стал серьезным видом драматического искусства наравне с оперой. Центральным в этом достижении была плодотворная работа Жан-Жорж Новерр, Lettres sur la danse et les ballets (1760 г.), который сосредоточился на разработке балет, в котором движения танцоров призваны выразить характер и помочь в повествовании. Новерр считал, что балет должен быть техническим, но в то же время эмоционально волновать публику, сюжеты должны быть объединены, декорации и музыка должны поддерживать сюжет и быть объединенными в рассказе, а пантомима должна быть простой и понятной.[34]

Реформы в балетной композиции внесли такие композиторы, как Кристоф Уиллибальд Глюк. Наконец, балет разделился на три формальных приема. Sérieux, полукарактер и комический. Балет также стал появляться в операх в виде интермедий, называемых дивертисментами.

За пределами Франции

Венеция продолжала оставаться центром танцев в Европе, особенно во время Венецианский карнавал, когда танцоры и гости со всего континента отправлялись в город для оживленного культурного обмена. Городской Театр Сан Бенедетто стал известной достопримечательностью во многом благодаря проводимым здесь балетам. Техника итальянского балета оставалась доминирующим влиянием в большей части южной и восточной Европы, пока русская техника не вытеснила ее в начале 20 века.

Балетные спектакли распространились в Восточной Европе в 18 веке, в таких регионах, как Венгрия, где они проводились в частных театрах в аристократических замках. Были созданы профессиональные труппы, которые выступали по всей Венгрии, а также гастролировали за рубежом. Национальный театр Будапешта все чаще становится домом для танцоров.[35]

Некоторые из ведущих танцоров того времени, выступавших по всей Европе, были Луи Дюпре, Шарль Ле Пик с Анна Бинетти, Гаэтано Вестрис, и Жан-Жорж Новерр.[33]

19 век

Польские артисты балета 1827 г. Венецианский карнавал. Танцовщица слева исполняет "en travestie" в роли женщины, исполняющей роль мужчины.

В балерина стал самым популярным танцором в Европе в первой половине 19 века, постепенно отвлекая внимание от танцоров-мужчин. Во многих постановках героев балета играла женщина, как и главный мальчик в пантомима.[36]

Профессионализм балетных трупп стал центром внимания нового поколения балетмейстеров и танцоров. Вена была важным источником влиятельных балетных тренеров. Первым балетмейстером Венгерского национального театра и Королевской оперы был Вена -родившийся Фриджес Кампилли, которые работали в Будапешт в течение 40 лет.[37]

XIX век был периодом больших социальных изменений, которые отразились в балете, отказавшись от аристократических чувств, которые доминировали в предыдущие периоды. романтический балет. Балерины, такие как Женевьева Госслен, Мари Тальони и Фанни Элсслер экспериментировал с новыми методами, такими как пуанты это сделало балерину идеальной сценической фигурой. Тальони была известна как «христианская танцовщица», поскольку ее образ был легким и чистым (связанный с ее ролью сильфиды в «Сильфиде»). Ее обучал в основном ее отец, Филипо Тальони. В 1834 году Фанни Элсслер приехала в Парижскую оперу и получила прозвище «Языческая танцовщица» из-за огненных качеств ее девушки. Качуча танец, который сделал ее знаменитой. Профессиональные либреттисты начали сочинять рассказы в балетах. Учителя любят Карло Бласис кодифицированная балетная техника в основной форме, которая используется до сих пор. Балетки с квадратным носком были изобретены, чтобы поддерживать работу на пуантах.

Романтическое движение

Основная статья: Романтический балет
Мари Тальони как Флора в Шарль Дидло балет Флора и Зефир (ок. 1831 г.). Она была пионером пуанты.

В Романтическое движение в искусстве, литературе и театре была реакцией на формальные ограничения и механику индустриализации [22]. В дух времени привел хореографов к созданию романтических балетов, которые казались легкими, воздушными и свободными, которые контрастировали бы с распространением редукционистской науки во многих аспектах повседневной жизни, которая, по словам По, «изгнала гамадриду из леса». В этих «нереальных» балетах женщины изображались как хрупкие неземные существа, неземные существа, которых можно было легко поднять и которые, казалось, почти парили в воздухе. Балерины стали носить костюмы с пастельными струящимися юбками, обнажающими голени. Истории вращались вокруг сверхъестественных фольклорных духов. Пример одного из таких романтических балетов: Ла Сильфида, один из старейших романтических балетов, исполняемых до сих пор.

Одним из направлений романтического движения было новое исследование фольклора и традиционной этнической культуры. Это влияние проявилось в появлении европейского народного танца и западных изображений африканских, азиатских и ближневосточных народов на европейских сценах. В балетах этого периода неевропейские персонажи часто создавались как злодеи или как глупые отвлекающие маневры, чтобы соответствовать востоковед западное понимание мира.[38] В Национальная опера Украины Театр исполнительского искусства с постоянной оперной труппой был основан в г. Киев в 1867 году. В его состав также входила небольшая постоянная труппа артистов балета, которые во время оперных постановок исполняли в основном народные танцы. К 1893 году труппа выросла до достаточно большой, чтобы ставить большие балеты. Народные танцы и балеты с украинскими историями были одними из первых постановок.[39]

Многие ведущие европейские профессиональные балетные труппы, сохранившиеся до наших дней, были основаны в новых театрах европейских столиц в середине - конце 19 века, в том числе Киевский балет, то Венгерский национальный балет, то Национальный театр балета (Прага) и Венский государственный балет (ранее Венская государственная опера Балет). Эти театры обычно объединяли под одной крышей крупные оперные, драматические и балетные труппы. Затем композиторы, драматурги и хореографы смогли создавать произведения, в которых использовалась возможность сотрудничества между этими театральными труппами.

Россия

Основная статья: Русский балет
Михаил Мордкин как принц Зигфрид и Аделаида Джури в роли Одетты со студентами в роли маленьких лебедей в постановке Московского Императорского Большого Театра «Петипа / Иванов / Чайковский» Лебединое озеро. 1901

В то время как Франция сыграла важную роль в раннем балете, другие страны и культуры вскоре приняли эту форму искусства, в первую очередь Россия. В России есть признанные традиции балета, и русский балет на протяжении всей истории имел большое значение в этой стране. После 1850 г. балет в Париже пошел на убыль, но в Дания и Россия благодаря таким мастерам как Август Бурнонвиль, Жюль Перро, Артур Сен-Леон, Энрико Чекетти и Мариус Петипа. В конце девятнадцатого века ориентализм был в моде. Колониализм привел к осознанию азиатской и африканской культур, но искажен дезинформацией и фантазиями. Восток часто воспринимался как далекое место, где все было возможно, при условии, что это было роскошным, экзотическим и декадентским. Петипа понравился народным вкусам Дочь фараона (1862), а позже Талисман (1889), и Баядерка (1877 г.). Петипа больше всего помнят за сотрудничество с Чайковский. Он использовал свою музыку для хореографии Щелкунчик (1892, хотя это вызывает некоторые споры среди историков), Спящая красавица (1890 г.), и окончательное возрождение Лебединое озеро (1895 г., с Лев Иванов ). Все эти произведения были взяты из европейского фольклора.

Классика танцовщиц пачка как признается сегодня, начали появляться именно в это время. Он состоял из короткой жесткой юбки, поддерживаемой слоями кринолина или тюля, которые подчеркивали акробатические движения ног, в сочетании с широкой ластовицей, которая служила для сохранения скромности.

Аргентина

В середине 19 века балетные труппы из Европы начали прибыльные гастроли по театрам Северной, Центральной и Южной Америки. Престижный Колон театр в Буэнос-Айресе, Аргентина, принимала на своей сцене иностранных артистов балета, а гастрольные компании из Европы уже в 1867 году представляли полные балеты.[40] К 1880-м годам у театра «Колон» была своя профессиональная балетная труппа. Однако пройдет еще несколько десятилетий, прежде чем большинство стран за пределами Европы смогут заявить о своих собственных профессиональных балетных труппах.

20 век и модернизм

Россия и русский балет

Анна Павлова как вакханка в Вакханалия к Михаил Мордкин.

Сергей Дягилев вернул полный круг балета в Париж, когда открыл свою труппу, Русские балеты. Он состоял из танцоров из русской эмиграционной общины в Париже после революции.

Дягилев и композитор Игорь Стравинский объединили свои таланты, чтобы оживить русский фольклор в Жар-птица и Петрушка хореография Фокина. Следующие хореографические заказы Дягилева достались Нижинскому. Его первый балет был L'apres-midi d'un Faune (Полдень фавна) на музыку Дебюсси. Он отличался двумерными формами и отсутствием балетной техники. Это вызвало споры, изображая фавна, теряющего себя шарфом одной из девушек в симулированной мастурбации. Однако самой противоречивой работой Ballets Russes была Обряд весны, хореография Нижинского на музыку Стравинского. Современная музыка балета, топанье «голубиных носков» и тема человеческих жертвоприношений настолько потрясли публику, что они взбунтовались.

После «золотого века» Петипа, Мишель Фокин Свою карьеру начал в Санкт-Петербурге, но переехал в Париж, где работал с Дягилевым и Русскими балетами.

Вацлав Нижинский в Призрак розы, 1911.

Русский балет продолжал развиваться и при советской власти. После революции в стране осталось мало талантов, но их хватило, чтобы посеять новое поколение. После застоя 1920-х годов, к середине 1930-х годов на сцене появилось новое поколение танцоров и хореографов. Техническому совершенству и точности танца способствовали (и требовали) Агриппина Ваганова, которого учили Петипа и Чекетти и который возглавлял Академия балета имени А.Я.Вагановой Школа подготовки артистов балета им. Кирова в Санкт-Петербурге / Ленинграде.

Балет пользовался популярностью у публики. Действовали и московский Большой, и петербургский (тогда Ленинградский) балетные труппы Кирова. Идеологическое давление вынудило создание многих социалистический реалист пьесы, большинство из которых мало впечатлили публику и впоследствии были исключены из репертуара обеих трупп.

Однако некоторые произведения той эпохи были замечательными. В Ромео и Джульетта к Прокофьев и Лавровский это шедевр. В Пламя Парижа, в то время как он показывает все недостатки искусства социалистического реализма, является пионером в активном использовании кордебалета в спектакле и требует потрясающей виртуозности. В балетная версия из Пушкин стих, Бахчисарайский фонтан с музыкой из Борис Асафьев и хореография Ростислав Захаров тоже был хитом.

Знаменитый балет Золушка, музыку для которого Прокофьев написал, тоже произведение советского балета. В советское время эти произведения в основном были неизвестны за пределами Советский союз а позже за пределами Восточный блок. Однако после распада Советского Союза они получили большее признание.

Североамериканская премьера 1999 г. Бахчисарайский фонтан Кировского балета в Нью-Йорке, например, имела выдающийся успех. В советское время Русский балет уделял большое внимание технике, виртуозности и силе. Для этого требовалась сила, обычно превышающая нормы современных западных танцоров. Просматривая отреставрированные старые кадры, можно только поразиться таланту их прима-балерин, таких как Галина Уланова, Наталья Дудинская и Майя Плисецкая и хореографы, такие как Петр Гусев.

Российские труппы, особенно после Второй мировой войны, неоднократно гастролировали по всему миру, что возродило балет на Западе.

Девичья Башня[41] написано Афрасияб Бадалбейли это первый балет в Мусульманин Восток.[42][43][41]

Соединенные Штаты Америки

После переезда Ballets Russes во Францию ​​балет стал иметь более широкое влияние, особенно в Соединенных Штатах Америки.

Из Парижа после разногласий с Дягилевым Фокин уехал в Швецию, а затем в США и поселился в Нью-Йорке. Дягилев считал, что традиционный балет предлагает немного больше, чем красивость и атлетизм. Для Фокина этого было мало. Помимо технической виртуозности он требовал драматизма, экспрессии и исторической достоверности.Хореограф должен исследовать период и культурный контекст обстановки и отказаться от традиционной пачки в пользу костюмов того времени.

Фокин поставил Шехеразада и Клеопатра. Он также переработал Петрушка и Жар-птица. Одна из его самых известных работ была Умирающий лебедь в исполнении Анна Павлова. Помимо таланта балерины, Павлова обладала театральными талантами, чтобы воплотить в жизнь видение Фокина балета как драмы. Легенда гласит, что Павлова так отождествляла себя с ролью лебедя, что попросила свой костюм лебедя со своего смертного одра.

Умирающий лебедь хореография Фокин в исполнении трех солистов (показаны по порядку): 1. Анна Павлова (7 секунд) 2. Иветт Шовир (10 секунд) 3. Наталья Макарова (14 секунд).

Джордж Баланчин разработал самую современную технику в Америке, открыв школу в Нью-Йорке. Он адаптировал балет к новым медиа, кино и телевидению.[44] Плодотворный работник, Баланчин рехореографировал такие классические произведения, как Лебединое озеро и Спящая красавица а также создание новых балетов. Он произвел оригинальные интерпретации драмы Уильям Шекспир Такие как Ромео и Джульетта и Сон в летнюю ночь, а также Франца Лехара Веселая вдова.

В 1967 году Баланчин Драгоценности порвал с повествовательной традицией и драматизировал тему, а не сюжет. Этот фокус соответствует финансируемым государством источникам финансирования в Соединенных Штатах, которые стремились поощрять «свободу и свободомыслие» в отличие от танцев, основанных на повествовании, которые рассматривались как слишком тесно связанные с социализмом, особенно Советский коммунизм.[45] Сегодня, отчасти благодаря Баланчину, балет - один из наиболее хорошо сохранившихся танцев в мире.[нужна цитата ]

Барбара Каринска была русской эмигранткой и опытной швеей, которая в сотрудничестве с Баланчиным подняла искусство дизайна костюмов из второстепенной роли в неотъемлемую часть балетного представления. Она представила косой разрез и упрощенная классическая пачка, которая давала танцору больше свободы движений. С особенным вниманием к деталям она украсила свои пачки вышивкой бисером, вышивкой, вязанием крючком и аппликацией.

Неоклассический балет

Основная статья: Неоклассический балет
Русские балеты с Аполлон (1928) хореография Джордж Баланчин. Танцоры Александрова Данилова и Серж Лифарь.

Джордж Баланчин часто считается, что он был первым пионером того, что сейчас известно как неоклассический балет, стиль танца между классическим балетом и современным современным балетом. Тим Шолль, автор От Петипа до Баланчина, считает Баланчин Аполлон (1928) - первый неоклассический балет. Это было возвращение к форме в ответ на Серж Дягилев Абстрактные балеты. Аполлон и другие произведения по-прежнему исполняются сегодня, в основном Балет Нью-Йорка. Однако другие компании могут вносить плату за права на исполнение произведений Джорджа Баланчина.

Фредерик Эштон - еще один выдающийся хореограф, связанный с неоклассическим стилем. Три его произведения стали стандартными в международном репертуаре: Сильвия (1952), Ромео и Джульетта (1956), и Ундина (1958), последний из которых был создан как средство демонстрации Марго Фонтейн.

Современный

Основная статья: Современный балет
В 2010 году выступление Ирен Тассембедо с современный балет кусок Аллах Гарибу.

Один танцор, который тренировался у Баланчина и впитал большую часть этого неоклассического стиля, был Михаил Барышников. После назначения Барышникова художественным руководителем Американский театр балета в 1980 году он работал с различными современными хореографами, в первую очередь с Твайла Тарп. Хореография Тарпа Дело доходит до драки для АБТ и Барышникова в 1976 г .; в 1986 году она создала В верхней комнате для ее собственной компании. Обе эти пьесы были признаны новаторскими, поскольку в них использовались отчетливо современные движения, смешанные с использованием пуантов и танцоров, получивших классическое образование - для использования ими современного балета.

Тарп также работал с Джоффри Балет компания, основанная в 1957 г. Роберт Джоффри. Она поставила хореографию Двойка купе для них в 1973 году, используя поп-музыку и смесь современной и балетной техники. Балет Джоффри продолжал исполнять множество современных произведений, многие из которых были поставлены соучредителем. Джеральд Арпино.

Сегодня существует множество современных балетных трупп и хореографов. К ним относятся Мадридский балет; Королевский балет Фландрии; Алонзо Кинг и его компания, Балет Алонзо Кинг ЛАЙНЗ; Начо Дуато и Compañia Nacional de Danza; Уильям Форсайт, который много работал с Франкфуртский балет и сегодня работает Компания Форсайт; и Иржи Килиан, в прошлом художественный руководитель Nederlands Dans Theater. Традиционно «классические» компании, такие как Кировский балет и Балет Парижской Оперы, а также регулярно исполняют современные произведения.

Развитие балетной методики

Основная статья: Обучение балету

Несколько известных методов балета названы в честь их создателей. Например, две преобладающие системы из России известны как Метод Вагановой после Агриппина Ваганова, и метод Легата после Николай Легат. В Метод Чекетти был изобретен итальянским танцором Энрико Чекетти (1850–1928) и метод Бурнонвиля, изобретенный Август Бурнонвиль (1805–1879), работает в основном в Дании, в стране Бурнонвиля.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Национальная балетная академия и фонд Индии в Нью-Дели, Индия. Проверено 29 марта 2010 года.
  2. ^ Чантрелл (2002), стр. 42.
  3. ^ Кирштейн (1952), стр. 4.
  4. ^ Тойно Арбо, _Orchesography_, пер. Мэри Стивар Эванс, с примечаниями Джулии Саттон (Нью-Йорк: Довер, 1967)
  5. ^ "БАЛЕТ 101: Полное руководство по изучению и любви к балету Роберта Гресковича".
  6. ^ Ли (2002), стр. 29.
  7. ^ «Екатерина Медичи (1519-1589)», статья от сентября 1990 года, опубликованная на странице "Андрос в балете" на сайте Майкла Минна.
  8. ^ Вилье, Гастон (1898). История танцев с древнейших времен до наших дней С. 65–69. Нью-Йорк: Д. Андерсон и компания. [Перепечатка факсимильного сообщения (2004 г.): Whitefish, Montana: Kessinger Publishing. ISBN  978-0-7661-8166-3.]
  9. ^ Блэнд (1976), стр. 43.
  10. ^ Фрэнсис А. Йейтс, Французские академии шестнадцатого века, 2-е изд. (Лондон: Рутледж, 1988).
  11. ^ Андерсон (1992), стр. 32.
  12. ^ Купер, Элизабет (2004). "Le Balet Comique de la Reine, 1581: Анализ". Сайт Вашингтонского университета.
  13. ^ Ли (2002), стр. 54.
  14. ^ а б Блэнд (1976), стр. 49.
  15. ^ «Социальное и политическое значение танца». www.blakeneymanor.com. Получено 4 июня, 2020.
  16. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. п. 52. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  17. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 52, 56–58. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  18. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 57–59. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  19. ^ а б c d е ж Костонис, Морин Нидхэм (1992). "Бошам [Бошам] Пьер" в Сэди (1992) 1: 364.
  20. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. п. 64. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  21. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. п. 65. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  22. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 65–66. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  23. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 66–67. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  24. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 67–68. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  25. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 71–72. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  26. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. С. 79–85. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  27. ^ а б Росоу, Лоис (1992). "Люлли" в Сэди (1992) 3: 82–89.
  28. ^ Ли (2002), стр. 72–73.
  29. ^ а б Ли (2002)., Стр. 73.
  30. ^ Хоманс, Дженнифер. (2010). Ангелы Аполлона: история балета (1-е изд.). Нью-Йорк: Random House. п. 53. ISBN  978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940.
  31. ^ Ли (2002), стр. 74. Андерсон (1992), стр. 42.
  32. ^ а б Питт, Чарльз (1992). «Париж» в Сэди (1992) 3: 856.
  33. ^ а б "История польского национального балета". Польский национальный театр. Получено 15 марта, 2012.
  34. ^ Кассинг, Гейл. История танца: подход интерактивного искусства. Шампейн, Иллинойс: Human Kinetics, 2007. Печать.
  35. ^ «Венгерский национальный балет». Венгерский Государственный Оперный Театр. Получено 14 марта, 2012.[постоянная мертвая ссылка ]
  36. ^ "MAD. DESARGUS-LEMAIRE ET MDELLE. AMÉLIE GALSTER / dans / le pas de deux polonais". Музей Виктории и Альберта. Получено 15 марта, 2012.
  37. ^ Буранбаева, Оксана; Ваня Младинео (2011). Культура и обычаи Венгрии. ABC-CLIO. п. 172. ISBN  978-0-313-38370-0.
  38. ^ Маколей, Аластер (5 сентября 2012 г.). «Стереотипы в носках». Нью-Йорк Таймс. Нью-Йорк, США. Получено 5 сентября, 2012.
  39. ^ Блайберг, Лаура (9 декабря 2005 г.). «Киевский балет придерживается классики». Регистр округа Ориндж. Получено 10 марта, 2012.
  40. ^ Фостер, Дэвид Уильям; Мелисса Фитч Локхарт; Даррелл Б. Локхарт (1998). Культура и обычаи Аргентины. Издательская группа «Гринвуд». стр.133. ISBN  978-0-313-30319-7.
  41. ^ а б Музыкальная энциклопедия. Гл. ред. Ю. В. Келдыш. Т 1. А - Гонг. 1072 стб. с илл. М .: Советская энциклопедия, 1973.
  42. ^ Чингиз Абдуллаев: «Вместо того, чтобы отталкивать нас, россиянам надо менять свои взгляды и отношение к народам бывших союзных республик» В архиве 31 мая 2014 г. Wayback Machine

    … Первый балет на мусульманском востоке появился у нас.

  43. ^ Большая Советская Энциклопедия. Гл. ред. А. М. Прохоров, 3-е изд. Т. 1. А - Ангоб. 1969. 608 стр., Илл .; 47 л. илл. и карт, 1 отд. л. табл.
  44. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал 13 ноября 2007 г.. Получено 9 февраля, 2008.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь) Джордж Баланчин
  45. ^ Кили, Брендан (7 февраля 2012 г.). «Старое - это новое новое: холодная война и Дон Кихот в балете Pacific Northwest Ballet». Незнакомец. Сиэтл, США. Получено 10 февраля, 2012.

дальнейшее чтение

  • Андерсон, Джек (1992). Балет и современный танец: краткая история (2-е изд.). Princeton, NJ: Princeton Book Company, Publishers. ISBN  0-87127-172-9.
  • Андре, Пол; Аркадьев, В. (1999) Великая история русского балета: искусство и хореография (1999).
  • Блэнд, Александр (1976). История балета и танцев в западном мире. Нью-Йорк: Praeger Publishers. ISBN  0-275-53740-4.
  • Кэдди, Давиния. (2012). Русские балеты и за его пределами: музыка и танец в парижской Belle-Epoque. Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
  • Коэн, Сельма Жанна, редактор-основатель (1998). Международная энциклопедия танца. Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета.
  • Кросс, Сэмюэл Х. (1944) "Русский балет до Дягилева". Славянское и восточноевропейское обозрение. Американская серия 3.4 (1944): 19–49. в JSTOR
  • Эзрахи, Кристина. (2012) Кремлевские лебеди: балет и власть в Советской России (Университет Питтсбурга); исследует устойчивость художественного творчества в истории балетов Большого и Маринского / Кирова.
  • Франко, Марк (1993). Танец как текст: идеологии тела барокко. Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
  • Хоманс, Дженнифер, (2010). Ангелы Аполлона: История балета. Нью-Йорк: Random House.
  • Джонсон, Альфред Эдвин. (1913) Русский балет (Хоутон Миффлин) онлайн
  • Кассинг, Гейл. (2007). История танца: подход интерактивного искусства. Шампейн, Иллинойс: Кинетика человека.
  • Ли, Кэрол (2002). Балет в западной культуре: история происхождения и эволюции. Нью-Йорк: Рутледж. ISBN  0-415-94256-X.
  • Лифарь, Серж. (1954). История русского балета от истоков до наших дней. (Хатчинсон)
  • Макгоуэн, Маргарет М. (1978). L'art du Ballet de Cour en France, 1581–1643 гг.. Париж: Национальный центр научных исследований.
  • Проперт, Уолтер Арчибальд. (1972) Русский балет в Западной Европе, 1909-1920 гг. Б. Блом
  • Рославлева Наталья. (1966). Эра русского балета, Нью-Йорк: E.P. Dutton & Co., Inc.
  • Сэди, Стэнли, изд. (1992). Оперный словарь New Grove (4 тома). Лондон: Макмиллан. ISBN  978-1-56159-228-9.
  • Суритес, Э. И͡А и Э. И︠А︡ Суритос︡. (1990) Советские хореографы в 1920-е гг. (Duke Univ Press, 1990).
  • Вили, Роланд Джон. (1990) Век русского балета: документы и счета, 1810-1910 гг. (Издательство Оксфордского университета)