Католическое искусство - Catholic art

Коронация Богородицы к Enguerrand Quarton (1453-54), с Христос и Бог Отец как идентичные числа, как указано священнослужителем, заказавшим работу.
Гвидо Рени с Архангел Михаил топчет Сатана (ок. 1636 г., в капуцинской церкви г. Санта-Мария-делла-Консесионе, Рим ).

Католическое искусство является Изобразительное искусство произведено членами или для членов католическая церковь. Это включает в себя Изобразительное искусство (иконография ), скульптура, декоративное искусство, прикладного искусства, и архитектура. В более широком смысле Католическая музыка также могут быть включены. Выражения искусства могут или не могут пытаться иллюстрировать, дополнять или изображать в материальной форме католическое учение. Католическое искусство сыграло ведущую роль в истории и развитии Западное искусство по крайней мере с 4 века. Основным предметом католического искусства была жизнь и времена Иисус Христос, вместе с людьми, связанными с ним, включая его ученики, то святые, и мотивы из Католическая Библия.

Самые ранние из сохранившихся произведений искусства - это нарисованные фрески на стенах катакомбы и дома собраний гонимые христиане из Римская империя. В Церковь в Риме находился под влиянием Римское искусство и религиозные художники того времени. Камень саркофаги римских христиан выставляют самую раннюю из сохранившихся резных скульптур Иисуса, Мэри и другие библейские персонажи. Легализация христианства с Миланский эдикт (313) преобразовали католическое искусство, приняв более богатые формы, такие как мозаика и освещенный рукописи. В иконоборчество полемика вкратце разделила Западная Церковь и Восточная Церковь, после чего художественное развитие шло по отдельным направлениям. Романский и Готическое искусство расцвела в Западной церкви по мере того, как стиль живописи и скульптуры стал все более натуралистическим.

В Протестантская реформация в 16 веке произвела новую волну разрушения образа, на что католическая церковь ответила драматическим, тщательно продуманным эмоциональным Барокко и Рококо стили, чтобы подчеркнуть Красота как трансцендентный. В 19 веке лидерство в западном искусстве отошло от католической церкви, которая, после принятия исторического возрождения, все больше находилась под влиянием модернист движение, движение, которое в своем «восстании» против природы противостоит церковному акценту на природе как добром творении Бог.

Начало

Христос Иисус,[1] то Хороший пастух, 2 век.
Основная статья: Раннехристианское искусство

Христианское искусство почти столько же лет, сколько само христианство. Самые старые христианские скульптуры из римских саркофаги, датируемые началом 2 в. Однако как преследуемая секта самые ранние христианские образы были загадочными и должны были быть понятны только посвященным. Ранний христианин символы включают голубя, рыбу, ягненка, крест, символическое изображение Четыре евангелиста как звери, и Хороший пастух. Ранние христиане также адаптированы римские декоративные мотивы как павлин, виноградная лоза и добрый пастырь. Это в Катакомбы Рима что узнаваемые изображения христианских фигур впервые появляются в количестве. Недавно раскопанный Дура-Европос домовая церковь на границах Сирии датируется примерно 265 годом нашей эры и содержит множество изображений периода гонений. Выжившие фрески из баптистерий зал входят в число самых древних христианских картин. Мы видим «Доброго пастыря», «Исцеление парализованного» и «Христа и Петра, идущие по воде». На гораздо большей фреске изображены две Марии, посещающие могилу Христа.[2]

Богородица с младенцем. Роспись стен с начала катакомбы, Рим, 4 век.

В 4 веке Миланский эдикт разрешил публичное христианское богослужение и привел к развитию монументального христианского искусства. Христиане смогли построить здания для поклонения более крупными и красивыми, чем те тайные места встреч, которые они использовали. Существующие архитектурные формулы для храмов были непригодны, потому что языческие жертвоприношения совершались на открытом воздухе на глазах богов, на фоне храма, в котором размещались культовые фигуры и сокровищница. В качестве архитектурного образца для больших церквей христиане выбрали базилика, римское общественное здание, используемое для правосудия и администрации. Эти церкви-базилики имели центр неф с одним или несколькими проходы с каждой стороны и закругленный апсида на одном конце: на этой возвышенной платформе сидели епископ и священники, а также алтарь. Хотя кажется, что ранние алтари были построены из дерева (как в случае с церковью Дура-Европос), алтари этого периода были построены из камня и стали становиться более богатыми. Теперь для искусства можно было использовать более богатые материалы, такие как мозаика которые украшают Санта-Мария-Маджоре в Риме и базиликах V века Равенна, где начинают развиваться повествовательные последовательности.

Много христианского искусства заимствовано из имперских образов, в том числе Христос в величии, и использование гало как символ святости. Поздний античный Христианское искусство заменило классическое Эллинистический натурализм с более абстрактной эстетикой. Основная цель этого нового стиля - передать религиозный смысл, а не точно передать предметы и людей. Реалистичная перспектива, пропорции, свет и цвет были проигнорированы в пользу геометрического упрощения. обратная перспектива и стандартизированные условные обозначения для изображения людей и событий. Иконки Христа, Марии и святых, резьба по слоновой кости,[3] и иллюминированные рукописи стали важными средствами массовой информации - даже более важными с точки зрения современного понимания, поскольку почти все немногие сохранившиеся произведения, кроме зданий, того периода состоят из этих переносных объектов.

Византийское и восточное искусство

6-й? век значок из Христос Вседержитель, очень редкий пре-Иконоборчество значок.
Основная статья: Византийское искусство

Посвящение Константинополь как столица в 330 г. н.э. создал новый великий христианский художественный центр для Восточная Римская Империя, которая вскоре стала отдельной политической единицей. Основные константинопольские церкви, построенные при императоре Константине и его сыне, Констанций II, включал оригинальные основы Собор Святой Софии и Церковь Святых Апостолов.[4] Поскольку Западная Римская Империя распавшееся и захваченное «варварскими» народами, искусство Византийской империи достигло уровней изощренности, мощи и артистизма, ранее невиданных в христианском искусстве, и установило стандарты для тех частей Запада, которые все еще были связаны с Константинополем.

Это достижение было проверено полемикой по поводу использования гравированные изображения и правильное толкование второй заповеди, что привело к кризису иконоборчество или уничтожение религиозных образов, потрясшее Империю между 726 и 843 годами. Восстановление православия иконодулизм привело к строгой стандартизации религиозных образов в Восточная Православная Церковь. Византийское искусство становились все более консервативными, так как форма самих изображений многие божественное происхождение или думал, что был нарисован Святой Лука или другие фигуры, как считалось, имели статус, близкий к статусу библейского текста. Их можно скопировать, но нельзя улучшить. В качестве уступки настроениям иконоборцев монументальная религиозная скульптура была фактически запрещена. Ни того, ни другого в Западной Европе не придерживалось, но византийское искусство тем не менее имело там большое влияние до Высокое средневековье, и долгое время оставался очень популярным благодаря огромному количеству икон Критская школа экспортируется в Европу еще в эпоха Возрождения. По возможности, византийских художников привлекали для таких проектов, как мозаика в Венеция и Палермо. Загадочные фрески на Castelseprio может быть примером работы греческого художника, работающего в Италии.

Искусство Восточный католицизм всегда был ближе к православному искусству Греции и России. А в странах, близких к православному миру, особенно Польша Католическое искусство имеет много православных влияний. В Черная Мадонна Ченстоховская Возможно, он был византийского происхождения - он был перекрашен, и это трудно сказать. Другие изображения, безусловно, греческого происхождения, например Salus Populi Romani и Богоматерь вечной помощи Обе иконы в Риме веками были предметом особого почитания.

Хотя влиянию часто оказывалось сопротивление, особенно в России, католическое искусство также во многих отношениях повлияло на православные изображения, особенно в таких странах, как Румыния, а в поствизантийском Критская школа, что привело Греческий православный искусство под властью Венеции в 15-16 веках. Эль Греко покинул Крит в относительно молодом возрасте, но Майкл Дамаскинос вернулся после непродолжительного пребывания в Венеции и смог переключаться между итальянским и греческим стилями. Даже традиционалист Феофан Критянин, работая в основном над Гора Афон, тем не менее, демонстрирует безошибочное влияние Запада.

Католическое учение о священных изображениях

Католическая богословская позиция в отношении священных изображений осталась практически идентичной позиции, изложенной в Либри Каролини, хотя это наиболее полное средневековое выражение западных взглядов на образы, на самом деле было неизвестно в средние века. Его подготовили около 790 г. Карл Великий после того, как плохой перевод заставил его двор поверить, что византийский Второй Никейский собор одобрили поклонение изображениям, что на самом деле было не так. Католический ответный удар установил средний курс между крайними позициями Византийское иконоборчество и иконописцы, одобряя почитание изображений за то, что они представляли, но не принимая то, что стало православной позицией, что изображения в какой-то степени разделяли природу того, что они представляли (вера позже вновь всплыла на Западе в Неоплатонизм эпохи Возрождения ).

Для западной церкви изображения были просто предметами, сделанными мастерами, которые использовались для стимулирования чувств верующих и чтобы их уважали ради изображаемого предмета, а не сами по себе. Хотя в популярной религиозной практике часто присутствовала тенденция выходить за эти пределы, до появления идеи коллекционирования старинного искусства церковь обычно жестоко избавлялась от ненужных изображений, к большому сожалению искусствоведов. Наиболее монументальная скульптура первого тысячелетия, которое уцелело, было разрушено и повторно использовано в качестве обломков при восстановлении церквей.

В практических вопросах, касающихся использования изображений, в отличие от их теоретического места в теологии, Либри Каролини были на анти-иконическом конце спектра католических взглядов, например, довольно неодобрительно относясь к зажиганию свечей перед изображениями. Такие взгляды часто высказывались отдельными церковными лидерами, например, знаменитый пример св. Бернар Клервоский, хотя многие другие придерживались другого пути и поощряли и заказывали искусство для своих церквей. На самом деле Бернар был против декоративных образов в монастырях, которые не были строго религиозными, и популярные проповедники, такие как Святой Бернардино Сиенский и Савонарола регулярно нацелены на светские изображения, принадлежащие мирянам.

Раннее средневековье

Фолио 27r из Линдисфарнские Евангелия содержит инципит Liber generationis из Евангелие от Матфея.
Основные статьи: Островное искусство и Каролингское искусство

В то время как политическая структура Западной Римской империи рухнула после падения Рима, Церковь продолжала финансировать искусство, где могла. Самыми многочисленными сохранившимися произведениями раннего периода являются иллюминированные манускрипты, на данный момент все предположительно созданные духовенством, часто включая настоятелей и других высокопоставленных лиц. Монастырский гибрид «варварских» декоративных стилей и книги в Островное искусство из Британские острова с 7-го века должен был иметь огромное влияние в европейском искусстве для остальной части Средний возраст, открывая альтернативный путь классицизму, переданному на континент Гиберно-шотландская миссия. В этот период Евангелие, при этом изобразительное искусство ограничивается в основном Портреты евангелистов, как правило, это были книги, наиболее богато оформленные; то Келлская книга это самый известный пример.

Император 9 века Карл Великий намеревался создать произведения искусства, соответствующие статусу возрожденной Империи. Каролингский и Оттонское искусство был в основном ограничен кругом императорского двора и различных монастырских центров, каждый из которых имел свой собственный художественный стиль. Каролингские художники сознательно пытались подражать доступным им образцам византийского и позднеантичного искусства, копируя рукописи, такие как Хронография 354 г. и производя такие работы, как Утрехтская Псалтырь, который до сих пор разделяет мнение историков искусства о том, является ли это копией гораздо более ранней рукописи или оригинальным творением Каролингов. Это, в свою очередь, было трижды скопировано в Англии, наконец, в стиле ранней готики.

Святой Марк из Каролингов Евангелия Эббо.

Резные фигурки из слоновой кости, часто для обложек книг, рисовали на диптихи из Поздняя античность. Например, передняя и задняя обложки Евангелия от Лорша представляют собой имперский триумф VI века, адаптированный к торжеству Христа и Богородицы. Однако они также опирались на островные традиции, особенно в декоративных деталях, значительно улучшив их с точки зрения изображения человеческой фигуры. Копии Священных Писаний или литургических книг, иллюстрированные на пергамент и украшенные драгоценными металлами, изготавливались в аббатствах и женских монастырях по всей Западной Европе. Работа как Стокгольмский Кодекс Aureus («Золотая книга») может быть написана сусальное золото на фиолетовый веллум, в подражание римским и византийским императорским рукописям.[5] Англосаксонское искусство часто были более свободными, больше использовали живые линейные рисунки, и были другие отличные традиции, такие как группа необычных Мосарабский рукописи из Испании, в том числе Saint-Sever Beatus, и те, кто в Жирона и Библиотека Моргана.

Мы знаем, что у Карла Великого было распятие в натуральную величину с фигурой Христа из драгоценного металла на его теле. Палатинская капелла в Ахене, и многие такие объекты, которые сейчас исчезли, зарегистрированы в больших англосаксонских церквях и в других местах. В Золотая Мадонна Эссена и несколько меньших фигур в реликвариях теперь все, что осталось от этой впечатляющей традиции, полностью выходящей за рамки византийских норм. Как и фигура Эссена, предположительно все они были сделаны из тонких листов золота или серебра, поддерживаемых деревянным сердечником.

Романский

В Геро Кросс около 960 (кадр позже)
Основные статьи: Романское искусство и Романская архитектура

Романское искусство, давно предшествующий Дороманский, развивалась в Западной Европе примерно с 1000 г. до н.э. до расцвета готического стиля. Церковное строительство характеризовалось увеличением высоты и габаритов. Сводчатые крыши поддерживали толстые каменные стены, массивные столбы и округлые арки. Темные интерьеры освещались фресками с изображением Иисуса, Марии и святых, часто основанных на византийских моделях.

Резьба по камню украшала экстерьер и интерьер, особенно тимпан над главным входом, где часто Христос в величии или в Правосудии, и большой деревянный распятие была немецкой инновацией в самом начале того периода. Капители колонн также часто были украшены фигурными сценами. Ансамбль больших и хорошо сохранившихся церквей на Кёльн, затем крупнейший город к северу от Альп, и Сеговия в Испании сегодня являются одними из лучших мест, чтобы оценить влияние новых более крупных церквей на городской пейзаж, но существует множество отдельных зданий, начиная с Дарем, Эли и Соборы Турне большому количеству отдельных церквей, особенно на юге Франции и Италии. В более процветающих районах многие романские церкви сохранились, покрытые барочной перестройкой, с которой гораздо легче справиться, чем с готической церковью.

Немногие из больших настенных росписей, которые первоначально покрывали большинство церквей, сохранились в хорошем состоянии. В Страшный суд обычно изображался на западной стене с Христос в величии в полукуполе апсиды. Обширные повествовательные циклы Жизнь Христа были разработаны, и Библия, с псалтырь, стал типичным фокусом освещения, с большим использованием исторические инициалы. Металлоконструкции, включая отделку в эмаль, стал очень сложным, и многие впечатляющие святыни, сделанные для хранения реликвий, сохранились до наших дней, из которых самым известным является Храм Трех королей в Кельнском соборе к Николай Верденский и другие (ок. 1180–1225).

Готическое искусство

Основные статьи: Готическое искусство и Готическая архитектура
Западный (Королевский) портал в Шартрский собор (ок. 1145). Эти архитектурные статуи являются одними из самых ранних готических скульптур и стали революцией в стиле и образцом для поколения скульпторов.

Готическое искусство зародилось во Франции в середине XII века. В Базилика Сен-Дени построен Аббат Сугер был первым крупным зданием в готическом стиле. Новый монашеские ордена, особенно Цистерцианцы и Картезианцы, были важными строителями, которые разработали отличительные стили, которые они распространили по всей Европе. В Францисканский монахи построили функциональные городские церкви с огромными открытыми нефами для проповеди большим прихожанам. тем не мение региональные вариации оставался важным, даже когда к концу 14 века согласованный универсальный стиль, известный как Интернациональная готика эволюционировали, что продолжалось до конца 15 века и далее во многих областях. Основным средством готического искусства была скульптура, панно, витраж, фреска и иллюминированная рукопись, хотя религиозные образы также выражались в изделиях из металла, гобеленах и вышитом облачении. Архитектурные новшества остроконечной арки и Аркбутан Допускаются более высокие и светлые церкви с большими площадями застекленных окон. Готическое искусство в полной мере использовало эту новую среду, рассказывая повествовательная история через картины, скульптуру, витражи и высокую архитектуру. Шартрский собор является ярким примером этого.

Готическое искусство часто типологический по своей природе, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предшествовали событиям Нового, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны бок о бок в таких произведениях, как Зеркало Humanae Salvationis, и украшение церквей. Готический период совпал с большим возрождением в Мариан преданность, в котором изобразительное искусство играло большую роль. Образы Девы Марии развились из византийских иератических типов через Коронация Богородицы, более человеческим и интимным типам, и циклам Жизнь Богородицы были очень популярны. Исполнители любят Джотто, Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии и Ранняя нидерландская живопись, привнесла в искусство реализм и человечность. Западные художники и их покровители стали намного увереннее в новаторских решениях. иконография, и заметно больше оригинальности, хотя скопированные формулы все еще использовались большинством художников. В книга часов был разработан, в основном для непрофессиональных пользователей, которые могут их себе позволить - самый ранний известный пример похоже, написал для неизвестной мирянки, живущей в Небольшая деревня возле Оксфорд примерно в 1240 году - и теперь образцы королевской и аристократической власти стали типом рукописей, наиболее часто щедро украшенных. Большая часть религиозного искусства, включая иллюминированные манускрипты, теперь создавалась непрофессиональными художниками, но заказывающий покровитель часто подробно указывал, что должна была содержать работа.

Человек печали к Мейстер Франк, ок. 1435

На иконографию повлияли изменения в богословии с изображениями Успение Марии завоевывая позиции старшего Смерть Богородицы, и в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna, который произвел новые трактовки Христа в andachtsbilder такие предметы, как Человек печали, Задумчивый Христос и Пьета, в котором подчеркивается его человеческое страдание и уязвимость, параллельно с изображением Богородицы. Многие такие изображения теперь были маленькими картины маслом предназначен для частной медитации и преданности в домах богатых. Даже в Страшные приговоры Теперь обычно изображали Христа, обнажающим грудь, чтобы показать раны на его теле. Страсть. Святых показывали чаще, и алтарь показал святых, имеющих отношение к конкретной церкви или жертвователю, присутствовавших на Распятие или на троне Богородица с младенцем, или занимающие центральное пространство сами по себе (это обычно для работ, предназначенных для приделов). За этот период многие древние иконографические особенности, возникшие в Новозаветный апокриф постепенно устранялись под давлением клерикалов, как и акушерки на рождество, хотя другие были слишком хорошо известны и считались безобидными.[6]

В ранней нидерландской живописи из богатейших городов Северной Европы новый минутный реализм в картина маслом сочетался с тонкими и сложными богословскими аллюзиями, выраженными именно через очень подробные настройки религиозных сцен. В Алтарь Мерод (1420-е годы) из Роберт Кампин и Вашингтон Ван Эйк Благовещение или же Мадонна канцлера Ролена (оба 1430-х годов, автор Ян ван Эйк ) являются примерами.[7]

В 15 веке введение дешевых отпечатки, в основном в гравюра на дереве, дало возможность даже крестьянам иметь дома религиозные образы. Эти крошечные изображения в нижней части рынка, часто грубо окрашенные, продавались тысячами, но сейчас они крайне редки, большинство из них приклеено к стенам. Сувениры паломничества к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки, медали и ампулы штампы с изображениями также были популярны и дешевы. С середины века блок-книги, с текстом и изображениями, вырезанными как гравюра на дереве, похоже, были доступны для приходские священники в Низкие страны, где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, все еще в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для зажиточного среднего класса, как и гравюры достаточно качественного по печатники подобно Исрахель ван Мекенем и Мастер Э.С..

Для богатых, маленьких панно, четное полиптихи в картина маслом, становились все более популярными, часто показывали донорские портреты рядом, хотя часто и намного меньше, изображенная Богородица или святые. Обычно они выставлялись дома.

Искусство эпохи Возрождения

Мадонна в скалах, (Лувр версия), Леонардо да Винчи, 1483–1486
Статуи в Собор Святого Мартина, Утрехт, атаковали в Реформация иконоборчество в 16 веке.[8]

Искусство эпохи Возрождения, находящийся под сильным влиянием «возрождения» (французский: эпоха Возрождения), представляющие интерес к искусству и культуре классической античности, первоначально продолжали тенденции предшествующего периода без фундаментальных изменений, но с использованием классической одежды и архитектурных декораций, которые, в конце концов, были очень подходящими для сцен Нового Завета. Однако явная потеря религиозной силы очевидна во многих Раннее Возрождение религиозные картины - знаменитые фрески в Часовня Торнабуони к Доменико Гирландайо (1485–1490), похоже, больше интересуются подробным изображением сцен буржуазной городской жизни, чем их действительные сюжеты, Жизнь Богородицы и что из Иоанн Креститель, а Часовня волхвов из Беноццо Гоццоли (1459–61) - это скорее празднование Медичи статус, чем Прибытие волхвов. Оба этих примера (в которых все еще использовалась современная одежда) происходят из Флоренция, сердце раннего Возрождения и место, где харизматичный Доминиканский проповедник Савонарола начал свою атаку на суетность жизни и искусства горожан, кульминацией которой стал знаменитый Костер тщеславия в 1497 г .; на самом деле другие проповедники десятилетиями проводили аналогичные мероприятия, но в меньшем масштабе. Много Раннее Возрождение художники, такие как Фра Анджелико и Боттичелли были чрезвычайно набожны, и последний был одним из многих, кто подпал под влияние Савонаролы.

Краткое Высокое Возрождение (ок. 1490–1520 гг.) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль коренным образом изменила католическое искусство, порвав со старой иконографией, которая была полностью интегрирована с богословскими традициями для оригинальных композиций, отражавших как художественные императивы, так и влияние Гуманизм эпохи Возрождения. И Микеланджело, и Рафаэль работали почти исключительно на Папство на протяжении большей части своей карьеры, включая 1517 год, когда Мартин Лютер написал его Девяносто пять тезисов. Связь между событиями была не просто хронологической, поскольку индульгенции это спровоцировало Лютер, помог финансировать папскую художественную программу, как указывали многие историки.

Большинство картин пятнадцатого века этого периода были религиозными. В каком-то смысле это самоочевидно, но «религиозные картины» относятся не только к определенному диапазону предметов; это означает, что изображения существовали для институциональных целей.Церковь заказывала произведения искусства по трем основным причинам: первая - это идеологическая обработка, четкие изображения могли передать значение необразованному человеку. Второе - это легкость запоминания: изображения святых и других религиозных деятелей позволяют установить точку психологического контакта. Третий - вызвать трепет в сердце зрителя, Иоанн Генуэзский считал, что это легче сделать с изображением, чем со словами. Принимая во внимание эти три постулата, можно предположить, что золото использовалось, чтобы внушать трепет в уме и сердце смотрящего, но позже, во время Протестантская реформация способность обрабатывать золото с помощью простых пигментов показывала мастерство художника таким образом, что применение сусальное золото к панели не[9]

В Протестантская реформация был холокостом искусства во многих частях Европы. Несмотря на то что Лютеранство был готов жить с существующим католическим искусством, пока оно не стало предметом поклонения, более радикальные взгляды Кальвин, Цвингли и другие считали публичные религиозные образы любого рода идолопоклонство, а искусство систематически уничтожалось в областях, где господствовали их последователи. Этот деструктивный процесс продолжался до середины 17 века, когда религиозные войны принесли периоды иконоборец Протестантский контроль над большей частью континента. В Англии и Шотландии разрушение религиозного искусства, наиболее интенсивное в период Английское Содружество, было особенно тяжело. Некоторые каменные скульптуры, рукописи с подсветкой и витражи (замена дорогих) сохранились, но из тысяч высококачественных произведений живописи и резьбы по дереву, произведенных в средневековой Британии, практически не осталось.[10]

В Риме мешок 1527 г. католиком Император Карл V и его в основном протестантские наемные войска были чрезвычайно разрушительны как для искусства, так и для художников, многие из биографических записей которых внезапно обрываются. Другим художникам удавалось бежать в разные уголки Италии, часто с трудом подбирая нить своей карьеры. Итальянские художники, за редким исключением вроде Джироламо да Тревизо, похоже, не испытывали особого интереса к протестантизму. Однако в Германии ведущие деятели, такие как Альбрехт Дюрер и его ученики, Лукас Кранах Старший, Альбрехт Альтдорфер и Дунайская школа, и Ганс Гольбейн Младший все последовали за реформаторами. Развитие немецкой религиозной живописи резко остановилось примерно к 1540 году, хотя многие отпечатки и продолжали выпускаться книжные иллюстрации, особенно на темы Ветхого Завета.

Совет Трента

Страшный суд фреска в Сикстинская капелла к Микеланджело (1534–1541) подвергался постоянным нападкам в Контрреформация за, среди прочего, наготу (позже закрашенную на несколько веков), не показывающую сидящего или бородатого Христа и включающую языческую фигуру Харон.

Итальянская живопись после 1520 г., за исключением искусства Венеция, разработан в Маньеризм, очень изощренный стиль, стремящийся к эффекту, который вызвал беспокойство многих церковников, что он не привлекает широкие массы населения. Давление церкви, направленное на ограничение религиозных образов, повлияло на искусство 1530-х годов и привело к постановлениям последней сессии Совет Трента в 1563 г. в том числе короткие и довольно неясные отрывки, касающиеся религиозных образов, которые должны были иметь большое влияние на развитие католического искусства. Предыдущий католик Церковные советы редко чувствовал необходимость высказаться по этим вопросам, в отличие от Православный те, которые часто применялись к определенным типам изображений.

Указ подтвердил традиционную доктрину, согласно которой изображения представляют только изображаемого человека, и что почитание к ним относится к самому человеку, а не к изображению, и далее предписывалось, что:

... всякое суеверие должно быть устранено ... всякое распутство должно быть устранено; таким образом, чтобы фигуры не были раскрашены или украшены красотой, возбуждающей вожделение ... не было видно ничего беспорядочного, неприличного или неуместного, ничего нечестивого, неприличного, поскольку святость становится домом Священный Синод постановляет, что никому не разрешается размещать или заставлять помещать любые необычные изображения в любом месте или церкви, вне зависимости от того, где это исключено, за исключением этого изображения. были одобрены епископом ...[11]

Через десять лет после указа Паоло Веронезе был вызван Инквизиция чтобы объяснить, почему его Последний ужин, огромное полотно для трапезная монастыря, содержащего, по словам инквизиции, «скоморохов, пьяных немцев, гномов и других подобных мерзостей», а также экстравагантные костюмы и декорации, что на самом деле является фантастической версией венецианского патрицианского пира.[12] Веронезе сказали, что он должен сменить картину в течение трех месяцев - на самом деле он просто изменил название на Праздник в доме Леви, все еще эпизод из Евангелий, но менее важный с точки зрения доктрины, и больше ничего не сказано.[13] Но количество таких декоративных обработок религиозных предметов резко сократилось, равно как и «неприлично или неправильно расположенные» произведения маньеризма, как и ряд книг, особенно фламандского богослова. Молан (De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus («Трактат о священных изображениях»), 1570 г.), кардинал Федерико Борромео (De Pictura Sacra) и кардинал Габриэле Палеотти (Discorso, 1582), а также инструкции местных епископов, усиливали указы, часто вдаваясь в подробности того, что было приемлемо. Один из самых ранних из них, Degli Errori dei Pittori (1564 г.), Доминиканский теолог Андреа Гилио да Фабриано присоединился к хору критики Микеланджело Страшный суд и защищал набожную и простую природу многих средневековых образов. Но другие писатели менее сочувствовали средневековому искусству, и многие традиционные иконографии, считавшиеся без адекватной библейской основы, были фактически запрещены (например, Обморок Богородицы ), как и любое включение классических языческих элементов в религиозное искусство, и почти вся нагота, включая младенца Иисуса.[14] По мнению великого медиевиста Эмиль Мале, это была «смерть средневекового искусства».[15]

Искусство барокко

Основная статья: Барокко
Алтарь Vierzehnheiligen, паломническая церковь в Верхняя Франкония.

Искусство барокко, развивавшееся в течение десятилетий после Трентского Собора, хотя степень его влияния на него является предметом споров, определенно отвечало большинству требований Собора, особенно на более ранних, более простых этапах, связанных с Карраччи и Караваджо, который, тем не менее, встретил сопротивление клерикалов по поводу реализма его священных фигур.

Распятие Святого Петра, 1601. Часовня Чераси, Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Объекты были показаны прямым и драматичным образом, с относительно небольшим количеством заумных намеков. Выбор сюжетов был значительно расширен, поскольку художники эпохи барокко находили новые библейские эпизоды и драматические моменты из жизни святых. По мере того, как движение продолжалось в 17 веке, простота и реализм имели тенденцию к уменьшению, более медленно в Испании и Франции, но драма оставалась, создаваемая изображением крайних моментов, драматического движения, цвета и светотень освещение, а при необходимости хозяева возбужденных херувимы и кружащиеся облака, все предназначенные, чтобы сокрушить поклоняющегося. Архитектура и скульптура нацелены на одинаковые эффекты; Бернини (1598–1680) олицетворяет стиль барокко в этих искусствах. Искусство барокко распространилось по католической Европе и в заграничные миссии в Азии и Америке, чему способствовали Иезуиты и Францисканцы, выделение живописи и / или скульптуры из Кито Школа, Школа Куско и Школа религиозных образов Чилоте.

Новые культовые предметы, популяризированные в период барокко, включали Священное Сердце Иисуса и непорочное зачатие Марии; окончательная иконография для последнего, по-видимому, была установлена ​​мастером, а затем тестем Диего Веласкес, художник и теоретик Франсиско Пачеко, кому инквизиция в Севилья также подписал контракт на утверждение новых изображений. В Успение Марии стал очень распространенным предметом, и (несмотря на Караваджо этого предмета) Смерть Богородицы почти исчезло в католическом искусстве; Молан и другие высказались против.

18-ый век

Джанбаттиста Тьеполо, Мадонна с младенцем и святым Филип Нери, 1739–40

В XVIII веке светское барокко превратилось в еще более яркое, но легкое Рококо стиль, который было трудно адаптировать к религиозной тематике, хотя Джанбаттиста Тьеполо смог это сделать. Во второй половине века была реакция, особенно в архитектуре, против барокко, и возвращение к более строгому классическому и Палладиан формы.

К настоящему времени темпы производства религиозного искусства заметно замедлились. После волны строительства и перестройки в период барокко католические страны были явно переполнены церквями, монастырями и женскими монастырями, в случае некоторых мест, таких как Неаполь, почти абсурдно. Церковь теперь была менее важна как покровитель, чем члены королевской семьи и аристократия, и спрос среднего класса на искусство, в основном светское, быстро рос. Художники теперь могли сделать успешную карьеру, создавая портреты, пейзажи, натюрморты или другие жанровые специальности, никогда не создавая религиозных сюжетов - что-то необычное, до сих пор необычное для католических стран, хотя давно стало нормой в протестантских. Количество продаж картин, металлических изделий и другого церковного инвентаря частным коллекционерам увеличилось в течение столетия, особенно в Италии, где большое путешествие дала начало сети дилеров и агентов. Леонардо да Винчи Лондон Мадонна в скалах был продан шотландскому художнику и дилеру Гэвин Гамильтон церковью в Милане, для которой она была написана примерно в 1781 году; версия в Лувр очевидно, что три века назад сам Леонардо отвел его из той же церкви, чтобы отправиться к королю Франции.

Войны после французская революция увидели большое количество лучших произведений искусства, в частности картин, тщательно отобранных для присвоения французскими армиями или установленными ими светскими режимами. Многие были отправлены в Париж на Лувр (некоторые из них должны быть возвращены, а другие нет) или местные музеи, созданные французами, например Brera в Милан. Подавление монастырей, которое длилось десятилетия при католической Просвещенные деспоты из Ancien Régime, например в Указ о бездействующих учреждениях (1780) из Иосиф II Австрии, значительно усилилось. К 1830 году большая часть лучшего католического религиозного искусства выставлялась на всеобщее обозрение в музеях, как и с тех пор. Это, несомненно, расширило доступ ко многим произведениям и повысило осведомленность общественности о наследии католического искусства, но за это пришлось заплатить, поскольку предметы стали рассматривать как имеющие в первую очередь художественное, а не религиозное значение, и рассматривались вне их первоначального контекста и окружения. они были созданы для.

19 и 20 века

Отречение св. Елизаветы Венгерской (1850 г.) Прерафаэлит художник Джеймс Коллинсон, обращенный в католицизм

В 19 веке католические и протестантские церкви широко отвергли классицизм, связанный с французская революция и Просвещение секуляризм. Это привело к Готическое возрождение, возвращение к готическим формам в архитектуре, скульптуре и живописи, во главе с такими людьми, как Август Пугин в Англии и Эжен Виолле-ле-Дюк во Франции. По всему миру тысячи готических церквей и соборов были построены в рамках новой волны церковного строительства, и университетская готика стиль стал нормой для других церковных учреждений. Средневековые готические церкви, особенно в Англии и Франции, восстанавливались, часто очень жестоко. В живописи подобное отношение привело к тому, что немецкий Назарянинское движение и английский Прерафаэлиты. Оба движения охватывали как католиков, так и протестантов, но включали некоторых художников, принявших католицизм.

Типичный популярный образ Непорочное Сердце Марии

Помимо этих и подобных движений, мир искусства истеблишмента производил гораздо меньше религиозной живописи, чем когда-либо со времен Римской империи, хотя было создано много видов прикладного искусства для церковного оборудования в готическом стиле. Коммерческое популярное католическое искусство процветало с использованием более дешевых методов массового воспроизведения. Цветная литография позволила дешево воспроизводить цветные изображения, что привело к гораздо более широкому распространению святые карты. Большая часть этого искусства продолжала использовать разбавленные версии стилей барокко. В Непорочное Сердце Марии был новым предметом XIX века, и новые явления в Лурдес и Фатима, а также новые святые предоставили новые предметы для искусства.

Архитекторы начали возрождать другие ранние христианские стили и экспериментировать с новыми, получая такие результаты, как Сакре-Кер в Париже, Саграда Фамилия в Барселоне и под влиянием Византии Вестминстерский собор В Лондоне. ХХ век привел к принятию модернист стили архитектуры и искусства. Это движение отвергало традиционные формы в пользу утилитарных форм с минимумом декора. В таком искусстве избегали натурализма и человеческих качеств, отдавая предпочтение стилизованным и абстрактным формам. Примеры модернизма включают Ливерпульский кафедральный собор Христа-Царя, и Лос-Анджелесский собор.

Современные католические художники включают Брайан Уилан и Эфрен Ордонез и Ade Bethune и Имоджен Стюарт и Жорж Руо.[16]

21-го века

Раннее внедрение модернистских стилей на заре 21 века продолжилось тенденциями 20 века. Художники начали экспериментировать с материалами и цветами. Во многих случаях это способствовало упрощению, которое приводило к сходству с раннехристианским искусством. Простота рассматривалась как лучший способ донести до зрителя чисто христианское послание.

Предметы

Гентский алтарь: Поклонение агнцу (вид изнутри) картина Яна ван Эйка в 1432 году
В Уилтон Диптих (ок. 1395–1399), дерево, темпера, каждая секция 57 см × 29,2 см (22,44в × 11,50 дюйма). Национальная галерея, Лондон

Некоторые из наиболее распространенных предметов, изображаемых в католическом искусстве:

  • Категория: Христианская иконография

Жизнь Христа в искусстве:

Мэри:

Другой:

Смотрите также

Сноски

  1. ^ «Фигура (...) - это аллегория Христа как пастыря» Андре Грабарда, «Христианская иконография, исследование ее происхождения», ISBN  0-691-01830-8
  2. ^ Жан Лассус. Достопримечательности западного искусства. Эд. Б. Майерс, Т. Коплстоун. (Hamlyn Publishing, 1965, 1985) с.187.
  3. ^ W.F. Вольбах, Elfenbeinarbeiten der Spätantike und des frühen Mittelalters (Майнц, 1976).
  4. ^ Т. Мэтьюз, Ранние церкви Константинополя: архитектура и литургия (Университетский парк, 1971); Н. Хенк, "Constantius ho Philoktistes?", Dumbarton Oaks Papers 55 (2001), 279-304 (доступно онлайн В архиве 2009-03-27 на Wayback Machine ).
  5. ^ Мишель П. Браун. Как христианство пришло в Британию и Ирландию. (Лайон Хадсон, 2006) стр. 176, 177, 191.
  6. ^ Мужчина, Эмиль (1913) Готический образ, религиозное искусство во Франции XIII века, p 165-8, English trans of 3 edn, 1913, Collins, London (и многие другие издания) - классическая работа о французском готическом церковном искусстве.
  7. ^ Лейн, Барбара Дж.,Алтарь и алтарь, сакраментальные темы в ранней нидерландской живописи, Харпер и Роу, 1984, ISBN  0-06-430133-8 подробно анализирует все эти работы. Смотрите также ссылки в статьях о работах.
  8. ^ Рождение и рост Утрехта В архиве 2013-12-14 в Wayback Machine
  9. ^ Альберти, Леон Баттиста. О живописи. Princeton University Press, 1981, стр. 215.
  10. ^ Рой Стронг. Утраченные сокровища Британии. (Пингвин викингов, 1990) стр. 47-65.
  11. ^ Текст 25-го указа Трентского совета
  12. ^ «Стенограмма показаний Веронезе». Архивировано из оригинал на 2009-09-29. Получено 2008-06-28.
  13. ^ Дэвид Ростан, Живопись в Венеции шестнадцатого века: Тициан, Веронезе, Тинторетто, 2-е изд. 1997 г., Cambridge UP ISBN  0-521-56568-5
  14. ^ Блант Энтони, Художественная теория в Италии, 1450–1660 гг., глава VIII, особенно стр. 107-128, 1940 (ссылки на изд. 1985 г.), ОУП, ISBN  0-19-881050-4
  15. ^ Смерть средневекового искусства Выписка из книги Эмиль Мале
  16. ^ http://www.visual-arts-cork.com/famous-artists/georges-rouault.htm

Рекомендации

внешняя ссылка