Дизайн костюма - Costume design - Wikipedia

Смотрите также: Сценическая одежда
Эскиз костюма для Джанетта - Гондольеры
Часть серии по
Костюм
P culture.svg

Дизайн костюма это создание одежда для общего внешнего вида персонажа или исполнителя. Костюм может относиться к стилю одежды, характерному для нации, класса или периода. Во многих случаях это может способствовать полноте художественного, визуального мира, который является уникальным для конкретной театральной или кинематографической постановки. Самые простые дизайны создаются для обозначения статуса, защиты или скромности или для визуального интереса к персонажу.[1] Костюмы может быть для театр, кинотеатр, или музыкальное исполнение, но не ограничивается ими. Дизайн костюма не следует путать с согласование костюмов который просто включает в себя изменение существующей одежды, хотя оба создают сценическая одежда.

В театральном оформлении используются четыре вида костюмов: исторический, фантастический, танцевальный и современный.[2]

История

Деревенские праздники и шествия в честь Диониса (см. Также: Дионисия ) у древних греков считается источником театра и, следовательно, театрального костюма. Скульптура и роспись ваз являются ярким свидетельством этого костюма.[1] Из-за их ритуального стиля театра использовалось много масок, придававших каждому персонажу особый вид, и они менялись в зависимости от того, использовались ли они в комедийных или драматических целях. Некоторые маски были созданы как с веселой, так и с серьезной стороной на одном лице в попытке указать на изменение эмоций без смены маски.[3] То же самое верно и для римлян, которые продолжили традицию масок, которая облегчила дублирование ролей.

В период позднего средневековья в Европе преобладали драматические разыгрывания библейских историй, поэтому настоящие христианские облачения, стилизованные под традиционную византийскую придворную одежду, носили как костюмы, чтобы представления были максимально реалистичными.[1] Стереотипность была ключевой при одежде исполнителей для этого стиля театра. В большинстве случаев актерам приходилось предоставлять свои собственные костюмы, играя персонажей, встречающихся в повседневной жизни.[4]

Позже, в елизаветинском представлении 1500-1600-х годов в Англии, костюм стал важнейшим визуальным элементом. Одежда была очень дорогой, потому что использовались только самые лучшие ткани. Большинство персонажей были одеты в елизаветинскую моду, иначе костюмы можно было разделить на пять категорий; «Древний» - вышедшая из моды одежда, символизирующая другой период; «Антиквариат», старые дополнения к современной одежде, чтобы выделить классических персонажей; Сказочные, «причудливые» одежды для сверхъестественных или аллегорических персонажей; «Традиционная» одежда, которая представляла только несколько конкретных людей, например, Робин Гуд, или «национальные или расовые» костюмы, которые предназначались для выделения определенной группы людей, но не имели тенденции к исторической достоверности.[5]

«Обычно модная одежда использовалась и в комедиях, и в трагедиях до 1727 года, когда Адриенн Лекуврёр приняла гораздо более сложную и формальную придворную одежду для трагедий. Ее практика вскоре стала стандартом для всех трагических героинь». [6] Крупные актеры начали соревноваться друг с другом в выборе самого роскошного сценического костюма. Эта практика продолжалась примерно до 1750-х годов, когда костюмы снова стали актуальными для персонажа. Искусство начало копировать жизнь, и реалистические характеристики были особенно популярны в 19 веке. Например, Георг Второй, герцог Саксен-Майнингенский, проявил личный интерес к театру и стал руководить труппами. Он выступал за аутентичность и точность сценария и временного периода, поэтому не позволял актерам изменять свои костюмы. Он также позаботился о том, чтобы материалы были подлинными и конкретными, с использованием настоящей кольчуги, доспехов, мечей и т. Д. Никаких дешевых заменителей не допускается.[7]

В августе 1823 г. в номере журнала Альбом, Джеймс Планше опубликовал статью о том, что следует уделять больше внимания периоду пьес Шекспира, особенно когда речь идет о костюмах. В том же году случайный разговор привел к одному из наиболее длительных последствий Планше для британского театра. Он заметил Чарльз Кембл, управляющего Ковент-Гарденом, что, "хотя тысячу фунтов часто расточали на рождественскую пантомиму или пасхальное представление, пьесы Шекспира ставились на сцену с импровизированными декорациями и, в лучшем случае, новым платьем или двумя для главные персонажи ".[8][9] Кембл «увидел возможное преимущество правильной техники, отвечающей вкусу города», и согласился передать Planché контроль над костюмами для предстоящего производства Король Джон, если он будет проводить исследования, разрабатывать костюмы и руководить производством.[10] У Планше был небольшой опыт в этой области, и он обратился за помощью к антикварам, таким как Фрэнсис Дус и Сэр Сэмюэл Мейрик. Проведенное исследование пробудило скрытые антикварные интересы Планше; они стали занимать все больше времени в его дальнейшей жизни.[11]

Несмотря на оговорки актеров, Король Джон был успешным и привел к ряду постановок Шекспира в аналогичных костюмах Кембла и Планше (Генрих IV, часть I, Как вам это нравится, Отелло, Цимбелин, Юлий Цезарь ).[11] Дизайн и визуализация Король Джон, Генрих IV, Как вам это нравится, Отелло, Гамлет и Венецианский купец были опубликованы, хотя нет никаких доказательств того, что Гамлет и Венецианский купец когда-либо производились с исторически точным дизайном костюмов Planché. Планше также написал ряд пьес или адаптаций, которые были поставлены с исторически достоверными костюмами (Cortez, Женщина Never Vext, Купеческая свадьба, Карл XII, Партизаны, Главный разбойник, и Hofer).[12] После 1830 года, хотя он все еще использовал старинный костюм, он больше не претендовал на историческую достоверность своих пьес. Его работа в Король Джон произвела «революцию в сценической практике девятнадцатого века»[12] который длился почти век.[13]

В 1923 году первая из серии инновационных современное платье производство Шекспир пьесы, Цимбелин, режиссер Х. К. Айлифф, открыт в Барри Джексон с Бирмингемский репертуарный театр в Англия.[14]

Исторические костюмы Le Cateau Cambrésis, Франция

Костюмы в китайском театре очень важны, особенно в Пекинской опере. Обычно они сильно узорчатые и яркие по цвету. Стандартные предметы состоят не менее чем из 300 штук и описывают тип персонажа, возраст и социальный статус актеров с помощью орнамента, дизайна, цвета и аксессуаров. «Цвет всегда используется символически: красный - для верности и высокого положения, желтый - для королевской семьи, а темно-малиновый - для варваров или военных советников». [15] Символическое значение также присутствует в дизайне эмблем. Например, тигр олицетворяет силу и мужскую силу. Большая часть одежды, независимо от ранга, сделана из дорогих и роскошных материалов. Макияж также используется символически и очень важен для общего образа.

В японской драматургии Но маски всегда используются в качестве основного элемента костюма. Они сделаны из дерева и обычно используются из поколения в поколение. Есть пять основных типов; мужчины, женщины, старики, божества и монстры, все во многих вариациях.[16] Маски часто меняются на протяжении всего спектакля. В Кабуки, еще одной форме японского театра, актеры не носят масок, а в целом полагаются на макияж. Черты лица преувеличены или удалены, а для некоторых спортивных ролей мускулатура имеет определенный узор. Для каждой роли используются традиционные костюмы, основанные на исторических одеждах, которые изменены для драматического эффекта. «Некоторые костюмы весят до пятидесяти фунтов, и обслуживающий персонал помогает актерам держать их в нужном порядке на сцене». [17]

Процесс проектирования

Женщина создает в мастерской костюма в Прага театр.

Процесс создания костюма включает в себя много шагов, и хотя они различаются от жанра к жанру, обычно используется базовый метод.

1. Анализ: Первый шаг - это анализ сценария, музыкальной композиции, хореографии и т. Д. Устанавливаются параметры костюма для шоу и создается примерный сюжет костюма. Сюжет костюма показывает, какой персонаж в какой сцене, когда меняются актеры и какие костюмы упоминаются в сценарии.

2. Дизайн сотрудничества: Важный этап в процессе, когда все дизайнеры встречаются с режиссером. Должно быть четкое понимание того, куда движется шоу. Дизайнеры находятся на одной странице с режиссером в плане тем для шоу и того, какое сообщение они хотят, чтобы аудитория получила от шоу.

3. Исследование костюма: Как только режиссер и дизайнеры находятся на одной странице, дизайнер костюмов должен провести исследование. Художники по костюмам обычно начинают с исследования мира пьесы, где они находят исследования, чтобы установить мир, в котором происходит игра. Это помогает дизайнерам установить правила мира, а затем, в свою очередь, лучше понять персонажей. Затем дизайнер проведет обширное исследование каждого персонажа, чтобы попытаться определить его личность с помощью костюма.

4. Предварительный набросок и цветовая раскладка: После получения достаточной информации дизайнеры костюмов начинают с создания предварительных эскизов. Начав с очень быстрых набросков, дизайнер может получить базовое представление о том, как будет выглядеть шоу вместе и соблюдаются ли мировые правила. Затем художник по костюмам перейдет к более подробным наброскам и определит конкретные костюмы и цвета для персонажа. Эскизы помогают увидеть шоу в целом, и им не нужно тратить на них слишком много времени.

5. Окончательные эскизы: Как только художник по костюмам и режиссер согласовывают костюмы и идеи полностью выбраны, дизайнер создает окончательные эскизы. Это называется рендерингом и обычно выполняется акварельными или акриловыми красками. Эти последние наброски показывают, как дизайнер хочет, чтобы персонаж выглядел, и цвета костюма.

[18]

Производственный процесс

Пример накидки муслиновой ткани на форму платья

После того, как выставка спроектирована, необходимо спланировать, откуда будут поступать товары. Есть четыре варианта. Предметы одежды могут быть:

  • Вытащил, что относится к поиску в магазине костюмов.
  • Сдан в аренду
  • Ходила по магазинам
  • Построен или также известен как сделанный на заказ.

Есть два способа создания одежды; либо рисунок, либо драпировка, и часто оба метода будут использоваться вместе.Составление выкройки начинается с использования набора базовых блоков паттернов, разработанных на основе измерений актера. Сначала их вытягивают на бумагу, затем переносят на ткань и сшивают, чтобы проверить соответствие.[19]

Драпировка включает в себя манипулирование куском ткани на платье или манекене, размеры которого тесно связаны с актерами. Это процесс, в ходе которого из плоского куска ткани формируется трехмерное тело путем разрезания и закрепления булавками.

Однако однажды построенный костюм еще не закончил «работать». Самый важный аспект костюмов - это то, как они влияют на игру актеров и их действия в рамках своих условий. Лучшие дизайнеры костюмов строят свои оригинальные идеи после оценки визуальных и пространственных условий костюмов.[20]

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ а б c Юбэнк, Тортора, Кейт, Филлис Г. (2005). Обзор исторического костюма. Нью-Йорк: Публикации Fairchild. п. 1.
  2. ^ Гримбол и Уэллс, Элизабет Б. и Рея (1925). Костюм спектакля: Справочник по межтеатральному искусству. The Century Co. стр. 6. КАК В  B0000D5ITV.
  3. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 53. ISBN  0-205-47360-1.
  4. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 96. ISBN  0-205-47360-1.
  5. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 125. ISBN  0-205-47360-1.
  6. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 254. ISBN  0-205-47360-1.
  7. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 358. ISBN  0-205-47360-1.
  8. ^ Некролог, Нью-Йорк Таймс, 15 июня 1880 г., стр. 3
  9. ^ Рейнхардт, Эскизы костюмов Джеймса Робинсона Планше, утверждает, что письмо, опубликованное в Альбом, August 1823, pp. 298–304, подписанная только буквой «P», которая призывала уделять больше внимания костюму пьес Шекспира и предлагала систему гардероба, позволяющую разместить все места и периоды, на самом деле была написана Планше.
  10. ^ Некролог, Нью-Йорк Таймс. В афиша за Король Джон заявляет, что если пьеса встретит «одобрение и покровительство», то больше пьес Шекспира будут исполнены «Одетые в том же великолепном, новом и интересном стиле».
  11. ^ а б Рейнхардт, Эскизы костюмов Джеймса Робинсона Планше, p526–7
  12. ^ а б Рой, Оксфордский национальный биографический словарь
  13. ^ Гранвиль-Баркер, Выход из Планше - входит Гилберт., п. 107
  14. ^ Моррис, Сильвия (13 января 2012). «Инновации в Бирмингеме: Барри Джексон и современная одежда Шекспира». Блог Шекспира. Получено 2012-03-21.
  15. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 201. ISBN  0-205-47360-1.
  16. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 206. ISBN  0-205-47360-1.
  17. ^ Брокетт, Хильди, Оскар Г., Франклин Дж. (2007). История театра. США: Pearson Education Inc., стр. 211. ISBN  0-205-47360-1.
  18. ^ Кови, Ингхэм, Лиз, Розмари (1992). Справочник художника по костюмам. Портсмут, Нью-Хэмпшир: Хайнеманн. С. 15–100.
  19. ^ Кови, Ингхэм, Лиз, Розмари (2003). Справочник мастера по костюмам. Портсмут, Нью-Хэмпшир: Хайнеманн. п. 98.
  20. ^ Лугли, Эмануэле. ""Костюм как внешний вид: исследование модальностей существования кинокостюмов ».

внешняя ссылка