Японское искусство - Japanese art

Ксилография Большая волна у Канагавы к Кацусика Хокусай, Период Эдо
Сцена из фильма Гэндзи Моногатари Эмаки, Период Хэйан, начало 12 века (Национальное достояние )
Пейзажи осени и зимы к Сэссю Тёё, Период Муромати, 15 век, национальное достояние

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и медиа, в том числе древняя керамика, скульптура, живопись тушью и каллиграфия на шелке и бумаге, укиё-э картины и гравюры на дереве, керамика, оригами, и совсем недавно манга что современный японский мультфильмы и комиксы, а также множество других типов. Он имеет долгую историю, начиная от зарождения человеческого жилья в Японии, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до современной страны.

Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимальных контактов с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в 7-8 веках в связи с буддизм. В 9 веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветало как религиозное, так и светское искусство. После Онинская война (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, которые длились более века. В государстве, возникшем под руководством Сёгунат Токугава организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими. В период Мэйдзи (1868-1912) произошел резкий приток западных стилей, которые по-прежнему имеют важное значение.

Картина является предпочтительным художественным выражением в Японии, практикуется как любителями, так и профессионалами. До наших дней японцы писали щетка а не ручка, а их знакомство с техникой кистей сделало их особенно чувствительными к ценностям и эстетика живописи. С ростом популярной культуры в Период Эдо, стиль гравюр на дереве стал основной формой, и его методы были адаптированы для получения красочных отпечатков. Японцы в этот период обнаружили скульптура гораздо менее симпатичная среда для художественного выражения; самая большая японская скульптура связана с религия, и использование этого средства массовой информации уменьшилось с уменьшением значения традиционного буддизма.

Японская керамика входит в число лучших в мире и включает в себя самые ранние известные японские артефакты; Японский экспортный фарфор в разное время была крупной отраслью. В архитектура Ясно выражены предпочтения японцев к натуральным материалам и взаимодействие внутреннего и внешнего пространства.

История японского искусства

Средняя ваза Дзёмон; около 3000-2000 гг. до н. э.

Jōmon Art

Первыми поселенцами Японии были Jōmon человек (ок. 10500 - ок. 300 до н. э.[1]), названный в честь шнур отметины, украшавшие поверхности их глиняных сосудов, были кочевой охотники-собиратели, которые позже занялись организованным земледелием и построили города с населением в сотни, если не тысячи человек. Они построили простые дома из дерева и соломы, вставленные в неглубокие земляные ямы, чтобы обеспечить тепло от земли. Они создали богато украшенные сосуды для хранения керамики, глиняные фигурки под названием Dogū, и хрустальные драгоценности.

Ранний период Дзёмон

В период Раннего Дзёмона (5000-2500 гг. До н.э.)[1] начали открываться деревни и находили обычные предметы быта, такие как керамические порты для кипячения воды. Найденные в то время горшки имели плоское дно и замысловатый дизайн, сделанный из таких материалов, как бамбук. Кроме того, другой важной находкой были ранние фигурки Дзёмона, которые могли использоваться в качестве объектов плодородия из-за наличия у них груди и набухших бедер.[1]

Средний период Дзёмон

Банка; средний и поздний период дзёмон; 35-11 вв. До н. Э.

Период Среднего Дзёмон (2500-1500 гг. До н.э.),[1] во многом отличается от раннего периода Дзёмон. Эти люди стали менее кочевыми и начали селиться в деревнях. Они создали полезные инструменты, которые могли обрабатывать пищу, которую они собирали и на которую охотились, что облегчало им жизнь. Благодаря многочисленным эстетически привлекательным изделиям из керамики, которые были найдены в этот период времени, очевидно, что у этих людей была стабильная экономика и больше свободного времени для создания красивых изделий. Кроме того, люди периода Среднего Дзёмон отличались от своих предшествующих предков, потому что они разрабатывали сосуды в соответствии со своими функциями, например, они производили горшки для хранения предметов.[1] Украшения на этих сосудах стали приобретать более реалистичный вид по сравнению с ранней керамикой Дзёмон. В целом за этот период производство произведений не только увеличилось, но и стало более декоративным и натуралистичным.[1]

Поздний и последний период Дзёмон

Догу фигурка с сайта Эбисуда г. Ōsaki, Префектура Мияги (1000–400 до н. Э.)

В течение позднего и последнего периода Дзёмон (1500-300 гг. До н.э.)[1] погода стала холодать, что вынудило их отойти от гор. Основным источником пищи в то время была рыба, которая заставляла их улучшать свои рыболовные снасти и инструменты. Это продвижение было очень важным достижением в то время. Кроме того, количество сосудов значительно увеличилось, что, возможно, позволяет заключить, что в каждом доме была выставлена ​​собственная фигурка. Хотя во время позднего и последнего периода Дзёмон были найдены различные сосуды, эти части были обнаружены поврежденными, что может указывать на то, что они использовали их для ритуалов. Кроме того, были обнаружены фигурки, которые отличались мясистым телом и очками, похожими на глаза.[1]

Фигурки Догу

Основная статья: Догу

Догу («земляная фигура») маленькие гуманоиды и животные статуэтки сделано во время более поздней части Период Дзёмон.[2] Их производили по всей Японии, кроме Окинава.[2] Некоторые ученые теоретизируют Dogū действовал как чучела людей, которые проявили какую-то симпатическая магия.[3] Догу сделаны из глина и маленькие, обычно от 10 до 30 см в высоту.[4] Большинство фигурок выглядят как женские, с большими глазами, маленькой талией и широкими бедрами.[2] Многие считают их представителями богинь. Многие из них имеют большой живот, связанный с беременностью, что позволяет предположить, что дзёмон считали их богини-матери.[4]

Яёи искусство

Следующая волна иммигрантов была Яёи человек, названный в честь района в Токио где впервые были обнаружены остатки их поселений. Эти люди, прибывшие в Японию около 300 г. до н. Э.,[5] принесли свои знания о выращивании риса на заболоченных территориях, производстве медного оружия и бронзовых колоколов (дотаку ), и колесный, обжигаемый в печи керамика.

Кофун арт

Могила императора Нинтоку находится в Сакаи, Япония. Гробница, похожая на замочную скважину, имеет длину 486 м, ширину 305 м внизу и 245 м в диаметре.

Третий этап в предыстории Японии, Кофун период (ок. 300 - 710 г. н.э.),[1] представляет собой модификацию Яёи культура, связанная либо с внутренним развитием, либо с внешней силой. Этот период наиболее известен своей гробницей и другими артефактами, такими как бронзовые зеркала и глиняные скульптуры, называемые ханива которые были воздвигнуты за пределами этих гробниц. На протяжении периода Кофуна характеристики этих гробниц эволюционировали от небольших гробниц, воздвигнутых на вершинах холмов и горных хребтов, до гораздо более крупных гробниц, построенных на равнине.[6] Самая большая гробница в Японии, гробница Император Нинтоку, вмещает 46 курганов и имеет форму замочной скважины,[7] отличительный признак, обнаруженный в более поздних гробницах Кофуна.[6]

Искусство Аски и Нары

Кувшин с головой дракона с Пегас узор врезанный, позолоченный бронза с серебром, период Аска, 7 век, бывший Хорю-дзи Храмовые сокровища

Вовремя Аска и Периоды Нара, названный так потому, что резиденция правительства Японии находилась в долине Асука с 542 по 645 гг.[1] и в городе Нара до 784 г. первый значительный приток континентальной азиатской культуры имел место в Японии.

Передача буддизма дала начальный импульс контактам между Китаем и Японией. Японцы узнали грани китайская культура которые могут быть выгодно включены в их собственную: систему преобразования идей и звуков в письменную форму; историография; сложные теории правительства, такие как эффективная бюрократия; и, что наиболее важно для искусства, новых технологий, новых строительных технологий, более совершенных методов литья в бронза, и новые техники и средства для рисования.

Однако на протяжении VII и VIII веков основным направлением контактов между Японией и азиатским континентом было развитие буддизма. Не все ученые пришли к единому мнению о знаменательных датах и ​​подходящих названиях, применимых к различным временным периодам между 552 годом, официальной датой введения буддизма в Японии, и 784 годом, когда японская столица была перенесена из Нары. Наиболее распространенные обозначения - период Суйко, 552–645 гг .; в Период Хакухо, 645–710, и период Tenpyō, 710–784.

Самые ранние японские скульптуры Будды датируются 6-7 веками.[8] В конечном итоге они происходят из 1–3 веков нашей эры. Греко-буддийское искусство из Гандхара с плавными узорами одежды и реалистичной визуализацией,[9] на которые накладывались китайские художественные черты. После Китайский Северный Вэй буддийское искусство проникло на Корейский полуостров, буддийские иконы были привезены в Японию различными группами иммигрантов.[10] В частности, полусидящая форма Майтрейи была адаптирована в высокоразвитый древнегреческий художественный стиль, который был передан в Японию, о чем свидетельствуют Kōryū-ji Мироку Босацу и Тюгу-дзи Сиддхартха статуи.[11] Многие историки изображают Корею просто передатчиком буддизма.[12] Три Королевства, и особенно Пэкче, сыграли важную роль в введении и формировании буддийской традиции в Японии в 538 или 552 годах.[13]Они иллюстрируют конечную точку Шелковый путь передачи искусства в течение первых нескольких веков нашей эры. Другие примеры можно найти в развитии иконографии японцев. Фудзин Бог ветра,[14] в Ni опекуны,[15] и почти-Классический цветочные узоры в храмовых украшениях.[16]

Самые ранние буддийские постройки, все еще сохранившиеся в Японии, и самые старые деревянные постройки в Дальний Восток находятся в Hōryū-ji к юго-западу от Нары. Впервые построенный в начале 7 века как частный храм Короны. Принц Сётоку, он состоит из 41 самостоятельного здания. Самые важные из них, главный зал поклонения или Кондо (Золотой зал) и Годзю-но-то (Пятиэтажный Пагода ), встаньте в центре открытой площадки, окруженной крытым монастырем. В Кондо, в стиле Китайское поклонение холлов, представляет собой двухэтажное строение стоечно-балочной конструкции, увенчанное иримойя, или шатровая крыша из керамической черепицы.

Внутри Кондона большой прямоугольной платформе находятся одни из самых важных скульптур того периода. Центральное изображение - Троица Шака (623 г.), исторический Будда в окружении двух бодхисаттвы, скульптура, отлитая из бронзы скульптором Тори Бусси (расцвет в начале 7 века) в честь недавно умершего принца Сётоку. По четырем углам платформы расположены Короли-хранители четырех направлений, высечено из дерева около 650. Также находится в Hōryū-ji это Тамамуши Святыня, деревянная копия Кондо, который установлен на высоком деревянном основании, украшенном фигурными росписями, выполненными в смеси минеральных пигментов с добавлением лака.

Строительство храма в 8 веке было сосредоточено вокруг Тодаи-дзи в Наре. Построенный как штаб-квартира сети храмов в каждой из провинций, Тодайдзи является самым амбициозным религиозным комплексом, построенным в первые века буддийского культа в Японии. Соответственно, Будда высотой 16,2 м (завершено 752), закрепленный в главном зале Будды, или Дайбуцуден, это Рушана Будда, фигура, олицетворяющая сущность состояния будды, точно так же, как Тодайдзи представлял центр спонсируемого Империей буддизма и его распространения по всей Японии. Лишь несколько фрагментов оригинальной статуи сохранились, а нынешний зал и центральный Будда являются реконструкциями с древних времен. Период Эдо.

Вокруг Дайбуцудена на пологом склоне холма расположено несколько второстепенных залов: Хокке-до (Зал Сутры Лотоса), с его главным образом, Фукукендзяку Каннон (不 空 羂 索 観 音 立 像, самый популярный бодхисаттва), изготовленный из сухого лака (ткань, пропитанная лаком и сформированная поверх деревянной арматуры); в Кайданин (戒壇 院, Ритуальный зал) с великолепными глиняными статуями Четыре короля-хранителя; и склад, называемый Shsin. Это последнее строение имеет большое значение как художественно-исторический тайник, поскольку в нем хранится утварь, которая использовалась в церемонии открытия храма в 752 году, ритуале открытия глаз для изображения Рушана, а также правительственные документы и многие светские документы. объекты, принадлежащие Императорской семье.

Чукин (или же чёкин), искусство металла гравировка или лепка, как полагают, началась в период Нара.[17][18]

Хэйан искусство

Тайдзокай (царство матки) Мандала на шелковом свитке, 9 век н.э.
Тайсакутэн Шакра, 839, То-дзи

В 794 г. столица Японии была официально перенесена в Хэйан-кё (ныне Киото ), где он оставался до 1868 года. Период Хэйан относится к периоду между 794 и 1185 годами, когда Сёгунат Камакура была создана в конце Генпэйская война. Период далее делится на ранний Хэйан и поздний Хэйан, или Эпоха Фудзивара, центральная дата - 894 г. имперские посольства в Китае были официально сняты с производства.

Раннее искусство Хэйан: В ответ на рост богатства и власти организованных буддизм в Наре, священник Кукай (наиболее известный под своим посмертным титулом Кобо Дайси, 774–835) отправился в Китай, чтобы учиться Шингон, форма Ваджраяна Буддизм, который он ввел в Японию в 806 году. В основе поклонения Сингону лежит мандалы, диаграммы духовной вселенной, которые затем начали влиять на дизайн храмов. Японская буддийская архитектура также приняла ступа, первоначально Индийская архитектурная форма в пагоде в китайском стиле.

Храмы, построенные для этой новой секты, были построены в горах, вдали от двора и мирян в столице. Неравномерная топография этих участков заставила японских архитекторов переосмыслить проблемы строительства храмов и при этом выбрать более местные элементы дизайна. Крыши из кипарисовой коры заменили крыши из керамической плитки, деревянные доски использовались вместо земляных полов, а перед главным святилищем было добавлено отдельное место поклонения для мирян.

Храм, который лучше всего отражает дух ранних храмов Хэйан Сингон, - это Муро-дзи (начало 9 века), расположенный в глубине кипарисов на горе к юго-востоку от Нары. Деревянное изображение (тоже начало IX в.) Шакьямуни, «исторический» Будда, хранящийся во второстепенном здании на Муро-дзи, типичен для ранней скульптуры Хэйан, с ее массивным телом, покрытым толстыми складками драпировки, вырезанными в хонпа-шики (прокатывающаяся волна) и его суровое, замкнутое выражение лица.

Искусство Фудзивара: в Период Фудзивара, Буддизм Чистой Земли, предлагавшего легкое спасение через веру в Амида (Будда западного рая) стал популярным. Этот период назван в честь Семья Фудзивара, тогда самый могущественный в стране, который правил как регенты для Императора, фактически ставшего гражданскими диктаторами. В то же время дворянство Киото сформировало общество, приверженное элегантным эстетическим занятиям. Их мир был настолько безопасным и прекрасным, что они не могли представить себе Рай как нечто совершенно иное. Они создали новую форму зала Будды, зал Амида, который сочетает в себе светское и религиозное, и вмещает одно или несколько изображений Будды в структуре, напоминающей особняки знати.

Byōd-in Феникс Холл, Удзи, Киото

В Hō-ō-dō (Зал Феникса, завершено 1053 г.) Byōd-in, храм в Удзи к юго-востоку от Киото находится образец залов Фудзивара Амида. Он состоит из основной прямоугольной конструкции, окруженной двумя L-образными коридорами крыльев и хвостового коридора, расположенного на краю большого искусственного пруда. Внутри на высокой платформе установлено золотое изображение Амиды (ок. 1053 г.). Скульптуру Амиды выполнил Jch, который использовал новый канон пропорций и новую технику (Ёсэги ), в котором несколько деревянных частей вырезаны как ракушки и соединены изнутри. На стенах зала нанесены небольшие рельефные изображения небожителей. Считается, что хозяин сопровождал Амиду, когда он спустился из Западного Рая, чтобы собрать души верующих в момент смерти и перенести их в цветках лотоса в Рай. Райго картины на деревянных дверях Хо-ō-до, изображающие сошествие Будды Амиды, являются ранним примером Ямато-э, Живопись в японском стиле и содержит изображения пейзажей Киото.

«ЮГИРИ» г. Гэндзи Моногатари Эмаки

Е-маки: В последнее столетие периода Хэйан горизонтальная иллюстрированная повествовательная ручная прокрутка известна как э-маки (絵 巻, букв. «Свиток с картинками»). Примерно с 1130 г. Гэндзи Моногатари Эмаки, знаменитый иллюстрированный Сказка о Гэндзи представляет собой самый ранний из сохранившихся рукописных свитков ямато-э и один из ярких моментов японской живописи. Написано около 1000 года Мурасаки Сикибу, фрейлина Императрицы Акико, роман посвящен жизни и любви Гэндзи и миру двора Хэйан после его смерти. Художники XII века э-маки version разработала систему графических условностей, которые визуально передают эмоциональное содержание каждой сцены. Во второй половине столетия стал популярен другой, более живой стиль непрерывной повествовательной иллюстрации. В Ban Dainagon Ekotoba (конец 12 века), свиток, посвященный придворным интригам, подчеркивает подвижные фигуры, изображенные быстрыми мазками кисти и тонкими, но яркими цветами.

Е-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров отоко-э («мужские фотографии») и онна-э («женские рисунки») стили живописи. В этих двух стилях есть много тонких различий, отвечающих эстетическим предпочтениям полов. Но, возможно, наиболее легко заметить различия в предметах. Онна-э, воплощенный в «Повести о свитке рук Гэндзи», как правило, касается придворной жизни, особенно придворных дам, и романтических тем. Отоко-э часто фиксируются исторические события, особенно сражения. В Осада дворца Сандзё (1160), изображенный в разделе «Ночная атака на дворец Сандзё» Хейджи Моногатари хэндскролл - известный пример этого стиля.

Камакура искусство

Ажурный позолоченный бронзовый реликварий (кондо сукасибари шарито)

В 1180 году разразилась война между двумя самыми могущественными кланами воинов: Тайра и Минамото; пять лет спустя Минамото одержали победу и фактически установили резиденцию правительства в приморской деревне Камакура, где оно оставалось до 1333 года. С переходом власти от знати к классу воинов искусство должно было удовлетворить новую аудиторию: людей, преданных боевым искусствам, священников, приверженных тому, чтобы сделать буддизм доступным для неграмотных простолюдинов, и консерваторов. дворянство и некоторые члены духовенства, сожалевшие об упадке власти двора. Таким образом, реализм, популяризаторское направление и классическое возрождение характеризуют искусство Камакура период. В период Камакура Киото и Нара оставались центрами художественного производства и высокой культуры.

Деталь Мучаку в Кофуку-дзи, Нара к Unkei

Скульптура: В Кей школа скульпторов, особенно Unkei, создал новый, более реалистичный стиль скульптуры. Два Ni изображения хранителей (1203 г.) в Великих Южных воротах Тодаи-дзи в Наре иллюстрируют динамичный сверхреалистичный стиль Ункея. Изображения высотой около 8 м (около 26 футов) были вырезаны из нескольких блоков в течение примерно трех месяцев, что свидетельствует о развитой студийной системе мастеров, работающих под руководством мастера-скульптора. Полихромные деревянные скульптуры Ункэя (1208 г., г. Кофуку-дзи, Нара) двух индийских мудрецов, Мучаку и Сешин, легендарные основатели Секта Хоссу, являются одними из самых совершенных реалистических работ того периода; Созданные Unkei, они представляют собой удивительно индивидуализированные и правдоподобные изображения. Одно из самых известных произведений этого периода - Амитабха Триада (завершена в 1195 г.), в г. Дзёдо-дзи в Оно, сделано Kaikei, Преемник Ункэя.

Каллиграфия и живопись: В Кэгон Энги Эмаки иллюстрированная история основания Кегон секта, является прекрасным примером популяризаторского тренда в живописи камакура. Секта Кэгон, одна из самых влиятельных в период Нара, переживала тяжелые времена во время господства Чистая земля секты. После войны Гэмпэй (1180–1185) священник Myōe из Кодзан-дзи стремился возродить секту, а также предоставить убежище женщинам, овдовевшим войной. Жены самураев были отговорены от изучения большего, чем слоговое письмо система записи звуков и идей (см. Кана ), и большинство из них не могли читать тексты, в которых использовались китайские идеограммы (кандзи ).

Таким образом Кэгон Энги Эмаки сочетает в себе отрывки текста, написанные с максимальным количеством легко читаемых слогов, и иллюстрации, в которых диалог между персонажами написан рядом с говорящими - техника, сопоставимая с современными комиксами. Сюжет о э-маки, жизнь двух корейских священников, основавших секту Кэгон, динамична и наполнена фантастическими подвигами, такими как путешествие во дворец Короля океана и трогательная история мамы.[требуется разъяснение ]

Работа в более консервативном ключе - иллюстрированная версия Дневник Мурасаки Сикибу. Е-маки Версии ее романа продолжали выпускаться, но знать, настроенная на новый интерес к реализму, но ностальгирующая по прошлым дням богатства и власти, оживила и проиллюстрировала дневник, чтобы воссоздать великолепие времен автора. Один из самых красивых отрывков иллюстрирует эпизод, в котором Мурасаки Сикибу игриво удерживается в плену в своей комнате двумя молодыми придворными, а прямо на улице лунный свет сияет на замшелых берегах речки в императорском саду.

Муромати искусство

Вовремя Период Муромати (1338–1573), также называемый периодом Асикага, в японской культуре произошли глубокие изменения. В Клан Асикага взял под свой контроль сёгунат и перенес его штаб обратно в Киото, Муромачинский район города. С возвращением правительства в столицу популярным тенденциям периода Камакура пришел конец, и культурное самовыражение приняло более аристократический, элитарный характер. Дзен Буддизм Чань секта, традиционно считавшаяся основанной в Китае в VI веке, во второй раз проникла в Японию и пустила корни.

Каресансуи из Рён-дзи, Киото

Картина: Из-за светских предприятий и торговых миссий в Китай, организованных храмами дзэн, многие китайские картины и предметы искусства были импортированы в Японию и оказали глубокое влияние на японских художников, работающих для храмов дзэн и сёгуната. Этот импорт не только изменил тематику живописи, но и изменил использование цвета; яркие краски Ямато-э уступили место монохромы живописи в китайской манере, где картины обычно имеют только черный и белый или разные тона одного цвета.

Типичным для ранней живописи Муромати является изображение жреца-живописца. Као (действовал в начале 15 века) легендарного монаха Кенсу (Сянь-цзы по-китайски) в тот момент, когда он достиг просветления. Этот вид живописи был выполнен быстрыми мазками и минимумом деталей. Ловля сома тыквой (начало 15 века, Тайдзо-ин, Мёшин-дзи, Киото), работы священника-художника Josetsu (активен ок. 1400 г.), знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. Первоначально выполненный для невысокого экрана, он был переоборудован в свиток с надписями современных фигур выше, одна из которых относится к картине как к «новому стилю». На переднем плане на берегу ручья изображен мужчина с маленькой тыквой, смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет середину, а горы на заднем плане кажутся далекими. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого космоса в картинной плоскости.

Ведущие художники периода Муромати - священники-живописцы. Шубун и Сесшу. Шубун, монах из храма Киото в Сёкоку-дзи, созданный в картине Чтение в бамбуковой роще (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в космос. Сэссю, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех сезонов (Сансуи Чокан; c. 1486) - одна из наиболее совершенных работ Сесю, изображающая непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

Адзути-Момояма искусство

Замок Химэдзи, постройки 1580-1609 гг.

в Период Адзути – Момояма (1573–1603), чередой военачальников, таких как Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёси, и Токугава Иэясу, попытался принести мир и политическую стабильность в Японию после эпохи почти 100-летней войны. Ода, младший вождь, приобрел силу, достаточную, чтобы захватить де-факто контроль правительства в 1568 году и, пять лет спустя, изгнание последнего сёгуна Асикага. Хидэёси принял командование после смерти Оды, но его планы по установлению наследственного правления были сорваны Иэясу, который установил Сёгунат Токугава в 1603 г.

Кипарисы Byōbu, складной экран Кано Эйтоку, 1590

Картина: Самой важной школой живописи в период Момояма была школа Школа кану, а самым большим нововведением того периода стала формула, разработанная Кано Эйтоку, для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, закрывающих комнату. Отделка основной комнаты с видом на сад Дзюко-ин, подтекст Дайтоку-дзи (храм Дзэн в Киото), возможно, лучший из сохранившихся примеров работ Эйтоку. Массивный умэ дерево и сосны-близнецы изображены на парах раздвижных ширм в диагонально противоположных углах, их стволы повторяют вертикали угловых стоек, а их ветви простираются влево и вправо, объединяя прилегающие панели. Экран Эйтоку, Китайские львы, также в Киото, демонстрирует смелый и яркий стиль живописи, предпочитаемый самураями.

Хасэгава Тохаку, современник Эйтоку, разработал несколько иной, более декоративный стиль для крупномасштабных экранных картин. В его Кленовый экран (楓 図), теперь в храме Чишаку-ин (ja: 智 積 院 ), Киото, он поместил ствол дерева в центр и вытянул ветви почти до края композиции, создав более плоскую, менее архитектурную работу, чем Эйтоку, но визуально великолепную картину. Его шестикратный экран, Сосновый лес (松林 図), мастерская обработка в монохромные чернила рощи деревьев, окутанной туманом.

Искусство периода Эдо

Бог Ветра и Бог Грома, Таварая Сотацу, 17-го века

В Сёгунат Токугава получил бесспорный контроль над правительством в 1603 г. с обязательством принести в страну мир, а также экономическую и политическую стабильность; в значительной степени это было успешно. Сёгунат просуществовал до 1867 года, когда он был вынужден капитулировать из-за своей неспособности справиться с давлением западных стран с целью открыть страну для внешней торговли. Одной из доминирующих тем в период Эдо была репрессивная политика сёгуната и попытки художников избежать этих ограничений. Главным из них было закрытие страны для иностранцев и принадлежностей их культур, а также введение строгих кодексов поведения, затрагивающих все аспекты жизни, одежду, которую человек носил, человека, на котором он женился, и действия, которые можно или нужно не преследовать.

В первые годы Период Эдо Однако полное влияние политики Токугавы еще не ощущалось, и были созданы некоторые из лучших проявлений японской архитектуры и живописи: дворец Кацура в Киото и картины Таварая Сотацу, пионер Школа Ринпа.

Контурный стиль в японском саду Kōraku-en в Окаяма, начатое в 1700 г.

Печать на ксилографии: Ксилографические гравюры первоначально использовались для перевода буддийских писаний в восьмом веке в Японии. Ксилография состоит из гравировки изображений или картинок на дереве, которое затем прижимается к листу бумаги. В восьмом веке ксилография считалась удобным методом воспроизведения печатного текста, пока дальнейшие инновации не позволили переводить цвет на бумагу или более известный как гравюры Нишик-э. Печать на деревянных блоках была распространенным методом печати с одиннадцатого до девятнадцатого века. Печатные издания Нисики-э производили товары, такие как календари, которые обычно продавались богатым членам общества в период Эдо. В период Эдо на этих гравюрах были изображены события и сцены с участием выдающихся актеров. Укиё тогда ассоциировалось с гравюрой на дереве в ранний период Эдо. Эти картины укиё изображали повседневную жизнь выдающихся членов общества. Первоначально укиё возникло как свитки ручной работы, изображавшие жизнь обычного человека.

Архитектура: Отдельный дворец Кацура, построенный в имитации Гэндзи '' состоит из нескольких небольших зданий, в которых сочетаются элементы классической японской архитектуры с новаторскими конструкциями. Весь комплекс окружает красивый сад с дорожками для прогулок. даймё (феодалы) построили Контурный стиль в японском саду на территории страны и соревновались за красоту.

Картина: Сотацу развил превосходный декоративный стиль, воссоздав темы из классической литературы, используя ярко раскрашенные фигуры и мотивы из мира природы на фоне сусального золота. Одна из его лучших работ - пара экранов. Волны на Мацусиме в Галерея Freer Спустя столетие в Вашингтоне, округ Колумбия, Корин переработал стиль Сотацу и создал уникальные визуально великолепные работы. Возможно, его лучшими являются экранные картины Красные и белые цветки сливы.

Скульптура: Буддийский монах Энку вырезал 120 000 буддийских изображений в грубом индивидуальном стиле.

Три красавицы современности, к Утамаро, c. 1793
Печать Красный Фудзи из Хокусай серия Тридцать шесть видов на гору Фудзи
Внезапный ливень на мосту Атаке, Хиросигэ, 1856

Укиё-э и нанга (бунджинга): На Западе наиболее известна школа искусства. укиё-э картины и гравюры на дереве полусвета, мир кабуки театр и районы удовольствия. Гравюры укиё-э начали печататься в конце 17 века; в 1765 г. Харунобу произвел первый полихромная печать. Полиграфистов нового поколения, в том числе Тории Киёнага и Утамаро, создавал изящные, а иногда и проницательные изображения куртизанок.

В 19 веке доминирующими фигурами были Хокусай и Хиросигэ, последний - создатель романтических и несколько сентиментальных пейзажных принтов. Странные углы и формы, через которые Хиросигэ часто рассматривал пейзаж, а также работы Киёнаги и Утамаро с упором на плоские плоскости и четкие линейные очертания оказали глубокое влияние на таких западных художников, как Эдгар Дега и Винсент Ван Гог. Посредством произведений искусства, хранящихся в западных музеях, эти же мастера впоследствии оказали мощное влияние на образы и эстетические подходы, использовавшиеся в ранние годы. Модернист поэты, такие как Эзра Паунд, Ричард Алдингтон и H.D.[19]

Современная школа живописи укиё-э была Нанга, или бунджинга, стиль, основанный на картинах китайских ученых-художников. Подобно тому, как художники укиё-э предпочитали изображать фигуры из жизни вне рамок сёгуната Токугава, художники бундзин обратились к китайской культуре. Образцами этого стиля являются Айк-но Тайга, Йоса Бусон, Таномура Чикуден, и Ямамото Байитсу (ja: 山 本 梅 逸 ).

Керамика

Основные статьи: Японская керамика и фарфор и Японский экспортный фарфор

Традиционный, в основном керамика стили продолжались во многих частях Японии, но японская керамика была преобразована в начале периода Эдо, благодаря большому наплыву корейских гончаров, захваченных или которых убедили эмигрировать в течение Японские вторжения в Корею в 1590-х годах. Многие из них поселились на южном острове Кюсю, и они привезли с собой опыт версий китайского типа под патрон подъемная печь, называется Ноборигама в Японии, где допускаются высокие температуры с более точным контролем. Примерно к 1620 году они обнаружили залежи каолинит, и впервые в Японии начали производить фарфор. Ранние изделия (так называемые «Ранние имари») были относительно небольшими и имитировали китайские подглазурь синий и белый фарфор, которые Япония импортировала некоторое время.[20]

Фарфоровая промышленность значительно расширилась в конце 1650-х годов, поскольку крах китайской промышленности из-за гражданской войны привел к очень крупным заказам от китайских торговцев и Голландская Ост-Индская компания, к тому времени торговцам разрешалось вести бизнес только в Японии. Первый великий период Японский экспортный фарфор просуществовало примерно до 1740-х годов, и большая часть японского фарфора производилась на экспорт, в основном в Европу, а также в исламский мир к западу и югу от Японии.[21]

  • Ко-Кутани (старый Кутани) пять цветов Иро тип ради кувшин с изображением птиц и цветов по надглазурной эмали, период Эдо, 17 век

  • Ко-Имари блюдо, 1700–1740

Лаковая посуда:

Основная статья: Японская лакированная посуда

С развитием экономики и культуры художественное качество лакированной мебели улучшилось. Хонами Коэцу и Огата Корин привнес в лаковые изделия рисунки школы живописи Ринпы. После середины периода Эдо inrō контейнеры для переносных лекарств стали роскошно украшать маки-э и Раден, и он стал популярным среди самураев и богатых купцов в чёнин класс, а в конце периода Эдо он превратился из практичных аксессуаров в коллекции произведений искусства.[22][23] Экспорт лаковых изделий продолжился после периода Адзути-Момояма. Мария Антуанетта и Мария Тереза в этот период известны как коллекционеры японской лаковой посуды.[24]

Искусство довоенного периода

Дальнейшая информация: Мэйдзи (эпоха) § Искусство

Когда Император Японии восстановив правящую власть в 1868 году, Япония снова была захвачена новыми и чуждыми формами культуры. Вовремя Довоенный период Введение западных культурных ценностей привело к дихотомии в японском искусстве, как и почти во всех других аспектах культуры, между традиционными ценностями и попытками воспроизвести и ассимилировать множество противоречивых новых идей. Этот раскол оставался очевидным в конце 20-го века, хотя к тому времени уже произошел значительный синтез, который создал международную культурную атмосферу и стимулировал современное японское искусство к все более инновационным формам.

Правительство проявило активный интерес к рынку экспорта произведений искусства, продвигая японское искусство на протяжении многих лет. мировые ярмарки, начиная с 1873 Венская всемирная выставка.[25][26]Помимо значительного финансирования ярмарок, правительство приняло активное участие в организации того, как культура Японии была представлена ​​миру. Он создал полу-публичную компанию - Кирицу Кошо Кайша (Первая промышленная производственная компания) - для продвижения и коммерциализации экспорта произведений искусства.[27] и учредил Хакуранкай Дзимукёку (Выставочное бюро) для поддержания стандартов качества.[26] Для 1876 г. Столетняя международная выставка В Филадельфии японское правительство создало «Столетний офис» и направило специального посланника для обеспечения места для 30 000 экспонатов.[28] Императорский Дом также проявлял активный интерес к декоративно-прикладному искусству, заказывая работы («сувенирные изделия») в качестве подарков для иностранных сановников.[29] В 1890 г. Тейшицу Гигейин (Художник Императорского Дома ) создана система признания выдающихся художников; семьдесят были назначены с 1890 по 1944 год.[30] Среди них были живописец и лакей. Шибата Зешин керамист Макузу Кодзан, художник Хашимото Гахо, и перегородчатая перегородка эмальщик Намикава Ясуюки.[30]

Когда западный импорт стал популярным, спрос на японское искусство в самой Японии снизился.[31] В Европе и Америке новая доступность японского искусства привела к увлечению японской культурой; увлечение, известное в Европе как Японизм.[32] Императорский патронаж, государственное спонсорство, продвижение к новой аудитории и западные технологии в совокупности способствовали наступлению эры японских художественных новшеств. В декоративном искусстве японские художники достигли нового уровня технической сложности.[27]

Сегодня Масаюки Мурата владеет более чем 10 000 произведений искусства Мэйдзи и является одним из самых восторженных коллекционеров. С того времени большинство превосходных произведений искусства Мэйдзи были куплены иностранными коллекционерами, и лишь некоторые из них остались в Японии, но потому что он выкупил много работ из зарубежных стран и открыл Музей Киёмидзу Саннэндзака,[33] Изучение и переоценка искусства Мэйдзи быстро продвинулись в Японии после 21 века.[34] Насер Халили также является одним из самых преданных коллекционеров произведений искусства Мэйдзи в мире, и его коллекция охватывает множество категорий искусства Мэйдзи. В Японская Императорская Семья также владеет прекрасными произведениями искусства Мэйдзи, некоторые из которых были переданы в дар государству и сейчас хранятся в Музей Императорских Коллекций.

Архитектура и сад

Сад Мурин-ан, разработано Джихей Огава в 1894–1898 гг.

К началу 20 века европейские формы искусства были хорошо представлены, и их брак привел к появлению таких известных зданий, как Токийский вокзал и Здание национальной диеты которые все еще существуют сегодня. Токийский вокзал, здание Архитектура Гийёфу, полон кирпичи и псевдоевропейский стиль. Этот стиль строительства был построен в городских районах.

Много художественных новинок Японские сады были построены Джихей Огава.

Картина

Г-н Куме [Куме Кэйитиро], автор Курода Сэйки, Курода Киненкан

Первой реакцией японцев на западные формы искусства было их искреннее признание, и в 1876 г. Технологическая художественная школа был открыт с итальянскими инструкторами для обучения западным методам. Второй реакцией было качание маятника в противоположном направлении, вызванное Окакура Какудзо и американский Эрнест Феноллоса, который побуждал японских художников сохранять традиционные темы и техники, создавая работы, более соответствующие современным вкусам. Это была стратегия, которая в конечном итоге способствовала распространению влияния японского искусства на Калькутту, Лондон и Бостон в годы, предшествовавшие Первая Мировая Война.[35] На основе этих двух полюсов художественной теории, происходящих из Европы и Восточной Азии соответственно, развились йога («Западная живопись») и Нихонга («Японская живопись») категории, сохранившие валюту.

Эмали

Ваза с цветочными узорами и птицами - пользователем Намикава Ясуюки

В эпоху Мэйдзи японцы перегородчатая перегородка эмаль достигла пика техники, создав изделия более совершенные, чем когда-либо существовавшие.[36] Период с 1890 по 1910 год был известен как «золотой век» японской эмали.[37] Художники экспериментировали с пастами и с процессом обжига, чтобы производить все более крупные блоки эмали с меньшими затратами. перегородки (закрывающие металлические полосы).[36] Таким образом, эмаль стала более живописной средой с узорами, похожими на традиционные картины или скопированными с них.[38] Эмали с уникальным для Японии дизайном, в котором в качестве мотивов использовались цветы, птицы и насекомые, стали популярными. В частности, произведения Намикава Ясуюки и Намикава Сосуке были выставлены на мировые ярмарки и получил множество наград.[39][40][41][42] Наряду с двумя Намикавой, Компания Ando Cloisonné произвел много высококачественной перегородки. Японские эмали считались непревзойденными благодаря новым достижениям в дизайне и окраске.[43]

Лакированная посуда

Маки-э Fuji Tagonoura, Шибата Зешин, 1872

В эпоху Мэйдзи возобновился интерес к лак по мере того как художники разрабатывали новые дизайны и экспериментировали с новыми текстурами и отделкой. [44] Маки-э (украшение лака золотой или серебряной пылью) было наиболее распространенной техникой изготовления качественной лаковой посуды в этот период.[45] Шибата Зешин был лакировщиком, получившим высокую репутацию благодаря своим работам в Бакумацу к периоду Мэйдзи. Лаковая посуда называется Шибаяма и Сомада, созданный в период Эдо, стал популярным благодаря своему эффектному стилю, инкрустированному золотом, серебром, моллюсками, слоновой костью, цветным металлом и стеклом, и достиг своего пика в этот период.[46] Лак из японских мастерских был признан технически превосходящим то, что можно было произвести где-либо еще в мире.[47]

Металлоконструкции

Коро, серебро, украшенное драгоценными металлами и горным хрусталем, 1890 г.

В начале эпохи Мэйдзи японские изделия из металла были практически неизвестны за пределами страны, в отличие от лака и фарфора, которые ранее экспортировались.[48] Металлические изделия были связаны с буддийской практикой, например, с использованием бронзы для храмовых колоколов и котлов с благовониями, поэтому у металлистов было меньше возможностей, когда буддизм был вытеснен как государственная религия.[48] Международные выставки представили японской литой бронзе новой зарубежной аудитории, получив сильную похвалу.[48] Прошлая история самурай Японские мастера-металлисты оснастили оружием для создания металлической отделки в широкой цветовой гамме. Комбинируя и обрабатывая медь, серебро и золото в различных пропорциях, они создали специализированные сплавы, в том числе шакудо и сибуичи. С таким разнообразием сплавов и отделки художник мог произвести впечатление полноцветного декора.[49]

Фарфор и фаянс

Глиняная чаша - пользователем Ябу Мейзан, около 1910

Технические и художественные инновации эпохи Мэйдзи превратили фарфор в один из самых успешных в мире видов японского декоративного искусства.[50] Сацума посуда первоначально название керамики было дано Провинция Сацума, искусно украшенный золоченый и эмаль. Эти изделия высоко ценились на Западе. Этот стиль, который на Западе воспринимается как чисто японский, на самом деле во многом обязан импортным пигментам и западным влияниям и создавался с расчетом на экспорт.[51] Мастерские во многих городах спешили создать этот стиль, чтобы удовлетворить спрос в Европе и Америке, часто производя быстро и дешево. Таким образом, термин «посуда Сацума» стал ассоциироваться не с местом происхождения, а с некачественной посудой, созданной исключительно для экспорта.[52] Несмотря на это, такие художники, как Ябу Мейзан и Макузу Кодзан поддерживает высочайшие художественные стандарты, а также успешно занимается экспортом.[53] С 1876 по 1913 год Кодзан был лауреатом 51 выставки, в том числе Всемирная выставка и Национальная промышленная выставка.[54]

Текстиль

Комплексный воображаемый вид Японии: произведения искусства из шелкового текстиля

Издание 1902 г. Британская энциклопедия писал: «Ни в одной области прикладного искусства декоративный гений Японии не показывает более привлекательных результатов, чем у текстильных тканей, и ни в одной области не было более заметного прогресса за последние годы».[55] В Киото создавались очень большие красочные живописные работы. Вышивка стала самостоятельной формой искусства, в ней использовался ряд живописных техник, таких как светотень и воздушная перспектива.[55]

Искусство послевоенного периода

Сразу после Поражение Японии во Второй мировой войне в 1945 году многие японские художники попали под влияние или даже присоединились к Коммунистическая партия Японии, который только что был легализован Военная оккупация Японии под руководством США после многих лет подавления довоенной и военной японской полицией.[56] Это было связано с успехом Коммунистической партии в пропаганде идеи в первые послевоенные годы, что партия была единственной группой в Японии, которая сопротивлялась милитаризму военного времени.[57] Кроме того, японское слово «авангард» (前衛, zen'ei), как и в «авангарде коммунистической революции», оказывается то же слово, что и «авангард», что и в художественном авангарде.[58] Коммунистическая партия Японии вскоре стала доминировать в крупных художественных обществах и выставках в Японии, и поэтому преобладающей формой искусства сразу после войны стала социалистический реализм в котором изображены страдания бедняков и знати рабочего класса, в соответствии с доктриной коммунистической партии, согласно которой все искусство должно служить делу продвижения дела революции.[57] В 1952 году Коммунистическая партия даже заказывала таких художников, как Хироши Кацурагава и другие члены недавно созданной Ассоциации авангардного искусства (前衛 美術 会, Зеней Бидзюцукай в горы, чтобы создать искусство социалистического реализма в поддержку «горных партизанских отрядов», которые пытались разжечь насильственную революцию в Японии.[59]

1950-е: борьба за освобождение от социалистического реализма

В течение 1950-х годов многие японские художники все больше разочаровывались в жестком и ограниченном определении понятия «искусство», навязанном Коммунистической партией.[60] Однако из-за постоянного превосходства членов и сторонников Коммунистической партии в высших рядах художественных обществ и выставочных жюри художникам было чрезвычайно трудно даже демонстрировать свое искусство, если оно не соответствовало руководящим принципам партии.[61] Некоторые художники избегали официальных публичных выставок. Другие искали признания, финансовой поддержки и возможности показать свое искусство за границей, например Группа Гутай художников-концептуалистов, основанную в 1954 году. Тем не менее, другие художники воспользовались несколькими незарегистрированными, «независимыми» выставками в Японии, такими как Независимая выставка Йомиури спонсируется Ёмиури Синбун, куда мог войти любой желающий.[62]

Последней каплей стал массивный 1960 Протесты Анпо против Договор о безопасности США и Японии (известный как "Анпо «по-японски») указывают на крайне пассивную роль якобы «авангардной» коммунистической партии. Когда протесты не привели к прекращению действия договора, серия взаимных обвинений привела к дальнейшему разочарованию в коммунистической партии и искусстве социалистического реализма, в результате чего еще больше художников вышли из-под влияния партии.[63]

1960-е: взрыв новых жанров

По мере угасания доминирования социалистического реализма в 1960-е годы в Японии произошел взрыв новых форм искусства, поскольку искусство расширялось в новых направлениях, которые лучше всего можно было бы назвать «постмодернистскими».[64] Коллективы художников, такие как Организаторы нео-дада, Нулевое измерение, и Hi-Red Center исследовал такие понятия, как «неискусство» и «анти-искусство», и провел множество смелых «мероприятий», «хэппенингов» и других форм перформанс-искусства, призванных размыть границы между искусством и повседневной жизнью. В Моно-га Группа аналогичным образом раздвинула границы, разделяющие искусство, пространство, пейзаж и окружающую среду. Другие художники, например, графический дизайнер Таданори Ёку, черпала вдохновение в контркультуре 1960-х и взрывном росте новых форм ориентированных на взрослых манга комиксы. В исполнительском искусстве Тацуми Хидзиката разработал новую форму постмодернистского танца, названную Буто, и драматурги, такие как Юро Кара и Сато Макото создал Ангура стиль радикального «подпольного» театра.[65] А в фотографии такие фотографы, как Дайдо Морияма положил начало чрезвычайно влиятельной новой школе послевоенной фотографии, которая подчеркивала спонтанность над тщательно поставленной композицией и подчеркивала особенности "есть, бюре, боке "(буквально" грубый, размытый, не в фокусе ").[66][67]

Распространению новых видов искусства способствовал колоссальный рост экономики Японии в 1960-х годах, известный как "Японское экономическое чудо. "В течение 1960-х годов японская экономика росла более чем на 10% в год. Рост благосостояния создал новый класс потребителей, которые могли позволить себе тратить деньги на искусство и поддерживать различные виды искусства и художников. Впервые в истории В современной истории Японии для значительного числа художников стало возможным зарабатывать на жизнь исключительно продажей своего искусства. Строительный бум 1960-х годов в Японии сровнял с землей старую традиционную японскую архитектуру из дерева и бумаги и заменил ее сверкающими мегаполисами стекло и сталь, помогли вдохновить совершенно новые школы японской архитектуры, такие как Обмен веществ (архитектура) движение во главе с Кэндзо Танге, который смело отказался от традиционных моделей и оказался влиятельным во всем мире.

В то же время, однако, в мире искусства по-прежнему господствовали клики, которые продвигали работы одних (обычно мужчин) художников над другими. Поскольку в 1960-х годах японцам стало намного легче путешествовать за границу, некоторые художницы, такие как Яёи Кусама и Йоко Оно нашел лучший прием за границей и сбежал в художественные центры, такие как Лондон, Париж и Нью-Йорк, как и многие художники-мужчины.

Торжество новых форм японского искусства закрепилось на 1970 Всемирная выставка в Осаке, где были наняты десятки художников-авангардистов и художников-концептуалистов для оформления павильонов и художественных выставок для посетителей ярмарки.[68] Японское авангардное искусство стало глобальным и стало тем, что даже консервативное правительство с гордостью демонстрирует миру.

1970-е и 1980-е: преодоление экономического пузыря

В 1970-х и 1980-х годах японское искусство продолжало развиваться во многих направлениях, начатых в 1950-х и 1960-х, но часто с гораздо большими бюджетами и более дорогими материалами. Поскольку экономика Японии продолжала быстро расти и в конечном итоге превратилась в одну из крупнейшие экономические пузыри в истории. Поскольку японская валюта стала невероятно сильной после 1985 г. Plaza Accord, Японские частные лица и учреждения стали крупными игроками на международном рынке искусства. Чрезвычайно богатые японские мегакорпорации начали строить свои собственные частные художественные музеи и приобретать коллекции современного и современного искусства, и японские художники также получили большую выгоду от этих расходов.

В частности, в художественном производстве продолжалась тенденция отхода от традиционной живописи и скульптуры в направлении графический дизайн, поп-арт, носимое искусство, исполнительское искусство, концептуальное искусство, и инсталляция. Все чаще входили в моду различные виды «гибридного» искусства. По мере развития технологий художники все чаще включали в свое искусство электронику, видео, компьютеры, синтезированную музыку и звуки, а также видеоигры. Эстетика манги и аниме, в которой так много молодых художников выросло с погружением, оказало все большее, хотя иногда и довольно тонкое, влияние. Прежде всего, художники избегали всего, что пахло «высоким искусством» или «изящным искусством», в пользу личного, эклектического, фантастического, фантасмагорического и игривого. В редакции художницы, такие как Мика Йошизава становился все более и более принятым и поддерживаемым миром искусства Японии.

Современное искусство Японии

Японское современное искусство принимает столько же форм и выражает столько разных идей, сколько мировое современное искусство в целом. Он варьируется от рекламы, аниме, видеоигр и архитектуры, как уже упоминалось, до скульптуры, живописи и рисунка во всех их бесчисленных формах. Японские художники внесли особенно заметный вклад в мировое современное искусство в области архитектуры, видеоигр, графического дизайна, моды и, возможно, прежде всего, анимации. Пока аниме сначала были получены в основном из рассказов манги,[нужна цитата ] Сегодня изобилует разнообразное аниме, и многие художники и студии достигли большой известности как художники; Хаяо Миядзаки и художники и аниматоры Студия Ghibli обычно считаются одними из лучших в мире аниме.

В то же время многие японские художники продолжают использовать традиционные японские художественные техники и материалы, унаследованные от досовременных времен, такие как традиционные формы японской бумаги и керамики и рисование черными и цветными чернилами на бумаге или шелке. Некоторые из этих произведений искусства изображают традиционные предметы в традиционных стилях, в то время как другие исследуют новые и различные мотивы и стили или создают гибриды традиционных и современных форм искусства, используя традиционные средства массовой информации или материалы. Третьи избегают местных средств массовой информации и стилей, принимая западные масляные краски или любое количество других форм.

То же самое и в скульптуре; некоторые художники придерживаются традиционных режимов, некоторые делают это с современным чутьем, а некоторые выбирают западные или совершенно новые режимы, стили и медиа. Йо Акияма - лишь один из многих современных японских скульпторов. Он работает в основном с глиняной посудой и керамикой, создавая очень простые и понятные работы, выглядящие так, как будто они были созданы из самой земли. Другой скульптор, используя железо и другие современные материалы, построил большую скульптуру современного искусства в Израильский портовый город Хайфа, называется Ханаби (Фейерверк). Нахоко Кодзима - современный художник Кирие, который впервые применил технику скульптуры из вырезанной из бумаги, которая висит в 3D.

Такаши Мураками возможно, один из самых известных японских современных художников в западном мире. Мураками и другие художники в его студии создают произведения в стиле, вдохновленном аниме, который он назвал «[суперплоскость]]». Его произведения принимают самые разные формы, от живописи до скульптуры, некоторые из которых действительно огромны. Но большинство, если не все, очень четко демонстрируют влияние аниме, используя яркие цвета и упрощенные детали.

Яёи Кусама, Ёситомо Нара, Хироши Сугимото, Тихару Сиота, Дайдо Морияма, Марико Мори, Ая Такано, и Табаймо считаются значительными художниками в области современного японского искусства.[69] Группа 1965, коллектив художников, считает современный художник Макото Аида среди его членов.[70]

Исполнительское искусство

Многие традиционные формы японской музыки, танца и театра выжили в современном мире и приобрели некоторую популярность благодаря повторной идентификации с японскими культурными ценностями. Традиционная музыка и танцы, берущие свое начало от древнего религиозного обихода:Буддист, Синто, и народ - сохранились в драматических постановках Но, Кабуки, и бунраку театр. Древняя придворная музыка и танцевальные формы, происходящие из континентальных источников, сохранялись императорскими домашними музыкантами и храмовыми и святынями трупп. Некоторые из старейших музыкальных инструментов в мире постоянно используются в Японии с Период Дзёмон, как показывают находки из камня и глины флейты и цитры имеющий от двух до четырех струн, к которым Яёй период металл колокола и гонги были добавлены для создания ранних музыкальных ансамблей. К раннему историческому периоду (6-7 вв.) Существовало множество больших и малых барабаны, гонги, куранты, флейты и струнные инструменты, такие как импортные мандолиноподобные бива и плоская шестиструнная цитра, которая превратилась в тринадцатиструнную кото. Эти инструменты сформировали оркестры континентальной придворной церемониальной музыки 7-го века (гагаку ), которые вместе с сопутствующими Бугаку (вид придворного танца) являются самыми древними из таких форм, которые до сих пор исполняются при императорском дворе, древних храмах и святынях. буддизм представил ритмические песнопения, которые все еще используются, которые лежат в основе Шигин, и которые были объединены с местными идеями, чтобы лежать в основе развития вокальной музыки, например, в Но.

Эстетические концепции

Каллиграфия Бодхидхарма, «Дзен указывает прямо на человеческое сердце, загляни в свою природу и стань Буддой», Хакуин Экаку, 17-го века
Основная статья: Японская эстетика

Японское искусство отличается уникальными полярностями. Например, в керамике доисторических периодов изобилие сменялось дисциплинированным и утонченным мастерством. Другой пример - две противоположные постройки XVI века: Отдельный дворец Кацура это упражнение в простоте, с акцентом на натуральные материалы, грубые и необработанные, а также на чистоту, полученную случайно; Никко Тосё-гу представляет собой жестко симметричную структуру, украшенную яркой рельефной резьбой, покрывающей каждую видимую поверхность. Японское искусство, которое ценится не только за свою простоту, но и за красочное изобилие, оказало значительное влияние на западную живопись XIX века и Западная архитектура 20 века.

Эстетические концепции Японии, вытекающие из разнообразных культурных традиций, сыграли важную роль в создании уникальных форм искусства. На протяжении веков широкий спектр художественных мотивов развивался и совершенствовался, приобретая символическое значение. Как жемчужина они приобрели много смысловых слоев и приобрели высокий блеск. Японская эстетика дает ключ к пониманию художественных работ, заметно отличающихся от произведений западных традиций.

В рамках восточноазиатской художественной традиции Китай был признанным учителем, а Япония - преданным учеником. Тем не менее, некоторые японские искусства разработали свой собственный стиль, который можно отличить от различных китайских искусств. Монументальный, симметрично сбалансированный, рациональный подход китайских форм искусства в японских руках стал миниатюрным, нерегулярным и слегка наводящим на размышления. Миниатюра альпинарии, миниатюрные растения (бонсай ), и икебана (цветочные композиции), в которых избранные представляли сад, были любимым занятием утонченных аристократов на протяжении тысячелетия и остались частью современной культурной жизни.

Диагональ, отражающая естественный поток, а не фиксированный треугольник, стала предпочтительным структурным устройством, будь то в живописи, архитектурном или садовом дизайне, танцевальных шагах или нотах. Нечетные числа заменяют четные числа в регулярности китайского эталонного узора, а притяжение к одной стороне позволяет мотиву поворачивать угол трехмерного объекта, тем самым обеспечивая непрерывность и движение, которых не хватает в статичном фронтальном дизайне. Японские художники использовали приемы обрезки, крупного плана и затемнения к XII веку в Ямато-э Свиток в японском стиле, возможно, одна из причин, почему современное кинопроизводство стало таким естественным и успешным видом искусства в Японии. Используется предложение, а не прямое утверждение; косвенные поэтические намеки, аллюзионные и неубедительные мелодии и мысли разочаровали западного человека, пытающегося проникнуть в значения литературы, музыки, живописи и даже повседневного языка.

Японцы начали определять такие эстетические идеи с помощью ряда запоминающихся фраз, по крайней мере, в 10 или 11 веках. Изысканные изысканности аристократического периода Хэйан превратились в элегантную простоту, которая рассматривается как суть хорошего вкуса в сдержанном искусстве, которое называется шибуи. Два термина, происходящие из Дзен Буддийские медитативные практики описывают степени успокоения: во-первых, покой в ​​смиренной меланхолии (ваби ), другой - безмятежность, сопровождающая наслаждение сдержанной красотой (саби ). Мысль дзэн также способствовала склонности сочетать неожиданное и поразительное, что использовалось для поднятия сознания к цели просветления. В искусстве этот подход выражался в сочетании таких неожиданных материалов, как свинцовая инкрустация в лаке, и в противоречивых поэтических образах. Неожиданно юмористические, а иногда и гротескные образы и мотивы также происходят из дзен. Коан (головоломка). Хотя искусство было в основном светским со времен Период Эдо Традиционная эстетика и методы обучения, берущие начало в основном из религиозных источников, продолжают лежать в основе художественных произведений.

Современные концепции

Сегодня Япония разработала более современную культурную эстетику, которая часто ассоциируется с мангой сёдзё, известной как "каваи, "который иначе можно охарактеризовать как" милый ". Обычно каваи, представленные в мультфильмах и анимации, оказали сильное культурное влияние, а также являются мощным средством японской рекламы и потребления.[71] Концепция «привлекательности», которая в настоящее время проявляется в каваи, традиционно почиталась в японской культуре, восходящей к периоду искусства Эдо 15 века.[72]

  • Стиль манга.

  • Каваи-мода в Токио, Япония

  • Osaka Kawaii на Japan Expo 2014.

  • Наклейки Flo Kawaii.

Традиционная эстетика

Традиционная японская эстетика - это формы красоты в японской культуре, восходящие к самым ранним векам. По крайней мере, более двухсот лет назад. Некоторые из этих ранних эстетик составляют японскую эстетику в целом: синкретическое буддийское искусство, ваби-саби, мияби, сибуи и дзё-ха-кю.

Синкретическое буддийское искусство

Видеть Японская буддийская архитектура.

Ваби-Саби

"Fujisan " белый Посуда раку чайная чаша (чаван ) к Хонами Коэцу, Период Эдо (Национальное достояние )

Эта эстетика в японской культуре известна многими вещами, такими как красота во всем, даже если она несовершенна. Скромность и нестандартность - вот что считается эстетикой саби-саби. Ваби и саби вместе составляют эстетику красоты в незавершенности. При разделении оба служат разными терминами. Ваби означает свежую, простую работу, обозначающую все сложности и очень простую атмосферу во всем, что с ней связано. Создано из природы и создано из самого человека в тандеме. Если сделано случайно, это придает произведению определенную уникальность. Саби - это красота, и как она берет начало от возраста. Жизненный цикл играет большую роль в саби, добавляя к эстетике чувства прекрасного в произведениях, которые со временем восстанавливаются от старения. Объединение саби и саби создает эстетику, заключающуюся в том, что каждая простая разработка не требует сложного дизайна. Также не требуется абсолютной полноты, чтобы можно было найти в нем красоту, а с возрастом приходит более утонченная красота.

Ваби-саби всегда была связана с чайными церемониями в японской культуре. Говорят, что эти церемонии являются глубокими событиями ваби-саби. Ваби-саби также связан с архитектурой, модой и философией. Все эти части ваби-саби разделяют веру в одну и ту же тему: все недостатки, такие как незавершенная работа, обладают несомненной красотой. Однако не все, конечно, одобряют идею ваби-саби. Хотя это правда, многие хотят сохранить веру, несмотря на то, во что верят другие. В целом ваби-саби кажется очень внимательным подходом к повседневной жизни. Спокойный способ смотреть на вещи и жить без осуждения. При понимании ваби-саби есть термины, которые также имеют прямое отношение к эстетике.

Фукинсей: асимметрия, неравномерность.
Кансо: простота.
Коко: простой, обветренный.
Шидзен: естественно, без притворства.
Юген: тонко глубокая грация, не очевидная.
Дацудзоку: неограниченный условностями, бесплатный.
Сейджаку: спокойствие, тишина.

Каждый из этих терминов используется для полного раскрытия понимания ваби-саби. Это в большей степени относится к философскому аспекту всей эстетики и к тому, как рассматривать свое окружение. Они могут относиться к нескольким вещам, включая идеи у людей, темы, лежащие в основе определенных аспектов жизни, или саму природу. Каждый термин возвращает нас к мысли о том, что ваби-саби - это эстетика, цель которой - ценить мелкие вещи, которые несовершенны или неполны.

Мияби

В продолжающейся истории Японии мияби может означать многое. Тем не менее, похоже, что он основан на концепции элегантности, красоты, утонченности и изысканности. По этой причине это одна из самых старых эстетик среди большинства японских эстетиков в культуре. Это объясняет, почему он не так популярен, как остальные, которые могут быть новее по сравнению с мияби. Это термин, который также используется для обозначения аристократической культуры. Мияби исключает из своей культуры все формы грубости и грубости. Это создает правильную картину и форму аристократической культуры. Мияби вносит эти изменения. Мияби гарантирует, что в японской культуре прославляется утонченность любви, литературы, чувств и искусства. Приветствуется изысканность.

Шибуи

Шибуи начинает понимать объект или произведение искусства такими, какие они есть. Обнаружение простой и утонченной красоты в определенных вещах - это цель, когда дело доходит до разработки или обзора определенных дизайнов. Во многих отношениях сибуи очень похож на ваби-саби, но это не ваби-саби. Шибуи ценит предметы и предметы просто за то, что они есть. Когда дело доходит до сибуи, нет никаких сложностей или иррационального мышления. Подобно определенной эстетике в японской культуре, в отношении сибуи есть несколько терминов: сибуми - это вкус сибуи; Сибуса - это состояние сибуи.

Оба эти термина относятся к тонкой, ненавязчивой красоте. Есть несколько предметов и предметов, которые можно рассматривать как часть эстетики шибуи, а не только искусства или моды. Это также могут быть люди, животные, песни, фильмы, несколько различных типов медиа можно рассматривать как шибуи. Например, пара обуви, фотоаппарат, мопед и несколько различных предметов искусства или предметов, используемых в повседневной деятельности, могут рассматриваться как шибуи. Прямой и простой путь сибуи. Ничего лишнего или слишком кричащего.

Джо-ха-кю

Это эстетика, зародившаяся в театре Но и даже появившаяся в 14 веке. Он используется в различных формах искусства в Японии даже сегодня. Это движение, которое применялось в нескольких различных искусствах, где дзё, ха и кю, обозначающие отдельные вещи, составляют его определение: дзё, «начало»; ха, «сломать», «треснуть»; кю: "быстрый", "более"

По сути, эта эстетика означает, что когда дело доходит до частей, связанных с движением, все должно начинаться медленно с правильного наращивания. Почти похоже на то, как рассказывается история. Затем, достигнув кульминации, он ускоряется. Когда он достигает своего конца, тогда все начинает быстро ускоряться, пока внезапно не достигает конца.

Художники

История искусства
История восточного искусства
История японского искусства
Общий

Главная страница японского искусства
Категории
Архитектура -Каллиграфия
Лак -Картина - Керамика
Печать - Скульптура - Мечи

Исторические периоды

Периоды Дзёмон и Яёй
Период Ямато
Период Хэйан
Камакура период
Период Муромати
Период Адзути – Момояма
Период Эдо
Довоенный период
Послевоенный период

Японские художники

Художники (в хронологическом порядке)
Художники -Каллиграфы
Гейша - Художники
Скульпторы - Архитекторы
Фотографов - Принтеры

Школы, стили и движения

Категория школ
Буддийское искусство
Кано -Ямато-э - Киото - Нанга
Ринпа - Тоса - Укиё-э
Тарашикоми

Мир искусства

Художественные музеи

Аниме и манга

Аниме - Манга - Аниматоры
Иллюстраторы - Художники манги

Япония WikiProject
Часть серия на
Культура Японии
Флаг Японии.svg
История
Люди
Языки
Кухня
Фестивали
  • Флаг Японии.svg Портал Японии

Традиционно художник был средством самовыражения и был лично сдержан, чтобы соответствовать роли ремесленника или артиста с низким социальным статусом. В каллиграф, член Конфуцианский literati class, или самурай класс в Японии, имел более высокий статус, в то время как великие художники часто были признаны в Камакура период получив имя от феодала и тем самым поднявшись в обществе. Однако исполнительское искусство в целом пользовалось меньшим уважением, а предполагаемая аморальность актрис ранних времен. Кабуки театр вызвал Токугава правительство запретило женщинам выходить на сцену; женские роли в Кабуки и Но после этого играли мужчины.

После Вторая Мировая Война художники обычно собирались в художественные ассоциации, некоторые из которых были давно сложившимися профессиональными обществами, а другие отражали новейшее движение в искусстве. В Лига художников Японии, например, провел наибольшее количество крупных выставок, в том числе престижную ежегодную Nitten (Японская художественная выставка ). В ПЕН-клуб Японии (PEN означает проза, эссе и рассказ), филиал международной писательской организации, был крупнейшим из примерно тридцати крупных ассоциаций авторов. Актеры, танцоры, музыканты и другие артисты хвастались своими собственными обществами, включая Общество Кабуки, организованный в 1987 году для поддержания традиционных высоких стандартов этого искусства, которым, как считалось, угрожали современные инновации. К 1980-м годам, однако, художники и скульпторы-авангардисты избегали всех групп и были «независимыми» художниками.

Художественные школы

В Японии есть ряд специализированных университетов искусств, возглавляемых национальными университетами. Самым важным является Токийский университет искусств, один из самых трудных для поступления в национальные университеты. Еще один плодотворный центр Художественный университет Тама, который произвел на свет многих молодых художников-новаторов ХХ века в Японии. Традиционное обучение искусствам, заимствованное из традиционных китайских методов, сохраняется; специалисты преподают на дому или в головных школах, работая в рамках отношений между учителем и учеником. Ученик не экспериментирует с личным стилем до тех пор, пока не достигнет высочайшего уровня подготовки, не закончит школу искусств или не станет ее директором. Многие молодые художники критиковали эту систему как подавляющую творчество и индивидуальность. Новое поколение авангард нарушил эту традицию, часто получая образование на Западе. Однако в традиционных искусствах система «мастер-ученик» сохраняет секреты и навыки прошлого. Некоторые линии передачи мастер-ученик можно проследить до периода Камакура, из которого они продолжают использовать стиль или тему великого мастера. Японские художники считают техническую виртуозность sine qua non их профессий, факт, признанный остальным миром как одна из отличительных черт японского искусства.

Национальное правительство активно поддерживает искусство через Агентство по делам культуры, созданный в 1968 году как специальный орган Министерство образования. Бюджет агентства на 1989 финансовый год вырос до 37,8 миллиардов фунтов стерлингов после пяти лет сокращения бюджета, но по-прежнему составлял гораздо меньше 1 процента от общего бюджета. Отдел культуры агентства распространял информацию об искусстве в Японии и за рубежом, а также Отдел защиты культурных ценностей (文化 財 保護 部, ныне 文化 財 部) защищали культурное наследие страны. Отдел по вопросам культуры занимается такими областями, как продвижение искусства и культуры, авторские права на искусство и улучшение Национальный язык. Он также поддерживает национальные и местные фестивали искусства и культуры, а также финансирует выездные культурные мероприятия в области музыки, театра, танцев, художественных выставок и кинопроизводства. Предлагаются специальные призы для поощрения молодых художников и признанных практикующих, а также ежегодно выделяются некоторые гранты, позволяющие им обучаться за границей. Агентство финансирует национальные музеи современного искусства в Киото и Токио, а также Национальный музей западного искусства в Токио, где проходят как японские, так и международные выставки. Агентство также поддерживает Японская художественная академия, который чествует выдающихся деятелей искусства и литературы, назначает их членами и предлагает 3,5 миллиона фунтов стерлингов в качестве призовых. Награды вручаются при наличии Император, который лично награждает высшей наградой, Орден Культуры.Tokyo University of the Arts также принимал активное участие в нескольких художественных мероприятиях в предыдущие годы. Другие их кампусы также включают различные курсы.

Частное спонсорство и фонды

Патронаж и поощрение искусства со стороны правительства расширены, чтобы включить новые совместные усилия с корпоративной Японией по предоставлению финансирования сверх ограниченного бюджета Агентства по делам культуры. Участвуют многие другие государственные и частные учреждения, особенно в растущей сфере присуждения премий в области искусства. Все большее число крупных корпораций присоединяется к крупным газетам, спонсируя выставки и представления и разыгрывая ежегодные призы. Самая важная из множества присуждаемых литературных наград - это почтенные Приз Наоки и Премия Акутагавы, последний эквивалент Пулитцеровская премия В Соединенных Штатах.

В 1989 году усилия по развитию межкультурного обмена привели к созданию японской "Нобелевская премия "для искусства Премиум Империале, посредством Японская художественная ассоциация. Эта премия в размере 100 000 долларов США была в значительной степени профинансирована конгломератом средств массовой информации. Fujisankei Communications Group и был награжден на всемирной основе.

В 1980-х годах возник ряд фондов, продвигающих искусство, в том числе Фонд культурных ценностей созданы для сохранения исторических мест за границей, особенно вдоль Шелковый путь в Внутренняя Азия и в Дуньхуан в Китай. Еще одна международная договоренность была заключена в 1988 году с США. Смитсоновский институт для совместного обмена высокотехнологичными исследованиями азиатских артефактов. Правительство играет важную роль, финансируя Японский фонд, который предоставляет как институциональные, так и индивидуальные гранты, осуществляет научные обмены, присуждает ежегодные призы, поддерживает публикации и выставки, а также отправляет группы традиционного японского искусства выступать за границу. Фестиваль искусств, который проводится каждую осень в течение двух месяцев для представителей всех видов исполнительского искусства, спонсируется Агентством по делам культуры. Крупные города также оказывают существенную поддержку искусству; Все большее число городов в 1980-х годах строили крупные центры исполнительских искусств и, стимулируемые государственным финансированием, предлагали такие призы, как Приз Лафкадио Хирна по инициативе города Мацуэ. Ряд новых муниципальных музеев также предоставляли в 80-е годы примерно на треть больше помещений, чем было ранее. В конце 1980-х гг. Токио добавили более двадцати новых культурных залов, в частности, большой Бункамура построен Tokyu Group и реконструкция Шекспир с Театр Глобус. Все эти усилия отражают растущий популярный энтузиазм в отношении искусства. Японские покупатели произведений искусства захватили западные арт-рынки в конце 1980-х, заплатив рекордные суммы за импрессионист картины и только 51,7 миллиона долларов США на одного синий период Пикассо.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ а б c d е ж грамм час я j Мейсон, Пенелопа (1993). История японского искусства. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство. С. 1–431. ISBN  978-0-8109-1085-0.
  2. ^ а б c "土 偶" [Догу]. Дидзитару Дайдзисен (на японском языке). Токио: Шогакукан. 2012 г. OCLC  56431036. Архивировано из оригинал на 2007-08-25. Получено 2012-07-20.
  3. ^ "土 偶" [Догу]. Кокуши Дайдзитэн (на японском языке). Токио: Шогакукан. 2012 г. OCLC  683276033. Архивировано из оригинал на 2007-08-25. Получено 2012-07-21.
  4. ^ а б "Фигурки Дзёмона". Энциклопедия Японии. Токио: Шогакукан. 2012 г. OCLC  56431036. Архивировано из оригинал на 2007-08-25. Получено 2012-07-21.
  5. ^ Bleed, Питер (1972). «Культуры яёй Японии: краткое изложение». Арктическая антропология. 9 (2): 1–23. JSTOR  40315778.
  6. ^ а б Хонг, Вонтак (2005). «Волна Яёй, волна Кофун и время: формирование японцев и японского языка». Корееведение. 29 (1): 1–29. Дои:10.1353 / кс.2006.0007. ISSN  1529-1529.
  7. ^ Киддер-младший, Дж. Эдвард (2003). «Нинтоку, гробница Императора». Oxford Art Online. Издательство Оксфордского университета. Дои:10.1093 / gao / 9781884446054.article.t062565. Цитировать журнал требует | журнал = (помощь)
  8. ^ Корея, 500–1000 гг. Н. Э. Хейльбрунн Хронология истории искусств Музей искусств Метрополитен metmuseum.org
  9. ^ "Излишне говорить, что влияние греческого искусства на японское буддийское искусство через буддийское искусство Гандхары и Индии уже было частично известно, например, из сравнения волнистой драпировки изображений Будды в том, что изначально было типичный греческий стиль »(Кацуми Танабе,« Александр Великий, культурные контакты Востока и Запада из Греции в Японию », стр. 19)
  10. ^ Влияние Кореи на раннюю японскую буддийскую скульптуру buddhapia.com В архиве 2011-01-11 на Wayback Machine «Необходимо подчеркнуть очевидный момент: поскольку корейское буддийское искусство напрямую основано на событиях в Китае, в конечном итоге изучение корейского влияния на Японию должно быть основано на понимании китайского влияния на Корею». «Поскольку территория Северной Вэй. был смежным с Когурё, естественно, что буддийские идеи и искусство, текущие при дворе Северного Вэй, перетекли прямо в Когурё ».« Следует также отметить, что было значительное влияние Когурё на южные королевства Пэкче и Силла, хотя Пэкче также получил прямое влияние из южного Китая, как упоминалось выше ". «Я утверждал, что различные группы, включая официальных посланников, монахов и студентов, а также корейских поселенцев, несут ответственность за доставку корейских икон в Японию».
  11. ^ "Архаичная улыбка", Британская онлайн-энциклопедия, 2009 г., веб-страница: EB-Улыбка.
  12. ^ Корея, 500–1000 гг. Н. Э. Хейльбрунн Хронология истории искусств Музей искусств Метрополитен metmuseum.org «В течение этого периода Корея продолжает играть важную роль в передаче технологий и идей в Японию».
  13. ^ Корея: история религии Джеймс Хантли Грейсон
  14. ^ «Японские изображения бога ветра не принадлежат к отдельной традиции, кроме их западных аналогов, но имеют одно и то же происхождение ... Одной из характеристик этих изображений дальневосточного бога ветра является пустозвон, который этот бог держит обеими руками , происхождение которых можно проследить до шали или мантии, которую носит Борей / Оадо. »(Кацуми Танабэ,« Александр Великий, культурные контакты Востока и Запада от Греции до Японии », стр. 21)
  15. ^ "Происхождение образа Ваджрапани следует объяснить. Это божество - защитник и проводник Будды Шакьямуни. Его образ был смоделирован по образцу Геркулеса. ... Гандхарский Ваджрапани был преобразован в Средней Азии и Китае, а затем передан в Японию, где он оказал стилистическое влияние на похожие на борцов статуи Божеств Гвардии (Нио) »(Кацуми Танабэ,« Александр Великий, Восток- Западные культурные контакты из Греции в Японию », стр. 23)
  16. ^ Передача узора цветочного завитка с запада на восток представлена ​​на регулярной выставке древнего японского искусства в Токийский национальный музей.
  17. ^ "Чукин (彫 金)". ЯАНУС. Получено 13 мая 2016.
  18. ^ Фредерик, Луи; Рот, Кете (2002). Японская энциклопедия. Издательство Гарвардского университета. п. 120. ISBN  9780674017535.
  19. ^ Эроусмит, Руперт Ричард. Модернизм и музей: искусство Азии, Африки и Тихого океана и лондонский авангард. Oxford University Press, 2011, пассив. ISBN  978-0-19-959369-9
  20. ^ Импей, 69–70
  21. ^ Импи, 71–74
  22. ^ Масаюки Мурата. 明治 工 芸 入門 стр.104. Я не я, 2017 ISBN  978-4907211110
  23. ^ Юдзи Ямасита. 明治 の 細密 工 芸 стр.80. Хейбонша, 2014 ISBN  978-4582922172
  24. ^ Масаюки Мурата. 明治 工 芸 入門 стр.24. Я не я, 2017 ISBN  978-4907211110
  25. ^ Эрл 1999 С. 30–31.
  26. ^ а б Лидделл, К. Б. (14 декабря 2013 г.). "[Обзор:] Японизм и подъем современного искусства: искусство периода Мэйдзи". The Japan Times. Получено 2020-03-19.
  27. ^ а б Эрл 1999, п. 31.
  28. ^ Эрл 1999 С. 32–33.
  29. ^ Эрл 1999, п. 349.
  30. ^ а б Эрл 1999 С. 347–348.
  31. ^ Кортацци, сэр Хью (2014-01-16). "[Обзор:] Японизм и подъем современного искусства: Искусство периода Мэйдзи, Коллекция Халили". Японское общество Великобритании. Архивировано из оригинал на 2014-08-14. Получено 2020-03-19.
  32. ^ Эрл 1999, п. 29.
  33. ^ Музей Киёмидзу Саннэндзака
  34. ^ 第 12 回 「創造 す る 伝 統 賞」. Японский фонд искусств.
  35. ^ Видео лекции, посвященной важности Окакура и японского искусства для глобального модернизма[постоянная мертвая ссылка ], Школа перспективных исследований, Июль 2011 г.
  36. ^ а б Эрл 1999, п. 252.
  37. ^ Ирвин, Грегори (2013). "Вакон Ёсай- Японский дух, западные техники: искусство периода Мэйдзи для Запада ». В Ирвине, Грегори (ред.). Японизм и подъем современного искусства: искусство периода Мэйдзи: коллекция Халили. Нью-Йорк: Темза и Гудзон. п. 177. ISBN  978-0-500-23913-1. OCLC  853452453.
  38. ^ Эрл 1999, п. 287.
  39. ^ Юдзи Ямасита. 明治 の 細密 工 芸 с.122, с.132. Хейбонша, 2014 ISBN  978-4582922172
  40. ^ Тойоро Хида, Грегори Ирвин, Кана Ооки, Томоко Хана и Юкари Муро. Намикава Ясуюки и японская Cloisonné Очарование Мэйдзи Cloisonné: эстетика полупрозрачного черного, стр 182-188, Газеты Mainichi Newspapers Co, Ltd, 2017
  41. ^ Эрл 1999, п. 254.
  42. ^ Сетон, Алистер (2012-06-26). Коллекционирование японского антиквариата. Издательство Tuttle. п. 388. ISBN  978-1-4629-0588-1.
  43. ^ «Японские художественные эмали». Декоратор и меблировщик. 21 (5): 170. 1893. ISSN  2150-6256. JSTOR  25582341. Мы сомневаемся, что какая-либо форма искусства эмали может сравниться с работой, выполненной в Японии, которая отличается большой свободой дизайна и тончайшими градациями цвета.
  44. ^ Эрл 1999 С. 186–187.
  45. ^ Эрл 1999, п. 185.
  46. ^ Юдзи Ямасита. 明治 の 細密 工 芸 С. 60-61. Хейбонша, 2014 ISBN  978-4582922172
  47. ^ Эрл 1999, п. 187.
  48. ^ а б c Эрл 1999, п. 64.
  49. ^ Эрл 1999, п. 66.
  50. ^ Эрл 1999, п. 330.
  51. ^ Эрл 1999 С. 116–117.
  52. ^ Checkland, Оливия (2003). Япония и Великобритания после 1859 года: налаживая культурные мосты. Рутледж Керзон. п. 45. ISBN  9781135786199. Получено 28 апреля 2020.
  53. ^ Эрл 1999 С. 117–119.
  54. ^ 受 賞 経 歴 Музей посуды Макузу
  55. ^ а б «Япония» в Британская энциклопедия (1902), том 29, страницы 724–725.
  56. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 181.
  57. ^ а б Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 182.
  58. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. С. 298н11.
  59. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 183.
  60. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 185.
  61. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. С. 193–94.
  62. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 194.
  63. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 266.
  64. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 273.
  65. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. С. 208–9.
  66. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. п. 176.
  67. ^ Симпсон, Грегори (1 сентября 2014 г.). "Аре-Буре-Боке-Матик". UltraSomething.com. Получено 13 октября, 2020.
  68. ^ Капур, Ник (2018). Япония на распутье: конфликт и компромисс после Анпо. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета. С. 201–2.
  69. ^ Готтхардт, Алексса (18.09.2018). «7 гигантов современного японского искусства, которые не являются Мураками или Кусамой». Художественный. Получено 2019-04-22.
  70. ^ Фавелл, Адриан (2015). «Япония и мировой художественный мир». В Велтуисе, Олав; Куриони, Стефано Байя (ред.). Космополитические полотна: глобализация рынков современного искусства. Oxford University Press. п. 250. ISBN  978-0-19-871774-4.
  71. ^ Ассоциация потребительских исследований (США). Конференция (35: 2007: Мемфис) (2008). Достижения в исследованиях потребителей. Ассоциация потребительских исследований. п. 349. ISBN  978-0-915552-61-0. OCLC  799995265.
  72. ^ Эстетика и привлекательность. Дейл, Джошуа Пол, Гоггин, Джойс, 1959-, Лейда, Джулия, Макинтайр, Энтони П., Негра, Дайан, 1966-. Нью-Йорк. 2016. с. 2. ISBN  978-1-138-99875-9. OCLC  958469540.CS1 maint: другие (связь)

Источники

дальнейшее чтение

внешняя ссылка