Арт-деко - Art Deco

Арт-деко
Крайслер-билдинг 1 (4684845155) .jpg
Всемирная выставка в Чикаго, век прогресса, плакат выставки, 1933, 2.jpg
Victoire 2 от Рене Лалика Toyota Automobile Museum.jpg
Сверху вниз: Крайслер-билдинг в Нью-Йорке (1930); Плакат для Всемирная выставка в Чикаго Веймера Перселла (1933); и капюшон орнамент Виктуар к Рене Лалик (1928)
Активные годыc. 1910–1939
СтранаГлобальный

Арт-деко, иногда называемый Деко, стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, впервые появившийся во Франции незадолго до Первой мировой войны.[1] Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных украшений, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов, океанские лайнеры, а также предметы повседневного обихода, такие как радио и пылесосы.[2] Он получил свое название, сокращение от Arts Décoratifs, от Международная выставка декоративно-прикладного искусства и современной промышленности (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства) проходила в Париже в 1925 году.[3] В нем сочетаются современный стиль с прекрасным мастерством и богатыми материалами. В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.

С самого начала на ар-деко повлияли смелые геометрические формы Кубизм и Венский Сецессион; яркие цвета Фовизм и из Русские балеты; обновленное мастерство мебели эпох Луи Филипп I и Людовик XVI; и экзотические стили Китай и Япония, Индия, Персия, древний Египет и Искусство майя. В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. В Крайслер-билдинг и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-1930-х гг. являются памятниками стиля ар-деко.

В 1930-е годы во время Великая депрессия, Ар-деко стал более сдержанным. Поступили новые материалы, в том числе хромирование, нержавеющая сталь, и пластик. Более изящная форма стиля, называемая Оптимизация модерна, появился в 1930-е гг .; он отличался изогнутыми формами и гладкими полированными поверхностями.[4] Ар-деко - один из первых по-настоящему интернациональных стилей, но его господство закончилось с началом Вторая Мировая Война и появление строго функциональных и неукрашенных стилей современная архитектура и Международный стиль архитектуры, которая последовала.[5]

Именование

Ар-деко получил свое название, сокращенно от декоративно-прикладное искусство, от Выставка Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes проходившей в Париже в 1925 г.,[3] хотя различные стили, характеризующие ар-деко, уже появились в Париже и Брюсселе до Первой мировой войны.

Период, термин декоративно-прикладное искусство впервые был использован во Франции в 1858 году; опубликовано в Bulletin de la Société Française de Photography.[6] В 1868 г. Le Figaro газета использовала термин предметы декора по объектам декораций, созданных для Театр оперы.[7][8][9] В 1875 году французское правительство официально присвоило дизайнерам мебели, текстилям, ювелирным изделиям, стеклу и другим мастерам статус художников. В ответ на это École royale gratuite de dessin (Королевская бесплатная школа дизайна), основанная в 1766 году при короле Людовик XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, был переименован в Национальная школа декоративно-прикладного искусства (Национальная школа декоративного искусства). Он получил свое нынешнее название ENSAD (Высшая национальная школа декоративно-прикладного искусства) в 1927 году.

На выставке 1925 г. архитектор Ле Корбюзье написал серию статей о выставке для своего журнала L'Esprit Nouveauпод названием "1925 EXPO. ARTS. DECCO.", которые были объединены в книгу, L'art décoratif d'aujourd'hui (Декоративное искусство сегодня). Книга была энергичной атакой на излишества красочных и роскошных предметов на выставке; и на идее, что практичные предметы, такие как мебель, вообще не должны иметь никакого украшения; он пришел к выводу, что «современное украшение не имеет украшения».[10]

Актуальная фраза арт-деко не появлялась в печати до 1966 года, когда она была представлена ​​в названии первой современной выставки на эту тему, проведенной Музеем декоративного искусства в Париже, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, который охватил множество основных стилей 1920-х и 1930-х годов.[11] Период, термин арт-деко затем использовалась в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в Времена (Лондон, 12 ноября), описывая различные стили на выставке.[12][13]

Ар-деко получил распространение как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о стиле: Ар-деко 20-х и 30-х годов.[2] Хиллиер отметил, что этот термин уже используется арт-дилерами и цитирует Времена (2 ноября 1966 г.) и эссе под названием Les Arts Déco в Elle журнал (ноябрь 1967 г.) в качестве примеров предыдущего использования.[14] В 1971 году Хиллер организовал выставку в Институт искусств Миннеаполиса, о чем он подробно рассказывает в своей книге, Мир ар-деко.[15][16]

Происхождение

Общество художников-декораторов (1901–1913)

Возникновение ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Период, термин декоративно-прикладное искусство был изобретен в 1875 году, придавая официальный статус дизайнерам мебели, текстиля и других украшений. В Société des Artistes décorateurs (Общество художников-декораторов), или SAD, было основано в 1901 году, и художники-декораторы получили те же права авторства, что и художники и скульпторы. Подобное движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративно-прикладному искусству. Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, проходил в Турин в 1902 году. В Париже было основано несколько новых журналов по декоративному искусству, в том числе Искусство и декор и L'Art décoratif moderne. Секции декоративно-прикладного искусства были введены в ежегодные салоны Sociéte des Artistes Français, а позже в Осенний салон. Французский национализм также сыграл роль в возрождении декоративного искусства; Французские дизайнеры столкнулись с проблемой увеличения экспорта менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году САД предложило провести в 1912 году новую крупную международную выставку декоративно-прикладного искусства. Копирование старых стилей не разрешалось; только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года, затем из-за войны была отложена до 1925 года, когда она дала название целому семейству стилей, известному как «Деко».[17]

Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в подъеме ар-деко. Установленные предприятия, такие как фирма по производству столового серебра Christofle, дизайнер стекла Рене Лалик, и ювелиры Луи Картье и Boucheron, которые начали разрабатывать продукты в более современных стилях.[18][19] Начиная с 1900 года универмаги нанимали художников-декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Украшение 1912 года Осенний салон было доверено универмагу Printemps.[20][21] В том же году Printemps создал собственную мастерскую под названием Primavera.[21] К 1920 г. Primavera наняли более трехсот художников. Стили варьировались от обновленных версий Людовика XIV, Людовика XVI и особенно мебели Луи Филиппа, изготовленной Луи Сюэ и Primavera мастерской, к более современным формам из мастерской Au Louvre универмаг. Другие дизайнеры, в том числе Эмиль-Жак Рульманн и Пол Фолиот отказался от массового производства и настаивал на том, чтобы каждое изделие изготавливалось вручную вручную. В раннем стиле ар-деко использовались роскошные и экзотические материалы, такие как черное дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, особенно корзины и букеты цветов всех цветов, придающие модернистский вид.[22]

Венский сецессион и Венские мастерские (1905–1911)

Архитекторы Венский Сецессион (образован в 1897 г.), особенно Йозеф Хоффманн, оказал заметное влияние на ар-деко. Его Стокле Палас в Брюсселе (1905–1911 гг.) был прообразом стиля ар-деко с геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными пластинами, тонким орнаментом и роскошными интерьерами, включая мозаичные фризы работы Густав Климт. Хоффманн был также основателем Wiener Werkstätte (1903–1932), объединение мастеров и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало образцом для Compagnie des Arts Français, созданная в 1919 году, объединившая Андре Маре, и Луи Сюэ, первые ведущие французские дизайнеры и декораторы ар-деко.[23]

Новые материалы и технологии

Новые материалы и технологии, особенно железобетон, были ключом к развитию и появлению ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа. Франсуа Куанье. В 1877 г. Джозеф Монье представила идею укрепления бетона сеткой из железных прутьев в виде решетки. В 1893 г. Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем жилой дом, дом, затем, в 1913 году, Театр Елисейских полей. Один критик назвал театр "дирижаблем с авеню Монтень", предполагающим германское влияние, скопированным с Венский Сецессион. После этого большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что дало большую свободу форм и меньше нуждалось в укреплении столбов и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые изучил использование железобетона работая рисовальщиком в студии Перре.[24]

Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которые были менее дорогими и позволяли делать окна намного больше и прочнее, а также для массового производства. алюминий, который использовался для строительства и оконных рам, а затем Корбюзье и других для легкой мебели.

Театр Елисейских полей (1910–1913)

Антуан Бурдель, 1910–12, Аполлон и медитация в окружении девяти муз (Медитация Аполлона и муз), барельеф, Театр Елисейских полей, Париж. Эта работа представляет собой один из самых ранних примеров того, что стало известно как скульптура ар-деко.

В Театр Елисейских полей (1910–1913), автор Огюст Перре, был первым завершенным зданием в стиле ар-деко в Париже. Ранее, железобетон использовался только для промышленных и жилых домов, Перре построил первый современный жилой дом из железобетона в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903–04. Анри Соваж, еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще один в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал рисовальщиком в офисе Перре, изучая методы строительства из бетона. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие марки ар-деко. Обстановка театра также была революционной; фасад был украшен горельефы к Антуан Бурдель, купол Морис Дени, картины автора Эдуард Вюйар, и занавес в стиле ар-деко от Кер-Ксавье Руссель. Театр стал известен как место проведения многих первых спектаклей театра. Русские балеты.[25] Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах.[26][27]

Осенний салон (1912–1913)

  • Дизайн декораций для Шехеразада (1910) по Леон Бакст

  • Кресло в стиле ар-деко для коллекционеров произведений искусства Жак Дусе (1912–13)

  • Выставка мебели в стиле раннего ар-деко от Atelier français в 1913 году Осенний салон из Искусство и декор журнал (1914)

С момента своего зарождения между 1910 и 1914 годами ар-деко представлял собой взрыв цвета, в котором использовались яркие и часто конфликтующие оттенки, часто в цветочных узорах, представленных в мебели. обивка, ковры, ширмы, обои и ткани. Много красочных работ, в том числе стулья и столик. Морис Дюфрен и яркий гобеленовый ковер от Поль Фоллот были представлены на 1912 г. Салон художников-декораторов. В 1912–1913 дизайнер. Адриен Карбовски сделал цветочный стул с дизайном попугая для охотничьего домика коллекционера Жак Дусе.[28] Дизайнеры мебели Луи Сюэ и Андре Маре впервые появились на выставке 1912 года под названием Ателье Français, сочетая красочные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских дизайнерских фирм, производящих мебель для первоклассных салонов и кабин французского заокеанского побережья. океанские лайнеры.[29]

Яркие цвета ар-деко пришли из многих источников, включая экзотические декорации от Леон Бакст для Русские балеты, который вызвал фурор в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранними Фовизм движение во главе с Анри Матисс; другие Орфизм художников, таких как Соня Делоне;[30] другие - движением, известным как Наби, и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные перегородки и другие предметы декора. Яркие цвета были отличительной чертой работы модельера. Поль Пуаре, чьи работы повлияли как на моду в стиле ар-деко, так и на дизайн интерьера.[29][31][32]

Кубизм

Джозеф Чаки, 1912, Танцующий танец (Femme à l'éventail, Femme à la cruche), гипс оригинальный, выставлялся на 1912 г. Осенний салон и 1914 г. Салон независимых, скульптура прото-ар-деко

В движение искусства известный как Кубизм появился во Франции между 1907 и 1912 годами, оказав влияние на развитие ар-деко.[25][30][31] В Art Deco Complete: полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов Аластер Дункан пишет: «Кубизм в той или иной извращенной форме стал языком общения художников-декораторов той эпохи».[31][33] Сами кубисты под влиянием Поль Сезанн, интересовались упрощением форм до их геометрической сущности: цилиндра, сферы, конуса.[34][35]

В 1912 году художники Section d'Or выставлялись произведения значительно более доступные широкой публике, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Словарный запас кубизма был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера.[30][32][35][36]

Сочинения 1912 г. Андре Вера, Стиль Le Nouveau, опубликовано в журнале L'Art décoratif, выразил неприятие Искусство модерн формы (асимметричные, полихромные и живописные) и призванные simplicité volontaire, symétrie manifesteste, l'ordre et l'harmonie, темы, которые со временем станут обычным явлением в ар-деко;[19] хотя стиль деко часто был чрезвычайно красочным и зачастую сложным.[37]

в Art Décoratif часть Осеннего салона 1912 года была представлена ​​архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste.[38][39] Фасад был спроектирован Раймон Дюшан-Вийон. Декор дома был выполнен Андре Маре.[40][41] La Maison Cubiste представлял собой меблированный объект с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней, гостиной - Салон Буржуйский, где картины Альберт Глейзес, Жан Метцингер, Мари Лорансен, Марсель Дюшан, Фернан Леже и Роджер де ла Френэ были повешены.[42][43][44] Тысячи зрителей в салоне прошли через натурный макет.[45]

Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был очень радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Маре спроектировал обои со стилизованными розами и цветочными узорами, а также обивку, мебель и ковры, все с яркими и красочными мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн описал работу Маре в журнале Искусство и декор: «Он не смущает себя простотой, потому что он размножает цветы везде, где их можно поставить. Эффект, которого он добивается, очевидно, является эффектом живописности и веселья. Он добивается этого».[46] Элемент кубизма был обеспечен картинами. Инсталляция была раскритикована некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха.[47] Эта архитектурная инсталляция впоследствии экспонировалась на выставке 1913 г. Оружейная Шоу, Нью-Йорк, Чикаго и Бостон.[30][35][48][49][50] Во многом благодаря выставке термин «кубист» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды и театра. выступления.[47]

Влияние кубизма продолжалось в ар-деко, даже когда деко разветвлялся во многих других направлениях.[30][31] В 1927 году кубисты Джозеф Чаки, Жак Липшиц, Луи Маркуси, Анри Лоран, скульптор Гюстав Миклош, и другие участвовали в оформлении Дома-студии на улице Сен-Джеймс, Нейи-сюр-Сен, спроектированный архитектором Полем Руодом и принадлежащий французскому модельеру Жаку Дусе, также коллекционеру Постимпрессионист искусство Анри Матисса и кубистские картины (в том числе Les Demoiselles d'Avignon, который он купил прямо в студии Пикассо). Лоренс спроектировал фонтан, Чаки спроектировал лестницу Дусе,[51] Липшиц сделал каминную полку, а Маркусси сделал кубистский ковер.[30][52][53][54]

Помимо художников-кубистов, Дусе пригласил других дизайнеров интерьера Deco, чтобы помочь в украшении дома, в том числе Пьера Легрена, который отвечал за организацию декора, и Пол Ирибе, Марсель Коард, Андре Гроулт, Эйлин Грей и Роза Адлер предоставила мебель. Декор включал в себя массивные предметы из макассарового черного дерева, вдохновленные африканским искусством, а также мебель, покрытую кожей Марокко, крокодиловой кожей и змеиной кожей, а также узорами, взятыми из африканских узоров.[55]

Намеченная геометрия кубизма стала монетой королевства в 1920-х годах. Развитие ар-деко избирательной геометрии кубизма в более широкий спектр форм принесло кубизм как графическую таксономию гораздо более широкой аудитории и более широкой привлекательности. (Ричард Харрисон Мартин, Метрополитен-музей)[56]

Влияния

  • Экзотичность Русские балеты оказал сильное влияние на ранний деко. Рисунок танцора Вацлав Нижинский Парижский художник моды Жорж Барбье (1913)

  • Иллюстрация Жорж Барбье платья от Paquin (1914). Стилизованный растительный орнамент и яркие цвета были характерной чертой раннего ар-деко.

  • Лобби 450 Sutter Street в Сан-Франциско Тимоти Pflueger, (1929) вдохновленный древнее искусство майя

  • Позолоченная бронза Прометей в Рокфеллер-центр к Пол Мэншип (1934), стилизованное обновление классической скульптуры в стиле ар-деко (1936)

  • Керамическая ваза, вдохновленная мотивами традиционной африканской резной деревянной скульптуры, работы Эмиля Ленобля (1937), Музей декоративного искусства, Париж.

Ар-деко - это не единый стиль, а собрание разных, а иногда и противоречащих друг другу стилей. В архитектуре ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе в период с 1895 по 1900 годы, а также постепенно вытеснил Beaux-Arts и неоклассический которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 г. Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes,[57] в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от волнистого стиля модерн (и в качестве отхода от него). Гектор Гимар, столь популярный в Париже несколькими годами ранее. Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных композиций. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и особенно Театр Елисейских полей, предложила новую форму конструкции и декора, скопированную во всем мире.[58]

В декоре ар-деко было заимствовано и использовано много разных стилей. Они включали досовременное искусство со всего мира и наблюдались в Musée du Louvre, Musée de l'Homme и Национальный музей африканского и французского искусства. Интерес к археологии был также популярен благодаря раскопкам на Помпеи, Трой, и гробница фараона 18 династии Тутанхамон. Художники и дизайнеры объединили мотивы из древний Египет, Месопотамия, Греция, Рим, Азия, Мезоамерика и Океания с Возраст машин элементы.[59][60][61][62][63][64]

Другие заимствованные стили включают русский Конструктивизм и итальянский Футуризм, а также орфизм, Функционализм, и Модернизм в целом.[35][59][65][66] Ар-деко также использовал противоречивые цвета и дизайн фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерен, вдохновила дизайнеров на текстиль, обои и расписную керамику в стиле ар-деко.[35] Он взял идеи из лексики высокой моды того периода, в которой использовались геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтология, и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. С 1925 года его часто вдохновляла страсть к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, и к 1930 году это влияние привело к созданию стиля, называемого Оптимизация модерна.[67]

Стиль роскоши и современности

  • Будуар модельера Жанна Ланвин (1922–25) сейчас в Музее декоративного искусства, Париж.

  • Ванна Жанны Ланвин из сиенского мрамора с декором из резной лепнины и бронзы (1922–25).

  • Этюд в стиле ар-деко парижской дизайнерской фирмы Alavoine. Бруклинский музей (1928–30)

  • Стеклянный салон (Le salon de verre) по проекту Поль Руо с мебелью от Эйлин Грей, для мадам Матье-Леви (модистка бутика J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Париж, 1922 г. (опубликовано в L'Illustration, 27 мая 1933 г.)

Ар-деко ассоциировался как с роскошью, так и с современностью; в нем сочетаются очень дорогие материалы и изысканное мастерство, воплощенное в модернистских формах. В ар-деко не было ничего дешевого: предметы мебели включали инкрустацию из слоновой кости и серебра, а украшения в стиле ар-деко сочетали в себе бриллианты с платиной, нефритом и другими драгоценными материалами. Стиль был использован для оформления первоклассных салонов океанских лайнеров, роскошных поездов и небоскребов. Его использовали во всем мире для украшения великих дворцов кино в конце 1920-х и 1930-х годах. Позже, после Великая депрессия, стиль изменился и стал более трезвым.

Хороший пример роскошного стиля ар-деко - будуар модельера. Жанна Ланвин, разработано Арманд-Альбер Рато (1882–1938) изготовлен в 1922–25. Он находился в ее доме на улице Барбет-де-Жуи, 16 в Париже, который был снесен в 1965 году. Помещение было реконструировано в Музее декоративного искусства в Париже. Стены облицованы лепниной. барашек внизу лепные барельефы. Альков обрамлен мраморными колоннами с основанием и цоколем из резного дерева. Пол из белого и черного мрамора, а в шкафах декоративные предметы отображаются на фоне синего шелка. В ее ванной комнате были ванна и умывальник из сиенского мрамора со стеной из резной лепнины и бронзовой фурнитурой.[68]

К 1928 году стиль стал более комфортным, с клубными креслами из глубокой кожи. Исследование, разработанное парижской фирмой Alavoine для американского бизнесмена в 1928-1930 гг., Сейчас находится в Бруклинский музей.

К 1930-м годам стиль несколько упростился, но все еще оставался экстравагантным. В 1932 году декоратор Поль Рууд создал Стеклянный салон для Сюзанны Тальбот. В нем было серпантинное кресло и два трубчатых кресла Эйлин Грей, пол из матовых посеребренных стеклянных плит, панель с абстрактными узорами в серебряном и черном лаке, а также ассортимент шкур животных.[69]

Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства (1925 г.)

Основная статья: Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства

Событием, которое обозначило зенит стиля и дало ему название, стало Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства который проходил в Париже с апреля по октябрь в 1925 году. Он был официально спонсирован французским правительством и охватывал участок в Париже площадью 55 акров, расположенный от Гранд Пале на правом берегу Les Invalides на левом берегу и по берегу Сены. Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. На выставке присутствовало 15000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новые Советский союз, хотя Германию не пригласили из-за напряженности после войны, а Соединенные Штаты, не понимая цели выставки, отказались от участия. За семь месяцев его посетили шестнадцать миллионов человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции у всех крупных универмагов Парижа и крупных дизайнеров были свои павильоны. Выставка имела второстепенную цель - продвигать товары из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические породы дерева.

Hôtel du Collectionneur был популярным аттракционом на выставке; На нем были представлены новые дизайны мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани, ковры и картины в стиле ар-деко. Жан Дюпа. В дизайне интерьера соблюдены те же принципы симметрии и геометрических форм, которые отличают его от стиля модерн, а также яркие цвета, тонкая обработка редких и дорогих материалов, которые отличают его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов были щедро украшены и обставлены роскошной мебелью ручной работы, два павильона, Советского Союза и Pavilion du Nouveau Esprit, построенные одноименным журналом Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле с простые белые стены и без отделки; они были одними из первых примеров модернистская архитектура.[70]

Небоскребы

Американские небоскребы стали вершиной стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были созданы, чтобы показать престиж своих строителей своим ростом, формой, цветом и эффектным освещением ночью.[71] В Американское здание радиатора к Раймонд Худ (1924) соединил в дизайне здания элементы готики и деко-модерн. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о прочности и придать зданию прочную массу. Остальные части фасада облицованы золотым кирпичом (символизирующим огонь), а вход украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко был Детройт. Здание Хранителя, который открылся в 1929 году. Дизайн модернистов Вирт К. Роуленд, здание было первым, в котором нержавеющая сталь использовалась в качестве декоративного элемента, а также широко использовались цветные рисунки вместо традиционных орнаментов.

Горизонт Нью-Йорка радикально изменили Крайслер-билдинг в Манхэттене (завершено в 1930 г.) по проекту Уильям Ван Ален. Это была гигантская реклама автомобилей Chrysler высотой в семьдесят семь этажей. Верх увенчал шпиль из нержавеющей стали и был украшен декоративными «горгульями» в виде украшений крышки радиатора из нержавеющей стали. Основание башни, тридцать три этажа над улицей, было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами ар-деко и изображениями, выражающими современность.[72]

За Крайслер-билдинг последовал Эмпайр Стейт Билдинг к Уильям Ф. Лэмб (1931) и RCA Здание (ныне 30 Rockefeller Plaza) Раймонда Гуда (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами в стиле ар-деко и шпилями, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслер - горгульями в стиле ар-деко, смоделированными по образцу радиаторных украшений, в то время как входы и вестибюли были щедро украшены скульптурами в стиле ар-деко. керамика и дизайн. Подобные здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных городах Америки. Крайслер-билдинг вскоре превзошел по высоте Эмпайр-стейт-билдинг в чуть менее роскошном стиле деко. Рокфеллер-центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади, с фонтаном в центре.[73]

Поздний арт-деко

В 1925 году в ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов; включали дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульманн, Жан Дюнар, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; в них сочетаются современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиль, основанный на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. Модернисты основали свою организацию, Французский союз современных художников, в 1929 году. В его состав входили архитекторы Пьер Шаро, Фрэнсис Журден, Роберт Маллет-Стивенс, Корбюзье, а в Советском Союзе Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей и французский дизайнер Соня Делоне, ювелиры Жан Фуке и Жан Пуифорка. Они яростно атаковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, чтобы хорошо построенные здания были доступны каждому, и эта форма должна следовать за функцией. Красота объекта или здания заключается в том, идеально ли они подходят для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания можно было производить серийно, а не вручную.[74][75]

Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фолло защищал ар-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется незаменимым и что лишнее всегда необходимо ... В противном случае нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и духи ..! "[76] Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он заявил, что дом - это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко - это прошлое, а модернизм - будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно перенимались архитектурными школами, а от эстетики ар-деко отказались. Те же особенности, которые сделали ар-деко популярным вначале, его мастерство, богатые материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, которая началась в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигла Европы, значительно сократила количество богатых клиентов, которые могли платить за мебель и предметы искусства. В условиях экономической депрессии немногие компании были готовы строить новые небоскребы.[35] Даже фирма Ruhlmann прибегала к серийному производству мебели, а не к индивидуальному производству предметов ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет ) и Palais de Chaillot к Луи-Ипполит Буало, Жак Карлу и Леон Азема, а Дворец Токио из 1937 Парижская международная выставка; они смотрели на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альберт Шпеер, который выходил на столь же грандиозный социалистически-реалистический павильон сталинского Советского Союза.

После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал международный стиль, впервые предложенный Ле Корбюзье, и Мис Ван дер Роэ. Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в пляж Маями после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за ​​исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в автомобильном стиле и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и ​​Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были восстановлены и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура, впервые появившийся в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы.[35][59][77][78] Декор продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, ювелирных изделиях и туалетных принадлежностях.[79]

Картина

На выставке 1925 года под живопись не было выделено ни одного раздела. Живопись ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного произведения, поэтому немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа нарисовал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также нарисовал картину над камином на выставке Maison de la Collectioneur на выставке 1925 года, на которой была представлена ​​мебель Рульмана и других известных дизайнеров ар-деко. . Его фрески также были заметны в декоре французского океанского лайнера. SS Normandie. Его работы носили чисто декоративный характер, служили фоном или аккомпанементом к другим элементам декора.[80]

Другой художник, тесно связанный со стилем, - Тамара де Лемпицка. Родилась в Польше, эмигрировала в Париж после Русская революция. Она училась Морис Дени и Андре Лот, и позаимствовали многие элементы из их стилей. Писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко.[81]

В 1930-х годах в США появилась новая драматическая форма живописи ар-деко. Во время Великой депрессии Федеральный художественный проект из Управление прогресса работ был создан, чтобы дать работу безработным художникам. Многим было поручено украсить правительственные здания, больницы и школы. В фресках не использовался определенный стиль ар-деко; художники, занимающиеся росписью правительственных зданий, пришли из разных школ, от американского регионализма до соцреализм; они включали Реджинальд Марш, Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера. Фрески были ар-деко, потому что все они были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были нарисованы: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент украшали почтовые здания США и изображали почтовых служащих за работой, а Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода. в Детройтский институт искусств. Фреска Диего Риверы Человек на распутье (1933) для Рокфеллер-центра показал несанкционированный портрет Ленин.[82][83] Когда Ривера отказался снимать Ленина, картина была уничтожена, а испанская художница нарисовала новую фреску. Хосеп Мария Серт.[84][85][86]

Скульптура

Монументальная и общественная скульптура

Скульптура была очень распространенным и неотъемлемым элементом архитектуры ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку Антуан Бурдель украсил самый ранний памятник ар-деко в Париже, Театр Елисейских полей, в 1912 году. В 1925 году здесь были размещены крупные скульптурные работы, павильоны были украшены скульптурными фризами, а несколько павильонов были посвящены скульптуре меньшей студии. В 1930-х годах большой коллектив выдающихся скульпторов выполнял работы для 1937 года. Выставка Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne в Шайо. Альфред Жанниот сделал рельефные скульптуры на фасаде Токийского дворца. В Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, а эспланада перед Дворцом Шайо, обращенная к Эйфелевой башне, была заполнена новыми скульптурами Чарльз Малфрей, Генри Арнольд и многие другие.[87]

Публичная скульптура в стиле ар-деко почти всегда была репрезентативной, обычно героических или аллегорических фигур, связанных с назначением здания или комнаты. Темы обычно выбирали меценаты, а не художник. Абстрактная скульптура для украшения была крайне редкой.[88][89]

В Соединенных Штатах самым известным скульптором в стиле ар-деко в области общественного искусства был Пол Мэншип, обновившие классические и мифологические сюжеты и темы в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометей в Рокфеллер-центр в Нью-Йорке, адаптация классической темы XX века. Другие важные работы для Рокфеллер-центра были выполнены Ли Лори, включая скульптурный фасад и Статуя атласа.

Вовремя Великая депрессия в Соединенных Штатах многим скульпторам было поручено выполнить работы по украшению зданий федерального правительства на средства, предоставленные WPA, или Управление прогресса работ. Среди них был скульптор Сидней Билер Во, который создавал стилизованные и идеализированные изображения рабочих и их задач для административных зданий федерального правительства.[90] В Сан-Франциско, Ральф Стэкпол предоставил скульптуру для фасада нового Фондовая биржа Сан-Франциско строительство. В Вашингтоне, округ Колумбия, Майкл Ланц сделал работы для Федеральная торговая комиссия строительство.

В Великобритании общественная скульптура в стиле деко была изготовлена Эрик Гилл для BBC Broadcasting House, а Рональд Аткинсон украсил вестибюль бывшего Здание Daily Express в Лондоне (1932).

Одна из самых известных и, безусловно, самая большая скульптура в стиле ар-деко - это скульптура Христос Искупитель французским скульптором Пол Ландовски, построенный между 1922 и 1931 годами, расположенный на вершине горы с видом на Рио де Жанейро, Бразилия.

Студия скульптуры

Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшого размера и предназначались для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры получил название Хризелефантин Статуэтка, названная в честь стиля древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Иногда их делали из бронзы, а иногда из более дорогих материалов, таких как слоновая кость, оникс, алебастр и сусальное золото.

Одним из самых известных скульпторов салонов ар-деко был румын. Деметр Чипарус, создавшие красочные скульптуры танцоров. Включены другие известные скульпторы салона Фердинанд Прейсс, Йозеф Лоренцль, Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидкассель.[91] Еще одним важным американским скульптором в формате студии был Гарриет Уитни Фришмут, который учился с Огюст Роден в Париже.

Пьер Ле Паге был выдающимся скульптором студии ар-деко, работы которого были показаны на выставке 1925 года. Работал с бронзой, мрамором, слоновой костью, ониксом, золотом, алебастр и другие драгоценные материалы.[92]

Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистический скульптура. Он не был полностью признан за свои художественные достижения до 67 лет в Осеннем салоне 1922 года с работой Наш блан, также известный как Белый Медведь, теперь в Musée d'Orsay в Париже.[93]

Параллельно с этими скульпторами в стиле ар-деко в Париже и Нью-Йорке работали более авангардные и абстрактные модернистские скульпторы. Самыми выдающимися были Константин Бранкуши, Джозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лоран, Жак Липшиц, Гюстав Миклош, Жан Ламберт-Раки, Ян и Жоэль Мартель, Хана Орлофф и Пабло Гаргалло.[94]

Графика

Стиль ар-деко возник рано в графическом искусстве, незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже на плакатах и ​​эскизах костюмов Леона Бакста для Русского балета, а также в каталогах модельеров Поля Пуаре.[95] Иллюстрации Жорж Барбье, а Жорж Лепап и изображения в модном журнале La Gazette du bon ton идеально передала элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах внешний вид изменился; подчеркнутая мода была более повседневной, спортивной и смелой, а женщины-модели обычно курили сигареты. Американские модные журналы, такие как мода, Ярмарка Тщеславия и Harper's Bazaar быстро подхватил новый стиль и популяризировал его в Соединенных Штатах. Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент. В Германии самым известным плакатистом того периода был Людвиг Хольвайн, который создавал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.[96]

В период модерна плакаты обычно рекламировали театральные постановки или кабаре. В 20-х годах прошлого века туристические плакаты для пароходов и авиакомпаний стали чрезвычайно популярными. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, чтобы сосредоточить внимание на рекламируемом продукте. Изображения стали более простыми, точными, более линейными, более динамичными и часто размещались на одноцветном фоне. Во Франции такие популярные дизайнеры ар-деко, как Шарль Лупо и Пол Колин, прославившийся афишами американского певца и танцора Жозефина Бейкер. Жан Карлу разработал плакаты для фильмов, сериалов и театров Чарли Чаплина; в конце 1930-х он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время мировой войны разработал плакаты, поощряющие военное производство. Дизайнер Чарльз Гесмар прославился созданием плакатов для певицы. Mistinguett и для Французские авиалинии. Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандра, изготовивший знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie в 1935 г.[96]

В 1930-е годы в США во время Великой депрессии появился новый жанр плаката. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов, рекламирующих туризм и культурные мероприятия.

Архитектура

«Архитектура ар-деко» перенаправляется сюда. Книгу Патрисии Байер см. Архитектура ар-деко: дизайн, оформление и детали из двадцатых и тридцатых годов.
Дальнейшая информация: Архитектура ар-деко Нью-Йорка, Список архитектуры ар-деко, и Список зданий ар-деко в Сиднее

Архитектурный стиль ар-деко дебютировал в Париже в 1903–04 годах, когда в Париже были построены два жилых дома: один Огюстом Перре на улице Бенджамина Франклина, а другой на улице Третень Анри Соваж. Два молодых архитектора впервые применили железобетон в жилых домах Парижа; у новостроек были четкие линии, прямоугольные формы, без декора на фасадах; они отметили полный разрыв с искусство модерн стиль.[97] Между 1910 и 1913 годами Перре использовал свой опыт в бетонных многоквартирных домах, чтобы построить Театр на Елисейских полях, 15. авеню Монтень. В период с 1925 по 1928 год он построил новый фасад здания в стиле ар-деко. La Samaritaine универмаг в Париже.[98]

После Первой мировой войны здания в стиле ар-деко из стали и железобетона начали появляться в крупных городах Европы и США. В Соединенных Штатах этот стиль чаще всего использовался для офисных зданий, правительственных зданий, кинотеатров и железнодорожных станций. Иногда его сочетали с другими стилями; Мэрия Лос-Анджелеса совмещенный ар-деко с крышей на основе древнегреческого Мавзолей в Галикарнасе, в то время как Железнодорожный вокзал Лос-Анджелеса сочетал деко с архитектурой испанской миссии. Элементы ар-деко появились и в инженерных проектах, в том числе в башнях Мост "Золотые ворота и водозаборные башни Плотина Гувера. В 1920-х и 1930-х годах он стал поистине международным стилем, с примерами, включая Palacio de Bellas Artes (Дворец изящных искусств) в Мехико к Федерико Марискаль [es ], то Метро Маяковская в Москва и Здание национальной диеты в Токио Ватанабэ Фукузо.[нужна цитата ]

Стиль ар-деко не ограничивался постройками на суше; океанский лайнер SS Normandie, первый рейс которого состоялся в 1935 году, оформлен в стиле ар-деко, в том числе столовая, потолок и отделка которой выполнены из стекла. Лалик.[99]

"Торговые соборы"

Грандиозными витринами дизайна интерьера в стиле ар-деко были вестибюли правительственных зданий, театров и особенно офисных зданий. Интерьеры были чрезвычайно красочными и динамичными, сочетая в себе скульптуру, фрески и декоративный геометрический дизайн из мрамора, стекла, керамики и нержавеющей стали. Ранним примером был Фишер Билдинг в Детройте, автор Джозеф Натаниэль Френч; Вестибюль был богато украшен скульптурой и керамикой. В Здание Хранителя (первоначально здание Union Trust Building) в Детройте, автор Вирт Роуленд (1929), украшенный красным и черным мрамором и яркой керамикой, подчеркнутый полированными стальными дверями и стойками лифта. Скульптурный декор стен иллюстрирует достоинства трудолюбия и экономии; здание сразу же назвали «Торговым собором». Медицинский и стоматологический корпус под названием 450 Sutter Street в Сан-Франциско Тимоти Пфлюгер был вдохновлен майя архитектура в очень стилизованной форме; в нем использовались пирамидальные формы, а внутренние стены были покрыты стилизованными рядами иероглифов.[100]

Во Франции лучшим образцом интерьера в стиле ар-деко того периода был Palais de la Porte Dorée (1931) автор Альберт Лапрад, Леон Жосели и Леон Базен. Здание (ныне Национальный музей иммиграции с аквариумом в подвале) было построено для Парижская колониальная выставка 1931 года, чтобы чествовать людей и продукты французских колоний. Внешний фасад был полностью покрыт скульптурой, а вестибюль создавал гармонию ар-деко с деревянным паркетным полом с геометрическим рисунком, фреской с изображением жителей французских колоний; и гармоничная композиция из вертикальных дверей и горизонтальных балконов.[100]

Дворцы кино

Многие из лучших сохранившихся примеров ар-деко - кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годах. Период ар-деко совпал с преобразованием немого кино в звуковое, и кинокомпании построили огромные кинотеатры в крупных городах, чтобы привлечь внимание огромной аудитории, пришедшей посмотреть фильмы.Кинодворцы 1920-х годов часто сочетали экзотические темы со стилем ар-деко; Египетский театр Граумана в Голливуде (1922) был вдохновлен древнеегипетскими гробницы и пирамиды, в то время как Фокс Театр в Бейкерсфилде, штат Калифорния, к залу в стиле ар-деко пристроили башню в стиле Калифорнийской миссии. Самый большой из всех Radio City Music Hall в Нью-Йорке, который открылся в 1932 году. Первоначально задуманный как сценический театр, он быстро превратился в кинотеатр на 6015 мест. Дизайн интерьера выполнен Дональд Дески использовали стекло, алюминий, хром и кожу, чтобы создать красочный побег от реальности. В Paramount Theater в Окленде, штат Калифорния, авторства Тимоти Пфлюгера, имел красочный керамический фасад, четырехэтажный вестибюль и отдельные курительные комнаты в стиле ар-деко для мужчин и женщин. Подобные величественные дворцы появились и в Европе. В Гранд Рекс в Париже (1932 г.) с его внушительной башней был крупнейший кинотеатр в Европе. В Государственный кинотеатр Gaumont в Лондоне (1937 г.) была построена башня по образцу Эмпайр-стейт-билдинг, покрытая керамической плиткой кремового цвета, а интерьер выполнен в стиле ар-деко и итальянского ренессанса. В Paramount Театр в Шанхай, Китай (1933 г.) изначально был построен как танцевальный зал под названием Ворота 100 удовольствий; после коммунистической революции 1949 года он был преобразован в кинотеатр, а сейчас здесь бальный зал и дискотека. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой кинотеатр Cinema Impero в Асмэра в том, что сейчас Эритрея. Сегодня многие кинотеатры разделены на мультиплексы, но другие отреставрированы и используются как культурные центры в своих общинах.[101]

Оптимизация модерна

Смотрите также: Оптимизация модерна

В конце 1930-х годов стало распространено новое разнообразие архитектуры ар-деко; это называлось Оптимизация модерна или просто Streamline, или, во Франции, Style Paqueboat или Ocean Liner style. Здания в этом стиле имели закругленные углы и длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона и почти всегда были белыми; и иногда они имели морские элементы, такие как перила, напоминающие перила на корабле. Закругленный угол был не совсем новым; он появился в Берлине в 1923 г. в Mossehaus к Эрих Мендельсон, а позже в Здание Гувера, промышленный комплекс в пригороде Лондона Perivale. В Соединенных Штатах это стало наиболее тесно связано с транспортом; Современный обтекаемый транспорт редко использовался в офисных зданиях, но часто использовался для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту Ла-Гуардия в Нью-Йорке, который обслуживал первые трансатлантические рейсы на летающих лодках PanAm clipper; и в придорожной архитектуре, например, на заправках и в закусочных. В конце 1930-х годов в городах Новой Англии были изготовлены и установлены несколько столовых по образцу модернизированных железнодорожных вагонов; по крайней мере два экземпляра все еще сохранились и теперь являются зарегистрированными историческими зданиями.[102]

Украшение и мотивы

Украшение в период ар-деко прошло несколько этапов. Между 1910 и 1920 годами, когда ар-нуво истощился, стили дизайна вернулись к традициям, особенно в творчестве Поля Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал в журнале эссе. L'Art Décoratif призывая к возвращению к мастерству и материалам прошлых веков и использованию нового репертуара форм, взятых из природы, в частности корзин и гирлянд из фруктов и цветов. Вторая тенденция ар-деко, также с 1910 по 1920 год, была вдохновлена ​​яркими красками художественного движения, известного как Фов и красочными костюмами и декорациями Русских балетов. Этот стиль часто выражался экзотическими материалами, такими как кожа акулы, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированное и окрашенное дерево, а также декоративные вставки на мебели, подчеркивающие ее геометрию. Этот период стиля достиг своего апогея в 1925 году на Парижской выставке декоративного искусства. В конце 1920-х - 1930-х годах стиль декора изменился, вдохновившись новыми материалами и технологиями. Он стал изящнее и менее декоративным. Мебель, как и архитектура, стала иметь закругленные края и приобрела изысканный, обтекаемый вид, взятый из обтекаемого современного стиля. Новые материалы, такие как хромированная сталь, алюминий и бакелит, одна из первых форм пластика, начала появляться в мебели и декоре.[103]

На протяжении всего периода ар-деко, и особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурой, изображающей музыку, танец и волнение; энергетические компании показывали рассветы, здание Крайслера - стилизованные орнаменты на капоте; На фризах Пале-де-ла-Порт-Доре на Парижской колониальной выставке 1931 года были изображены лица различных национальностей французских колоний. Стиль Streamline создавал впечатление, что само здание находится в движении. На фресках WPA 1930-х годов изображены обычные люди; фабричные рабочие, почтовики, семьи и фермеры вместо классических героев.[104]

Мебель

Французская мебель с 1910 до начала 1920-х годов была в значительной степени обновлением французских традиционных стилей мебели и дизайном ар-нуво. Луи Мажорель, Чарльз Плюме и других производителей. Французские производители мебели почувствовали угрозу из-за растущей популярности немецких производителей и стилей, особенно Бидермейер стиль, простой и чистый. Французский дизайнер Франц Журден, президент Парижского Осеннего салона, пригласил дизайнеров из Мюнхена принять участие в Салоне 1910 года. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль и решили ответить на немецкий вызов. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили в Салоне 1912 года. Правила Салона указывали, что разрешены только современные стили. В Салоне приняли участие все ведущие французские дизайнеры мебели: Поль Фолло, Поль Ирибе, Морис Дюфрен, Андре Гро, Андре Мар и Луи Суэ, представив новые работы, обновившие традиционные французские стили Людовика XVI и Луи Филипп с более угловатыми углами, вдохновленными кубизмом, и более яркими цветами, вдохновленными фовизмом и наби.[105]

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи Сюэ оба участвовали в Салоне 1912 года. После войны двое мужчин объединились, чтобы сформировать свою собственную компанию, официально названную Compagnie des Arts Française, но обычно известны просто как Суэ и Маре. В отличие от выдающихся дизайнеров ар-нуво, таких как Луи Мажорель, которые лично проектировали каждое изделие, они собрали команду опытных мастеров и создали полный дизайн интерьера, включая мебель, изделия из стекла, ковры, керамику, обои и освещение. В их работах использовались яркие цвета, мебель и ценные породы дерева, например, черное дерево, инкрустированное перламутром, морским ушком и посеребренным металлом для создания букетов цветов. Они разработали все, от интерьеров океанских лайнеров до флаконов для духов для этикеток. Жан Пату Фирма процветала в начале 1920-х годов, но эти двое были лучшими мастерами, чем бизнесменами. Фирма была продана в 1928 году, и оба мужчины ушли.[106]

Самый выдающийся дизайнер мебели на выставке декоративного искусства 1925 года был Эмиль-Жак Рульманн, из Эльзаса. Сначала он выставлял свои работы в Осеннем салоне 1913 года, затем имел свой павильон «Дом богатого коллекционера» на выставке 1925 года. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, в том числе черное дерево, красное дерево, розовое дерево, Амбон и других экзотических пород дерева, украшенных инкрустациями из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра. Маленькие помпоны из шелка украшали ручки ящиков шкафов.[107] Его мебель была основана на моделях 18 века, но была упрощена и изменена. Во всех его работах внутренняя структура мебели была полностью скрыта. Каркас, как правило, из дуба, был полностью покрыт накладкой из тонких полос дерева, затем покрыт вторым слоем полос из редких и дорогих пород дерева. Затем это было покрыто шпоном и отполировано, так что кусок выглядел так, как будто он был вырезан из цельного куска дерева. Контраст темному дереву придали вставки из слоновой кости, а также ключевые пластины и ручки из слоновой кости. По словам Рульмана, кресла нужно было проектировать по-разному в зависимости от функций комнат, в которых они появились; кресла для гостиной были спроектированы так, чтобы быть гостеприимными, офисные кресла - удобными, а кресла для салона - роскошными. Было изготовлено лишь небольшое количество предметов мебели каждого дизайна, а средняя цена одной из его кроватей или шкафов была выше, чем цена среднего дома.[108]

Жюль Лелеу был дизайнером традиционной мебели, плавно перешедшим в ар-деко в 1920-х годах; он разработал мебель для столовой Елисейский дворец, а для первоклассных кают парохода Normandie. для его стиля характерно использование черного дерева, дерева макассар, ореха, с декором бляшек из слоновой кости и перламутра. Он ввел стиль лакированной мебели в стиле ар-деко в конце 1920-х годов, а в конце 1930-х представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла.[109] В Италии дизайнер Джио Понти был известен своим обтекаемым дизайном.

Дорогая и экзотическая мебель Рульмана и других традиционалистов привела в ярость модернистов, в том числе архитектора Ле Корбюзье, заставив его написать знаменитую серию статей, осуждающих декоративное искусство стиль. Он напал на мебель, предназначенную только для богатых, и призвал дизайнеров создавать мебель из недорогих материалов в современном стиле, доступном обычным людям. Он разработал собственные стулья, которые были недорогими и производились серийно.[110]

В 1930-х годах дизайн мебели адаптировался к форме с более гладкими поверхностями и изогнутыми формами. Среди мастеров позднего стиля Дональд Дески был одним из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер Radio City Music Hall. Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром и бакелит, одну из первых форм пластика.[111] В Стиль водопада был популярен в 1930-х и 1940-х годах, в то время это была самая распространенная форма мебели в стиле ар-деко. Куски обычно были из фанеры, отделанной светлым шпоном и с закругленными краями, напоминающими водопад.[112]

Дизайн

Основная статья: Оптимизация модерна

  • Радиоприемник Philips Art Deco (1931 г.)

  • Chrysler Airflow седан, разработанный Карлом Бриром (1934 г.)

  • Большой обеденный зал океанского лайнера SS Normandie (1935), автор Пьер Пату; барельефы Раймонд Деламар

  • Bugatti Аэролит (1936)

  • Настольное радио Philco (около 1937 г.)

  • Electrolux Пылесос (1937)

  • Нью-Йорк 20th Century Limited Обтекаемый локомотив Hudson 4-6-4 (около 1939 г.)

Streamline - это разновидность ар-деко, возникшая в середине 1930-х годов. На него повлияли современные аэродинамический принципы, разработанные для авиации и баллистика для уменьшения аэродинамического сопротивления на высоких скоростях. Формы пули были применены дизайнерами к автомобилям, поездам, кораблям и даже к объектам, не предназначенным для движения, таким как холодильники, газовые насосы, и здания.[61] Одним из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow 1933 года. Он был коммерчески неудачным, но красота и функциональность его дизайна создали прецедент; означало современность. Он продолжал использоваться в автомобильном дизайне даже после Второй мировой войны.[113][114][115][116]

Новые промышленные материалы стали влиять на дизайн автомобилей и бытовых предметов. К ним относятся алюминий, хром, и бакелит, одна из первых форм пластика. Бакелиту можно было легко придать различные формы, и вскоре он стал использоваться в телефонах, радиоприемниках и других устройствах.

Океанские лайнеры также приняли стиль ар-деко, известный по-французски как Стиль Paquebot, или "Ocean Liner Style". Самый известный пример - СС Normandie, который совершил свое первое трансатлантическое путешествие в 1935 году. Он был разработан специально для того, чтобы привезти в Париж богатых американцев за покупками. Каюты и салоны обставлены современной мебелью и декором в стиле ар-деко. Большой салон корабля, который был рестораном для пассажиров первого класса, был больше, чем Зеркальный зал Версальский Дворец. Он был освещен электрическими лампами внутри двенадцати столбов из хрусталя Lalique; Стены выстроились из тридцати шести одинаковых колонн. Это был один из первых примеров прямого включения освещения в архитектуру. Стиль кораблей вскоре был адаптирован к постройкам. Примечательным примером является набережная Сан-Франциско, где здание Морского музея, построенное как общественная баня в 1937 году, напоминает паром с перилами для кораблей и закругленными углами. Паромный терминал Star в Гонконге также использовал вариацию стиля.[35]

Текстиль и мода

  • Текстильный дизайн Избыток к Андре Маре, (1911), Метрополитен-музей

  • Текстиль с узором розы, разработанный Андре Маре (ок. 1919), Метрополитен-музей

  • Выкройка мусса из роз для обивки из хлопка и шелка (1920), Музей Метрополитен

  • Дизайн птиц от Les Ateliers de Martine - автор Пол Ирибе (1918)

Текстиль был важной частью стиля ар-деко в виде ярких обоев, обивки и ковров. В 1920-х годах дизайнеры были вдохновлены декорациями Русские балеты, ткани и костюмы из Леон Бакст и творения Wiener Werkstätte. Ранние интерьеры Андре Маре были представлены яркие и стилизованные гирлянды из роз и цветов, которые украшали стены, пол и мебель. Стилизованные цветочные мотивы также доминировали в творчестве Рауль Дюфи и Поль Пуаре, и в дизайне мебели J.E. Ruhlmann. Цветочный ковер был заново изобретен в стиле деко. Поль Пуаре.[117]

Использование стиля было значительно расширено за счет введения почуар Система печати на основе трафаретов, которая позволила дизайнерам добиться четкости линий и очень ярких цветов. Формы ар-деко появились в одежде Поль Пуаре, Чарльз Уорт и Жан Пату. После Первой мировой войны экспорт одежды и тканей стал одним из самых важных источников поступления валюты во Франции.[118]

Обои и текстиль в стиле позднего ар-деко иногда изображали стилизованные промышленные сцены, городские пейзажи, локомотивы и другие современные темы, а также стилизованные женские фигуры, металлические цвета и геометрические узоры.[118]

Мода резко изменилась в период ар-деко, в частности, благодаря дизайнерам. Поль Пуаре и позже Коко Шанель. Пуаре внес важное новшество в дизайн одежды - концепцию драпировка, отход от пошива и выкройки прошлого.[119] Он разработал одежду прямого кроя и построенную из прямоугольных мотивов.[119] Его стили предлагали структурную простоту[119] От корсетного образа и формального стиля предыдущего периода отказались, а мода стала более практичной и обтекаемой. с использованием новых материалов, более ярких цветов и принтов.[119] Дизайнер Коко Шанель продолжила переход, популяризируя стиль спортивный, повседневный шик.[120]

ювелирные украшения

В 1920-е и 1930-е годы дизайнеры, в том числе Рене Лалик и Картье, пытались уменьшить традиционное доминирование бриллианты путем добавления более ярких драгоценных камней, таких как маленькие изумруды, рубины и сапфиры. Они также сделали больший акцент на очень сложной и элегантной обстановке с использованием менее дорогих материалов, таких как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Сами бриллианты были огранены в менее традиционных формах; На выставке 1925 года было много бриллиантов, ограненных в виде крошечных стержней или спичек. Также изменились настройки для бриллиантов; Все чаще ювелиры использовали платина вместо золота, так как оно было прочным и гибким и могло оправлять скопления камней. Ювелиры также стали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный цвет. оникс, что обеспечивало более высокий контраст с бриллиантами.[121]

Украшения стали намного ярче и разнообразнее по стилю. Cartier и компания Boucheron объединили бриллианты с другими красочными драгоценными камнями, вырезанными в форме листьев, фруктов или цветов, чтобы сделать броши, кольца, серьги, зажимы и подвески. Также стали популярны дальневосточные темы; бляшки из нефрита и коралла сочетались с платиной и бриллиантами, а косметички, портсигары и пудреницы украшались японскими и китайскими пейзажами, выполненными перламутром, эмалью и лаком.[121]

Быстро меняющаяся мода на одежду принесла с собой новые стили ювелирных украшений. Платья без рукавов 1920-х годов означали необходимость украшения оружия, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины, инкрустированные лазуритом, ониксом, кораллами и другими красочными камнями; Другие браслеты предназначались для плеч, и несколько браслетов часто носили одновременно. Короткие стрижки женщин двадцатых годов требовали тщательно продуманного дизайна сережек. Когда женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень изящные портсигары и мундштуки цвета слоновой кости. Изобретение наручных часов перед Первой мировой войной вдохновило ювелиров на создание необычно украшенных часов, инкрустированных бриллиантами и покрытых эмалью, золотом и серебром. В моду вошли и часы-подвески, свисающие с ленты.[122]

Известные ювелирные дома Парижа того периода, Cartier, Chaumet, Жорж Фуке, Мобуссен, и Van Cleef & Arpels все созданные украшения и предметы по новой моде. Фирма Chaumet изготавливала коробки для сигарет, зажигалки, доты и записные книжки с геометрической формой из твердых камней, украшенных нефрит, лазурит, бриллианты и сапфиры. К ним присоединилось множество молодых дизайнеров, у каждого из которых было свое представление о декоре. Раймонд Темплиер разработала изделия с очень замысловатыми геометрическими узорами, в том числе серебряные серьги, похожие на небоскребы. Жерар Сандос было всего 18 лет, когда он начал заниматься дизайном ювелирных украшений в 1921 году; он разработал множество знаменитых предметов, основанных на гладком и отполированном виде современного оборудования. Художник по стеклу Рене Лалик также вошел в эту сферу, создав подвески из фруктов, цветов, лягушек, фей или русалок из скульптурного стекла ярких цветов, подвешенных на шелковых шнурках с кисточками.[122] Ювелир Пол Брандт контрастные прямоугольные и треугольные узоры и вставки жемчуга в линии на бляшках из оникса. Жан Депре делали ожерелья контрастных цветов, сочетая серебро и черный лак, или золото с лазуритом. Многие из его рисунков выглядели как отполированные до блеска машины. Жан Данан также был вдохновлен современным оборудованием в сочетании с яркими красными и черными цветами, контрастирующими с полированным металлом.[122]

Стеклянное искусство

  • Жар-птица Рене Лалик (1922)

  • Попугай ваза Рене Лалика (1922)

  • Украшение капота Виктуар к Рене Лалик (1928)

  • А Даум ваза со скульптурным виноградом (1925)

  • Окно для офиса сталелитейного завода Луи Мажореля (1928)

  • Даум ваза (1930–35)

  • Витражи на Амьенский собор к Жан Годен (1932-34)

Как и период ар-нуво до него, ар-деко был исключительным периодом для прекрасного стекла и других декоративных предметов, приспособленных к их архитектурному окружению. Самым известным производителем стеклянных предметов был Рене Лалик, работы которого, от ваз до украшений капотов для автомобилей, стали символами того времени. Перед Первой мировой войной он занимался изготовлением стекла, создавая флаконы для духов Франсуа Коти, но он начал серьезное производство художественного стекла только после Первой мировой войны. В 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил большой стекольный завод в Комб-ла-Виль и начал производить как художественные, так и практические изделия из стекла. Он рассматривал стекло как форму скульптуры и создавал статуэтки, вазы, чаши, лампы и украшения. Он использовал полукристалл, а не кристалл свинца, который был мягче и легче формировался, хотя и не был таким блестящим. Иногда он использовал цветное стекло, но чаще использовал опалесцирующее стекло, где часть или вся внешняя поверхность была окрашена смывкой. Lalique предоставила декоративные стеклянные панели, светильники и стеклянные потолки с подсветкой для океанских лайнеров. SSИль-де-Франс в 1927 г. и СС Normandie в 1935 году и для некоторых первоклассных спальных вагонов французских железных дорог. На выставке декоративного искусства 1925 года у него был собственный павильон, он спроектировал столовую со столом и подходящим стеклянным потолком для павильона Севр, а также спроектировал стеклянный фонтан для внутреннего двора Cours des Métier, тонкую стеклянную колонну, которая с боков хлынула вода, ночью светилась.[123]

Среди других известных производителей стекла в стиле ар-деко был Мариус-Эрнест Сабино, который специализировался на фигурках, вазах, чашах и стеклянных скульптурах рыб, обнаженных тел и животных. Для этого он часто использовал опалесцирующее стекло, которое могло меняться от белого до синего и янтарного, в зависимости от света. На его вазах и чашах были лепные фризы с изображениями животных, обнаженных тел или бюстов женщин с фруктами или цветами. Его работы были менее тонкими, но более красочными, чем у Лалика.[123]

Среди других известных дизайнеров стекла Deco были Эдмонд Этлинг, который также использовал яркие опалесцирующие цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурными элементами обнаженной натуры; Альбер Симоне, Аристид Колотт и Морис Марино, который был известен своими скульптурными бутылками и вазами с глубокой гравировкой. Фирма Даум из города Нэнси, которая была известна своим стеклом в стиле ар-нуво, произвела линию ваз в стиле деко и стеклянных скульптур, твердых, геометрических и массивных по форме. Более нежные разноцветные работы выполнены Габриэль Арги-Руссо, который создавал изящно раскрашенные вазы со скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Декершемон, чьи вазы были с полосами и мрамором.[123]

Великая депрессия разрушила большую часть индустрии декоративного стекла, которая зависела от богатых клиентов. Некоторые художники обратились к оформлению витражей для церквей. В 1937 г. Steuben Стекольная компания начала практику заказа по заказу известных художников для производства посуды.[123] Луи Мажорель, известный своей мебелью в стиле модерн, спроектировал замечательный витраж в стиле ар-деко с изображением рабочих-металлистов для офисов Aciéries de Longwy сталелитейный завод в Лонгви, Франция.

Амьенский собор имеет редкий образец витражей в стиле ар-деко в часовне Святого Сердца, созданный в 1932-34 годах парижским художником по стеклу. Жан Годен по рисункам Жака Ле Бретона.[124]

Металлическое искусство

  • Гриль с двумя крыльями называется Фазаны, созданный Полом Киссом и представленный на Выставке декоративно-промышленного искусства 1925 года.

  • Железный и медный гриль называется Оазис Эдгара Брандта, представленный на Парижской выставке 1925 года.

  • Настольное зеркало Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (ок. 1930)

  • Коктейльный набор из хромированной стали от Норман Бел Геддес (1937)

Художники ар-деко создали широкий спектр практических предметов в стиле ар-деко, сделанных из промышленных материалов от традиционного кованого железа до хромированной стали. Американский художник Норман Бел Геддес разработала коктейльный набор в виде небоскреба из хромированной стали. Раймонд Субес разработал элегантную металлическую решетку для входа во Дворец Порт-Доре, центральный элемент Парижской колониальной выставки 1931 года. Французский скульптор Жан Данан изготовил великолепные двери на тему «Охота», покрытые сусальным золотом и расписанные по гипсу (1935 г.).[125]

Анимация

Графика и образы ар-деко использовались во многих анимационные фильмы включая Бэтмен, Ночной капюшон, Все на ярмарке, Веселые манекены, Пейдж Мисс Слава, Фантазия и Спящая красавица.[126]

Архитектура ар-деко во всем мире

Архитектура ар-деко зародилась в Европе, но к 1939 году образцы были в крупных городах на всех континентах и ​​почти во всех странах. Это подборка выдающихся зданий на каждом континенте. (Полный список существующих зданий по странам см. Список архитектуры ар-деко.)

Африка

Смотрите также: Список архитектуры ар-деко § Африка

Большинство зданий в стиле ар-деко в Африке были построены во время европейского колониального правления и часто проектировались итальянскими и французскими архитекторами.

Азия

Смотрите также: Список архитектуры ар-деко § Азия

Многие здания в стиле ар-деко в Азии были спроектированы европейскими архитекторами.Но на Филиппинах местные архитекторы, такие как Хуан Накпил, Хуан Арельяно и другие были выдающимися. Многие достопримечательности в стиле ар-деко в Азии были снесены во время великой экономической экспансии Азии в конце 20-го века, но некоторые известные архитектурные анклавы все еще остаются, особенно в Шанхай и Мумбаи.

Австралия и Новая Зеландия

Смотрите также: Список зданий ар-деко в Сиднее, Список зданий в стиле ар-деко в Мельбурне, Список зданий в стиле ар-деко в Тасмании, Список зданий в стиле ар-деко в Перте, и Список архитектуры ар-деко § Океания

В Мельбурне и Сиднее, Австралия, есть несколько известных зданий в стиле ар-деко, в том числе Здание Манчестерского единства и бывший Штаб-квартира полиции Рассел-стрит в Мельбурне, Художественный музей Каслмейн в Castlemaine, центральная Виктория и Здание Грейс, AWA Tower и Мемориал Анзака в Сиднее.

Несколько городов Новой Зеландии, в том числе Napier и Гастингс были перестроены в стиле ар-деко после 1931 г., землетрясение в Хокс-Бей., и многие здания были защищены и отреставрированы. Напье номинирован на ЮНЕСКО Объект всемирного наследия status, первый культурный объект Новой Зеландии, который будет номинирован.[128][129] Веллингтон сохранил значительное количество зданий в стиле ар-деко.[130]

Канада, Мексика и США

Смотрите также: Список архитектуры ар-деко § Северная Америка, Список архитектуры ар-деко § США, и Ар-деко в США

В Канаде сохранившиеся постройки в стиле ар-деко находятся в основном в крупных городах; Монреаль, Торонто, Гамильтон, Онтарио, и Ванкувер. Они варьируются от общественных зданий, таких как Мэрия Ванкувера в коммерческие здания (College Park ) на общественные работы (Станция очистки воды Р. К. Харриса ).

В Мексика, самый впечатляющий пример ар-деко - интерьер Palacio de Bellas Artes (Дворец изящных искусств), законченный в 1934 году, с его изысканным декором и фресками. Примеры жилой архитектуры ар-деко можно найти в Condesa окрестности, многие из которых спроектированы Франсиско Х. Серрано.

В Соединенных Штатах здания в стиле ар-деко можно найти от побережья до побережья во всех крупных городах. Наиболее широко он использовался для офисных зданий, вокзалов, терминалов аэропортов и кинотеатров; жилые дома встречаются редко. В 1920-1930-е годы архитекторы Юго-запад США, особенно в штате США Нью-Мексико, в сочетании Возрождение пуэбло с ар-деко для создания Пуэбло Деко, как видно на KiMo Theater в Альбукерке. В 1930-х годах стал популярен более строгий обтекаемый стиль. Многие здания были снесены в период между 1945 и концом 1960-х годов, но затем начались попытки защитить лучшие образцы. Город Майами-Бич учредил Архитектурный район Майами-Бич чтобы сохранить красочную коллекцию найденных здесь построек в стиле ар-деко.

Центральная Америка и Карибский бассейн

Смотрите также: Список архитектуры ар-деко § Центральная Америка / Карибский бассейн
Типовой план этажа здания Лопес Серрано

Здания в стиле ар-деко можно найти по всей Центральной Америке. Особенно богатый

коллекция находится в Куба, построенный в основном для большого количества туристов, приехавших на остров из США. Одно из таких зданий - Лопес Серрано построен между 1929 и 1932 годами в Ведадо раздел Гавана.

Европа

Смотрите также: Ар-деко в Париже и Список архитектуры ар-деко § Европа

Архитектурный стиль впервые появился в Париже в Театре Елисейских полей (1910–1913) Огюста Перре, но затем быстро распространился по Европе, пока образцы не можно было найти почти в каждом большом городе, от Лондона до Москвы. В Германии в 20-30-е годы процветали две разновидности ар-деко: Neue Sachlichkeit стиль и Экспрессионистская архитектура. Известные примеры включают Mossehaus Эриха Мендельсона и Шаубюне театр в Берлин, Фриц Хёгер с Chilehaus в Гамбург и его Kirche am Hohenzollernplatz в Берлине, башня Анцайгер в Ганновер и Башня Борсиг в Берлине.[132]

Одно из крупнейших зданий в стиле ар-деко в Западной Европе - Базилика Святого Сердца в Кукельберге, Брюссель. В 1925 году архитектор Альберт ван Хаффель получил Гран-при в области архитектуры за свою масштабную модель базилики на Международной выставке декоративного искусства и современной промышленности в Париже.[133]

В Испании и Португалии есть несколько ярких примеров зданий в стиле ар-деко, особенно кинотеатры. Примеры в Португалии - театр Capitólio (1931) и Éden Cine-Theater (1937) в Лиссабон, то Театр Риволи (1937) и Колизеу (1941) в Порту и Театр Розы Дамаскено (1937) в Сантарен. Примером в Испании является Cine Rialto в Валенсии (1939).

В 1930-х годах ар-деко оказал заметное влияние на дизайн домов в Соединенном Королевстве.[59] а также дизайн различных общественных зданий.[77] Прямые, выкрашенные в белый цвет фасады домов, переходящие в плоские крыши, резко геометрические дверные рамки и высокие окна, а также выпукло-изогнутые металлические угловые окна - все это было характерно для того периода.[78][134][135]


В Лондонское метро славится множеством образцов архитектуры ар-деко,[136] и есть несколько построек этого стиля, расположенных вдоль Золотая Миля в Брентфорде. Также в Западном Лондоне находится здание Гувера, которое первоначально было построено для Компания Гувера и был преобразован в супермаркет в начале 1990-х годов.

Бухарест, РумынияБухарест, когда-то известный как «Маленький Париж» 19-го века, после Первой мировой войны отправляется в новое приключение, вместе с новыми тенденциями и прогрессом технологий, тем самым перенаправляя свое вдохновение на новый горизонт - Нью-Йорк. 1930-е годы приносят новую моду, привнесенную новым поколением, которая отражается в кино, театре, танцевальных стилях, искусстве и архитектуре. Бухарест в 1930-е годы был отмечен все большим количеством архитектуры ар-деко, от больших бульваров, таких как улица Магеру, до частных домов и небольших кварталов. Одной из первых достопримечательностей современного Бухареста считается Дворец телефонов, который станет первым небоскребом города. Это было самое высокое здание в период с 1933 по 1970 годы, его высота составляла 52,5 метра. Архитекторами были Луи Уикс и Эдмонд Ван Заанен, а также инженер Вальтер Трой. Памятники в стиле ар-деко являются важной частью всего характера Бухареста, поскольку они описывают и отмечают важный исторический период, межбелельную жизнь (Первая мировая война). К сожалению, большинство построек тех лет подвержены катастрофам, Бухаресту грозит еще одно землетрясение, очень обычное для его географического региона. Поистине важно защитить наследие ар-деко в Бухаресте и сохранить еще одну великую и важную столицу ар-деко из Европы.[137]

Индия

Смотрите также: Ар-деко в Мумбаи

Индийский институт архитекторов, основанный в Мумбаи в 1929 году, сыграл видную роль в пропаганде движения ар-деко. В ноябре 1937 года этот институт организовал «Выставку идеального дома» в ратуше Мумбаи, которая длилась более 12 дней и привлекла около ста тысяч посетителей. В результате он был признан успешным Журналом Индийского института архитекторов. Экспонаты продемонстрировали «идеальные», или, лучше сказать, самые «современные» устройства для различных частей дома, с уделением особого внимания деталям, чтобы избежать архитектурных ошибок и представить наиболее эффективные и хорошо продуманные модели. Выставка была посвящена различным элементам дома, начиная от мебели и элементов внутренней отделки, а также до радиоприемников и холодильников, с использованием новых и научно значимых материалов и методов.[138]Руководствуясь желанием подражать западу, индийские архитекторы были очарованы индустриальной современностью, которую предлагал ар-деко.[138] Западные элиты были первыми, кто экспериментировал с технологически продвинутыми аспектами ар-деко, и архитекторы начали процесс трансформации к началу 1930-х годов.[138]

Расширение портовой торговли Мумбаи в 1930-е годы привело к росту образованного среднего класса. Также наблюдалось увеличение числа людей, мигрирующих в Мумбаи в поисках работы. Это привело к острой необходимости в новых разработках с помощью схем мелиорации земель и строительства новых общественных и жилых зданий.[139] Параллельно с этим меняющийся политический климат в стране и вдохновляющее качество эстетики ар-деко привели к безоговорочному принятию стиля здания в развитии города. Большинство зданий этого периода можно увидеть разбросанными по городским кварталам в таких районах, как Черчгейт, Колаба, Форт, Мохаммед Али-роуд, Кумбала-Хилл, Дадар, Матунга, Бандра и Чембур.[140][141]

Южная Америка

Смотрите также: Список архитектуры ар-деко § Южная Америка

Ар-деко в Южной Америке присутствует, особенно в странах, которые подверглись большой волне иммиграции в первой половине 20-го века, с заметными работами в их самых богатых городах, таких как Сан-Паулу и Рио-де-Жанейро в Бразилия и Буэнос-Айрес в Аргентина. Дом Кавана в Буэнос айрес (1934), Санчес, Лагос и де ла Торре, было самым высоким железобетонным сооружением, когда оно было завершено, и ярким примером стиля позднего ар-деко.

Сохранение и нео-ар-деко

Во многих городах были предприняты усилия, чтобы защитить оставшиеся здания в стиле ар-деко. Во многих городах США исторические кинотеатры в стиле ар-деко сохранились и превратились в культурные центры. Еще более скромные здания в стиле ар-деко были сохранены как часть архитектурного наследия Америки; Кафе в стиле ар-деко и заправочная станция вдоль шоссе 66 в Шемроке, штат Техас, являются историческим памятником. Архитектурный район Майами-Бич защищает несколько сотен старых зданий и требует, чтобы новые здания соответствовали стилю. В Гавана На Кубе многие постройки в стиле ар-деко сильно обветшали. Ведутся работы по возвращению зданиям их первоначального цвета и внешнего вида.

В 21 веке современные варианты ар-деко, называемые нео-ар-деко (или нео-ар-деко), появились в некоторых американских городах, вдохновленные классическими зданиями в стиле ар-деко 1920-х и 1930-х годов.[142] Примеры включают NBC Tower в Чикаго, вдохновленный 30 Rockefeller Plaza в Нью-Йорке; и Центр исполнительских искусств Смита в Лас-Вегасе, штат Невада, который включает элементы ар-деко от Плотина Гувера, в пятидесяти милях отсюда.[142][143][144][145]

Галерея

Смотрите также

См. Также: категории Архитектура ар-деко, Корабли в стиле ар-деко, Скульптуры и памятники ар-деко, Архитекторы ар-деко, Художники ар-деко, Дизайнеры ар-деко, и Скульпторы ар-деко.

Рекомендации

  1. ^ Texier 2012, п. 128.
  2. ^ а б Хиллиер 1968, п. 12.
  3. ^ а б Бентон и др. 2003 г., п. 16.
  4. ^ Рено, Кристоф и Лазе, Кристоф, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), редакции Жан-Поль Жиссеро, страницы 110–116
  5. ^ Бентон, Бентон и Вуд и Арт-деко (1910–1939) 2010 С. 13–28.
  6. ^ "M. Cunny présente une Note sur un procédé vitro-héliographique применимых aux arts décoratifs", Bulletin de la Société Française de Photography, Société Française de Photography. Издатель: Société française de Photography (Париж), 1858 г., Национальная библиотека Франции, департамент наук и технологий, 8-V-1012
  7. ^ "Enfin, dans les ateliers, on travaille à l'achèvement des objets d'art décoratifs, qui sont très nombreux", Le Figaro, Editeur: Figaro (Париж), 1869-09-18, вып. 260, Национальная библиотека Франции
  8. ^ L'Art décoratif à Limoges, Провинция Ла-Вуа-де-ла: Revue littéraire, artistique, Agricole et commerciale, 1862 г., (1862/04/01 (N1) -1863/01/01 (N12)), Bibliothèque francophone multimédia de Limoges, 2013-220524, Bibliothèque nationale de France
  9. ^ Revue des Arts décoratifs (Париж), 1880–1902 гг., Национальная библиотека Франции, Департамент науки и техники, 4-V-1113
  10. ^ Ле Корбюзье, L'Art décoratif d'aujourd'hui, & Éditions Crès, Коллекция "L'Esprit Nouveau", Париж, 1925 г., п. 70-81.
  11. ^ Les années "25": арт-деко, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. (На французском). Musée des Arts décoratifs. 1966 г.
  12. ^ Давид Райзман; Карма Горман (2009). Объекты, аудитории и литература: альтернативные повествования в истории дизайна. Издательство Кембриджских ученых. п. 131. ISBN  978-1-4438-0946-7.
  13. ^ Ричард Пулин (2012). Графический дизайн и архитектура, История 20-го века: Руководство по шрифтам, изображениям, символам и визуальному повествованию в современном мире. Издательство Rockport. п. 85. ISBN  978-1-61058-633-7.
  14. ^ Бентон и др. 2003 г., п. 430.
  15. ^ Хиллер, Бевис (1971). Мир ар-деко: выставка, организованная Институтом искусств Миннеаполиса, июнь – сентябрь 1971 г.. E.P. Даттон. ISBN  978-0-525-47680-1.
  16. ^ Бентон, Шарлотта, Бентон, Тим, Вуд, Гислен, Art Déco dans le monde - 1910–39, 2010, Renaissance du Livre, ISBN  9782507003906, страницы 16-17
  17. ^ Бентон 2002 С. 165–170.
  18. ^ Метрополитен Ревью, Том 2, Публикации Метрополитен Пресс, 1989, стр. 8
  19. ^ а б Кэмпбелл, Гордон, Энциклопедия декоративного искусства Grove, Oxford University Press, США, 9 ноября 2006 г., стр. 42 (Вера), 43 (Картье), 243 (Кристофль), 15, 515, 527 (Лалик), 13, 134 (Бушерон), ISBN  0195189485
  20. ^ Осенний салон 2012, каталог выставки
  21. ^ а б Кэмпбелл, Гордон, Энциклопедия декоративного искусства Grove, Oxford University Press, США, 9 ноября 2006 г., стр. 42-43 ISBN  0195189485
  22. ^ Лоран, Стефан, "L'artiste décorateur", в Ар-деко, 1910–1939 гг. Шарлотта Бентон, Тим Бентон и Гислен Вуд (2002), Renaissance du Livre, страницы 165–171
  23. ^ Тексье, Саймон, Арт-деко (2019), стр. 5-7
  24. ^ Кабан 1986, п. 225.
  25. ^ а б Бевис Хиллиер, Стиль века, 1900-1980 гг., Даттон, Нью-Йорк, 1983, стр. 62, 67, 70.
  26. ^ Питер Коллинз, Бетон: видение новой архитектуры, Нью-Йорк: Horizon Press, 1959.
  27. ^ Пуассон 2009 С. 318–319.
  28. ^ Описательный текст на выставке декоративно-прикладного искусства в Musée d'Orsay, Париж
  29. ^ а б Арвас 1992, п. 51-55.
  30. ^ а б c d е ж Виктор Арвас, Фрэнк Рассел, Арт-деко, издатель Гарри Н. Абрамс. Inc. New York, 1980, стр. 21, 52, 85, 171-184, 197-198], ISBN  0-8109-0691-0
  31. ^ а б c d Аластер Дункан, Энциклопедия ар-деко, иллюстративное руководство по декоративному стилю 1920-1939 гг., Э. Даттон, Нью-Йорк, 1988 г., Пп. 46-47, 71, 73, 76, 82, 130
  32. ^ а б Элис Макрелл, Поль Пуаре, Холмс и Мейер, Нью-Йорк, 1990 г., стр.16, 56
  33. ^ Дункан, Аластер (2009). Art Deco Complete: полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов. Абрамс. ISBN  978-0-8109-8046-4.
  34. ^ Эрле Лоран (1963). Композиция Сезанна: анализ его формы, со схемами и фотографиями его мотивов. Калифорнийский университет Press. п. 9. ISBN  978-0-520-00768-0.
  35. ^ а б c d е ж грамм час Госс, Джаред. «Французский ар-деко». Метрополитен-музей. Получено 29 августа 2016.
  36. ^ Золотая секция, 1912-1920-1925 гг., Сесиль Дебре, Франсуаза Люкбер, Musées de Châteauroux, Musée Fabre, каталог выставки, Éditions Cercle d'art, Париж, 2000
  37. ^ Андре Вера, Стиль Le Nouveau, опубликовано в L'Art décoratif, январь 1912 г., стр. 21–32.
  38. ^ Ева Блау, Нэнси Дж. Трой, "The Maison Cubiste и значение модернизма во Франции до 1914 г. », в Архитектура и кубизм, Монреаль, Кембридж, Массачусетс, Лондон: Пресс-центр MIT Canadien d'Architecture, 1998, стр. 17–40, ISBN  0-262-52328-0
  39. ^ Нэнси Дж. Трой, Модернизм и декоративное искусство во Франции: от ар-нуво до Ле Корбюзье, Нью-Хейвен, Коннектикут, и Лондон: Издательство Йельского университета, 1991, стр. 79–102, ISBN  0-300-04554-9
  40. ^ Сайт "Портреты архитекторов - Андре Маре" в Cité de l'Architecture et du Patrimoine (на французском языке)
  41. ^ Кристофер Грин (2000). «Глава 8, Современные пространства; современные объекты; современные люди». Искусство во Франции, 1900–1940 гг.. Издательство Йельского университета. п. 161. ISBN  978-0-300-09908-9.
  42. ^ Андре Маре, Салон Буржуа, Осенний салон, Литературный дайджест, Гибель античности, 30 ноября 1912 г., стр. 1012]
  43. ^ Солнце (Нью-Йорк, Нью-Йорк), 10 ноября 1912 г. Хроники Америки: исторические американские газеты. Lib. Конгресса
  44. ^ Бен Дэвис, «Кубизм» в Метрополитене: современное искусство, которое выглядит трагически античным », Выставка: «Кубизм: Коллекция Леонарда А. Лаудера», Музей Метрополитен, Новости ArtNet, 6 ноября 2014 г.]
  45. ^ La Maison Cubiste, 1912 год. В архиве 13 марта 2013 г. Wayback Machine
  46. ^ Арвас 1992, п. 52.
  47. ^ а б Арвас 1992, п. 54.
  48. ^ Kubistische werken op de Armory Show
  49. ^ Деталь Дюшана-Вийона Архитектурный фасад, каталожный номер 609, неопознанный фотограф, 1913 год. Уолт Кун, документы семьи Куна и записи Armory Show, 1859–1984, пачка 1900–1949. Архив американского искусства, Смитсоновский институт
  50. ^ "Каталог международной выставки современного искусства: Оружейная палата Шестьдесят девятой пехоты, 1913 год., Дюшан-Вийон, Раймонд, Фасад Архитектурный
  51. ^ Грин, Кристофер (2000). Лестница Жозефа Чаки в доме Жака Дусе. ISBN  0300099088. Получено 18 декабря 2012.
  52. ^ Aestheticus Rex (14 апреля 2011 г.). "Студия Жака Дусе Сент-Джеймс в Нейи-сюр-Сен". Aestheticusrex.blogspot.com.es. Получено 18 декабря 2012.
  53. ^ Имбер, Дороти (1993). Модернистский сад во Фрэнсис. ISBN  0300047169. Получено 18 декабря 2012.
  54. ^ Балас, Эдит (1998). Йозеф Чаки: пионер современной скульптуры. Американское философское общество. п.5. ISBN  9780871692306. Получено 18 декабря 2012.
  55. ^ Арвас 1982, п. 70.
  56. ^ Ричард Харрисон Мартин, Кубизм и мода, Метрополитен-музей (Нью-Йорк, Нью-Йорк), 1998, стр. 99, ISBN  0870998889
  57. ^ Эжен Грассе (1905). "Méthode de Composition Ornementale, Éléments rectilignes" (На французском). Librarie Centrale des Beaux-Arts, Париж. Получено 18 декабря 2012 - через Галлику.
  58. ^ Эжен Грассе (1905). "Méthode de Ornementale" (на французском языке) (опубликовано 10 марта 2001 г.). Получено 18 декабря 2012.
  59. ^ а б c d «Стиль ар-деко». Лондонский музей. Архивировано из оригинал 7 февраля 2008 г.. Получено 6 ноября 2008.
  60. ^ Вуд, Гислен (2003). Существенный ар-деко. Лондон: VA&A Publications. ISBN  0-8212-2833-1.
  61. ^ а б Хауффе, Томас (1998). Дизайн: краткая история (1-е изд.). Лондон: Лоуренс Кинг.
  62. ^ «Учебное пособие по ар-деко». Музей Виктории и Альберта. В архиве из оригинала 25 октября 2008 г.. Получено 1 ноября 2008.
  63. ^ Джастер, Рэнди. «Введение в ар-деко». decopix.com. Архивировано из оригинал 29 октября 2008 г.. Получено 7 ноября 2008.
  64. ^ «Как возник ар-деко». University Times. Университет Питтсбурга. 36 (4). 9 октября 2003 г.
  65. ^ Джироусек, Шарлотта (1995). «Искусство, дизайн и визуальное мышление». В архиве из оригинала 2 декабря 2008 г.. Получено 7 ноября 2008.
  66. ^ Дункан 1988, п. 8-10.
  67. ^ Дункан 1988 С. 7–8.
  68. ^ Арвас 1992, п. 82.
  69. ^ Арвас 1992, п. 77.
  70. ^ Чарльз 2013 С. 35–104.
  71. ^ Джон Берчард и Альберт Буш Браун, Архитектура Америки (1966), Atlantic, Little and Brown, стр. 277
  72. ^ Бентон 202 С. 249–258.
  73. ^ Морель 2012 С. 125–30.
  74. ^ Ле Корбюзье, Версионная архитектура, Фламмарион, переиздан в 1995 г., стр. Xix
  75. ^ Он-лайн издание энциклопедии Ларусса (на французском языке)
  76. ^ Дункан 1988, п. 8.
  77. ^ а б Упал, Шарлотта; Упал, Питер (2006). Справочник по дизайну: концепции, материалы и стили (1-е изд.). Taschen.
  78. ^ а б Хайндорф, Анна (24 июля 2006 г.). «Ар-деко (1920-1930-е годы)». Архивировано из оригинал 7 февраля 2008 г.. Получено 6 ноября 2008.
  79. ^ Гонт, Памела (август 2005 г.). «Декоративность в искусстве двадцатого века: история упадка и возрождения» (PDF). Архивировано из оригинал (PDF) 17 декабря 2008 г.
  80. ^ Луи Рене Виан, Les Arts décoratifs à bord des paquebots français, Издательство Fonmare, 1992 г.
  81. ^ Блондель, Ален (1999). Тамара де Лемпицка: Резонный каталог 1921–1980 гг.. Лозанна: Издания Acatos.
  82. ^ Бальфур, Алан (1978). Рокфеллер-центр: архитектура как театр. McGraw-Hill, Inc., стр. 311, ISBN  978-0-070-03480-8
  83. ^ "Критика Арчибальда Маклиша". Enotes.com. Получено 8 декабря 2011.
  84. ^ "Городской колледж Сан-Франциско: роспись Риверы - Сан-Франциско, Калифорния". Живая новая сделка. Департамент географии, Калифорнийский университет в Беркли. Получено 15 июн 2015.
  85. ^ Аткинс, Роберт (1993). ArtSpoke: Путеводитель по современным идеям, движениям и модным словечкам, 1848–1944. Abbeville Press. ISBN  978-1-55859-388-6.
  86. ^ "Проект восстановления произведений искусства" Администрация прогресса работ (WPA) ". Офис генерального инспектора, Управление общих служб. Архивировано из оригинал 19 сентября 2015 г.. Получено 13 июн 2015.
  87. ^ Арвас 1992 С. 165–66.
  88. ^ Ева Вебер, Арт-деко в Америке, Exeter Books, 1985, стр. 32, ISBN  0671808044
  89. ^ Дункан, Алистер, Арт-деко, п. 121-141
  90. ^ Дункан, Арт-деко (1988), стр. 140
  91. ^ Арвас 1992 С. 141–163.
  92. ^ Брайан Кэтли, Деко и другие бронзы, стр. 203–209, ISBN  978-1851493821
  93. ^ Кьельберг, Пьер (1994). Бронзы XIX века (Первое изд.). Атглен, Пенсильвания: Schiffer Publishing, Ltd. стр. 551. ISBN  0-88740-629-7.
  94. ^ Эдит Балас, 1998 г., Джозеф Чаки: пионер современной скульптуры, Филадельфия: Американское философское общество
  95. ^ Пол Ирибе, Одежды Поля Пуаре, 1908
  96. ^ а б Дункан 1988 С. 148–150.
  97. ^ Пуассон, 2009 г. и стр. 299 и 318.
  98. ^ Слива 2014, п. 134.
  99. ^ Ардман, стр. 86-87.
  100. ^ а б Дункан 1988 С. 198–200.
  101. ^ Дункан 1988 С. 197–199.
  102. ^ Дункан 1988, п. 197.
  103. ^ Пояснительный текст по ар-деко в Музее декоративного искусства, Париж
  104. ^ Дункан 1988, п. 250.
  105. ^ Бентон 2002 С. 91–93.
  106. ^ Арвас 1992, п. 51.
  107. ^ Дункан 1988, п. 15.
  108. ^ Арвас 1992, п. 56.
  109. ^ Дункан 1988 С. 18–19.
  110. ^ Александра Гриффит Винтон, Дизайн, 1925–50. Метрополитен-музей, Хейльбрунн Хронология истории искусств, октябрь 2008 г.
  111. ^ Дункан 1988, п. 36.
  112. ^ Купер, Дэн (ноябрь 2011 г.). «Мебель эпохи джаза». Интерьеры Старого Дома. Уильям Дж. О'Доннелл. 7 (6): 42.
  113. ^ Гартман, Дэвид (1994). Авто Опиум. Рутледж. С. 122–124. ISBN  978-0-415-10572-9.
  114. ^ «Кривые стали: обтекаемый автомобильный дизайн». Художественный музей Феникса. 2007 г.. Получено 1 сентября 2010.
  115. ^ Арми, К. Эдсон (1989). Искусство американского автомобильного дизайна. Издательство Пенсильванского государственного университета. п. 66. ISBN  978-0-271-00479-2.
  116. ^ Хинкли, Джеймс (2005). Большая книга автомобильной культуры: кресло-гид по автомобильной Америке. MotorBooks / MBI Publishing. п. 239. ISBN  978-0-7603-1965-9.
  117. ^ Де Моран, Генри, Histoire des Arts décoratifs (1970), стр. 448-453
  118. ^ а б Белтра, Рубио, Изучение ар-деко в текстиле и модном дизайне, 20 декабря 2016, Сайт Метрополитен-музей
  119. ^ а б c d Музей Метрополитен - Специальные выставки: Пуаре: король моды
  120. ^ Хортон, Рос; Симмонс, Салли (2007). Женщины, которые изменили мир. Quercus. п. 103. ISBN  978-1847240262. Получено 8 марта 2011.
  121. ^ а б Арвас 1992 С. 121–123.
  122. ^ а б c Арвас 1992, стр.125.
  123. ^ а б c d Арвас 1992 С. 245–250.
  124. ^ Plagnieux 2003, п. 82.
  125. ^ Дункан 1988 С. 71–81.
  126. ^ «Арт-деко в анимационной презентации». Cartoon Brew. 4 марта 2008 г.
  127. ^ Денисон, Эдвард (2007). Путеводитель Bradt: Эритрея. Брэдт. п. 112. ISBN  978-1-84162-171-5.
  128. ^ «Землетрясение Нэпие». Artdeconapier.com. 3 февраля 1931 г. Архивировано с оригинал 6 июля 2010 г.. Получено 8 июля 2010.
  129. ^ «Дом - Art Deco Trust». Artdeconapier.com. В архиве из оригинала 30 июня 2010 г.. Получено 8 июля 2010.
  130. ^ «Маршрут наследия ар-деко» (PDF). wellington.gov.nz. Получено 22 февраля 2016.
  131. ^ "Тернер, профессор Дэвид Уоррен (родился 16 июля 1927 г.), член Баллиол-колледжа, Оксфорд, 1967–94, ныне почетный член; профессор электронной спектроскопии, Оксфорд, 1985–94, ныне почетный профессор", Кто есть кто, Oxford University Press, 1 декабря 2007 г., Дои:10.1093 / ww / 9780199540884.013.38212
  132. ^ Джеймс, Кэтлин (1997). Эрих Мендельсон и архитектура немецкого модернизма. Издательство Кембриджского университета. ISBN  9780521571685.
  133. ^ "Базилика Святого Сердца, Кукельберг". Basilicakoekelberg.be. 8 марта 2011 г.. Получено 7 декабря 2012.
  134. ^ «Здания в стиле ар-деко». london-footprints.co.uk. 2007 г. В архиве из оригинала 11 декабря 2008 г.. Получено 6 ноября 2008.
  135. ^ «Ар-деко во Фринтоне на море». Классика ар-деко. 2006. Архивировано с оригинал 1 декабря 2008 г.. Получено 6 ноября 2008.
  136. ^ «Четыре программы - иконы ар-деко». BBC. 14 ноября 2009 г.. Получено 8 июля 2010.
  137. ^ https://artdecobucharest.ro/
  138. ^ а б c Пракаш, Гьян (2010). Басни Мумбаи. Издательство Принстонского университета. п. 99. ISBN  9780691142845.
  139. ^ Шарада., Двиведи (1995). Бомбей: города внутри. Мехротра, Рахул., Мулла-Ферозе, Умайма. Мумбаи: Индийский книжный дом. ISBN  818502880X. OCLC  33153751.
  140. ^ Шарада., Двиведи (2008). Бомбей-Деко. Мехротра, Рахул, Гобхай, Ношир. Мумбаи: Eminence Designs. ISBN  978-8190382151. OCLC  300923025.
  141. ^ «Инвентарь | Ар-деко». www.artdecomumbai.com. Получено 10 января 2018.
  142. ^ а б Барбара Б. Кэпитман, Заново открывая ар-деко в США, Книги Студии Викинга, 1994, стр. 52, ISBN  0525934421
  143. ^ Schwarz Architects о Центре Смита
  144. ^ [1] В архиве 24 марта 2010 г. Wayback Machine
  145. ^ Ваше имя здесь (24 января 2013 г.). «Часто задаваемые вопросы (FAQ) - Центр исполнительских искусств Смита». Thesmithcenter.com. Архивировано из оригинал 2 мая 2015 г.. Получено 23 марта 2013.

Библиография

  • Арвас, Виктор (1992). Арт-деко. Гарри Н. Абрамс Inc. ISBN  0-8109-1926-5.
  • Байер, Патрисия (1999). Архитектура ар-деко: дизайн, оформление и детали из двадцатых и тридцатых годов. Темза и Гудзон. ISBN  978-0-500-28149-9.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Бентон, Шарлотта; Бентон, Тим; Вуд, Гислен; Баддели, Ориана (2003). Ар-деко: 1910–1939 гг.. Bulfinch. ISBN  978-0-8212-2834-0.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Блондель, Ален (1999). Тамара де Лемпицка: Резонный каталог 1921–1980 гг.. Лозанна: Издания Acatos.
  • Бриз, Карла (2003). Американский ар-деко: модернистская архитектура и регионализм. W. W. Norton. ISBN  978-0-393-01970-4.
  • Чарльз, Виктория (2013). Арт-деко. Parkstone International. ISBN  978-1-84484-864-5.
  • Де Моран, Генри (1970). Histoire des Arts décoratifs (На французском). Ашетт.
  • Ducher, Rpbert (2014). La charactéristique des styles (На французском). Фламмарион. ISBN  978-2-0813-4383-2.
  • Дункан, Аластер (1988). Арт-деко. Темза и Гудзон. ISBN  2-87811-003-X.
  • Дункан, Аластер (2009). Art Deco Complete: полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов. Абрамс. ISBN  978-0-8109-8046-4.
  • Галлахер, Фиона (2002). Christie's Art Deco. Павильон Книги. ISBN  978-1-86205-509-4.
  • Хиллер, Бевис (1968). Ар-деко 20-х и 30-х годов. Студия Vista. ISBN  978-0-289-27788-1.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Ле Корбюзье (1996). L'Art Decoratif Aujourd'hui (На французском). Фламмарион. ISBN  978-2-0812-2062-1.
  • Лонг, Кристофер (2007). Пол Т. Франкл и современный американский дизайн. Издательство Йельского университета. ISBN  978-0-300-12102-5.
  • Люси-Смит, Эдвард (1996). Искусство Арт Деко. Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-3576-1.
  • Рэй, Гордон Н. (2005). Танселл, Г. Томас (ред.). Книга ар-деко во Франции. Библиографическое общество Университета Вирджинии. ISBN  978-1-883631-12-3.
  • Леманн, Нильс (2012). Раухут, Кристоф (ред.). Лондонский стиль модернизма. Хирмер. ISBN  978-3-7774-8031-2.
  • Морель, Гийом (2012). Арт-деко (На французском). Éditions Place des Victoires. ISBN  978-2-8099-0701-8.
  • Окроян, Мкртич (2008–2011). Скульптура ар-деко: от корней к процветанию (том 1, 2) (на русском). Русский художественный институт. ISBN  978-5-905495-02-1.
  • Plagnieux, Филипп (2003). Собор Нотр-Дам д'Амьен (На французском). Éditions du Patrimoine, Центр национальных памятников. ISBN  978-27577-0404-2.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Слива, Джайлз (2014). Архитектура Парижа Belle Epoque (На французском). Париграмма. ISBN  978-2-84096-800-9.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Пуассон, Мишель (2009). 1000 Immeubles и памятников Парижа (На французском). Париграмма. ISBN  978-2-84096-539-8.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Сэвидж, Ребекка Бинно; Ковальски, Грег (2004). Ар-деко в Детройте (Образы Америки). Аркадия. ISBN  978-0-7385-3228-8.
  • Texier, Саймон (2012). Париж: панорама архитектуры (На французском). Париграмма. ISBN  978-2-84096-667-8.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Тексье, Саймон (2019). Арт-деко. Издания Уэст-Франция. ISBN  978-27373-8172-0.
  • Унес, Уолни (2003). Identidade Art Déco de Goiânia (на португальском). Ателье. ISBN  85-7480-090-2.
  • Винсент, Г. (2008). История двора Дю Кан: земля, архитектура, люди и политика. Woodbine Press. ISBN  978-0-9541675-1-6.
  • Уорд, Мэри; Уорд, Невилл (1978). Дом в двадцатых и тридцатых годах. Ян Аллан. ISBN  0-7110-0785-3.

внешняя ссылка